seleccionARTE

EL TEATRO DE LA VIDA, de SIEGFRIED LENZ

2012-01-25T13:36:00.001+01:00

Desde que leí la sensacional LECCIÓN DE ALEMÁN, hace ya bastantes años, SIEGFRIED LENZ me ha interesado mucho. Luego llegó CAMPO DE MANIOBRAS, también espectacular. Más tarde otras novelas y relatos (LA PRUEBA ACÚSTICA, EL USURPADOR, EL LEGADO DE ARNE …) que me impactaron menos, pero no me defraudaron. Así que cuando vi que la editorial MAEVA había publicado una nueva obra suya, no lo dudé: compré EL TEATRO DE LA VIDA (LANDESBÜHNE, 2009) y en cuanto terminé NUEVA YORK me puse con ella; es muy corta, así que me duró apenas unos días.

Desconcertante es la palabra que mejor la define (y perplejidad el estado en el que me dejó): quizá no haya entendido nada, pero me ha parecido una simpleza notable. La contraportada señala que Siegfried Lenz desafía los límites entre realidad y ficción en esta sorprendente novela, una maravillosa historia sobre el valor redentor de la creación artística. No he encontrado apenas nada de eso: tal vez un reflejo lejanísimo en la parte final, con la representación de Esperando a Godot y la consolidación de la amistad entre los dos protagonistas (de la novela, no de la obra de teatro). EL TEATRO DE LA VIDA me ha resultado surrealista y –si de verdad persigue lo que dice la contraportada- pretenciosa. Quizá SIEGFRIED LENZ intenta una pirueta relacionada con BECKETT y su teatro del absurdo que yo no he sabido entender, pero la impresión que he tenido es de estar leyendo a ARTO PAASILINNA: con eso lo digo todo!

Lo de relacionar a LENZ con PAASILINNA seguramente ha pasado porque –además de lo surrealista de las situaciones- en Navidad me han regalado una novedad del finlandés llamada EL AÑO DE LA LIEBRE. Después de EL MEJOR AMIGO DEL OSO hice el propósito de no dejarme engañar de nuevo por él, pero … lo reconozco: he estado a punto. Al terminar EL TEATRO DE LA VIDA comencé con EL AÑO DE LA LIEBRE, y llegué hasta la página 50. Aunque la camisa de la portada asegura que se trata de la obra maestra de PAASILINNA, a mi me pareció más de lo mismo: no es lo peor que he leído suyo, es verdad, pero tampoco lo mejor. Todo me sonó a sabido, y paré. Así que si alguien puede dar alguna pista sobre EL AÑO DE LA LIEBRE será muy de agradecer. Por ahora, dejo a ARTO PAASILINNA en cuarentena.

EL VINO DE LA FIESTA DE SAN MARTÍN, de PIETER BRUEGEL EL VIEJO, en el MUSEO DEL PRADO

2012-01-19T13:37:00.001+01:00

Estuve hace unos días viendo EL VINO DE LA FIESTA DE SAN MARTÍN, recientemente descubierto y ya restaurado: se expone hasta el próximo 25 de marzo en la Sala D de la Ampliación del MUSEO DEL PRADO, acompañado de algunas explicaciones sobre la obra, una gran imagen –también comentada- de la radiografía del cuadro, y un interesante vídeo sobre el proceso de restauración.

EL VINO DE LA FIESTA DE SAN MARTÍN representa, con el típico abigarramiento de personajes de BRUEGEL, el reparto del primer vino de la temporada a las afueras de un pueblo flamenco. En el centro de la imagen aparecen muchos aldeanos que, subidos a un enorme tonel rojo, pelean por llenar de vino los recipientes que llevan en las manos. A la derecha de la escena el propio San Martín reparte su capa con un par de mendigos, haciendo referencia a la fecha del acontecimiento, y como contrapeso espiritual a los excesos que provoca la borrachera terrenal: peleas, vomitonas, y bailoteos que quedan reflejados a la izquierda del cuadro.

Llaman la atención el efecto tan mate y poco nítido de la sarga (temple de cola sobre una tela de lino), y su gran tamaño (148 x 270 cm.), poco habitual para lo que uno (yo) recuerdo y conozco de BRUEGEL.

Tenía ganas de ver EL VINO DE LA FIESTA DE SAN MARTÍN por la obra en sí, desde luego, pero también por lo que tiene de fascinante encontrar un cuadro que se creía perdido, desaparecido desde hace tiempo: supongo que para los expertos que vivieron el hallazgo y que trabajaron en su restauración debió ser toda una aventura, y he de reconocer que imaginármela con el cuadro a la vista me parece casi de película.

Más adelante EL VINO DE LA FIESTA DE SAN MARTÍN se expondrá de manera habitual junto a EL TRIUNFO DE LA MUERTE, el otro cuadro de PIETER BRUEGEL EL VIEJO que se conserva en el PRADO.

NUEVA YORK, de EDWARD RUTHERFURD

2012-01-11T13:37:00.010+01:00

Después de un montón de semanas de lectura he terminado NUEVA YORK, larguísima novela que siguiendo las peripecias de la familia Master nos cuenta la historia de la ciudad desde 1664, cuando aún era NEW AMSTERDAM, hasta 2009. Ya había leído LONDON, del mismo autor, y esperaba algo similar. Mi conclusión es que sí, pero no: se parecen mucho, pero también se diferencian notablemente. Me explico.

Respecto a los parecidos hay, sin duda, un enorme paralelismo en la estructura narrativa y en el estilo de las dos novelas: RUTHERFURD escribe exactamente igual en los dos casos, y recurre a los mismos mecanismos para contar la historia de las dos ciudades. Entre las diferencias, la primera, obvia, es la temática: cuentan, lógicamente, historias diferentes … aunque no se puede olvidar que el principio de la historia de Nueva York está en Inglaterra, y por lo tanto hay una relación importante entre los acontecimientos que se cuentan a un lado y al otro del Atlántico: desde Nueva York siempre se mira -aunque sea de reojo- a Londres. Otra diferencia está en la dificultad/facilidad para acompañar a los personajes a lo largo de los siglos. Mientras que en LONDON tratamos de seguir a varias familias complejas y más o menos extensas (el lector necesita un cuadro genealógico al inicio del libro para no perderse mucho), en NUEVA YORK las relaciones son mucho más lineales: giran en torno a una única familia principal (los Master, que empiezan siendo Van Dirk) y tres que la acompañan (los Keller, los O’Donnell y los Caruso).

Pero hay, en mi opinión, otra diferencia más importante, más de fondo: lo que se cuenta. Me ha parecido que NUEVA YORK es una novela que se centra en el desarrollo de una sociedad muy singular, y no en grandes acontecimientos históricos, que es lo que leemos en LONDON. LONDON abarca más de veinte siglos de historia densa, muy densa, y en cambio la historia que retrata NUEVA YORK recorre poco más de cuatrocientos años; con algunos momentos intensos, es cierto, pero no muchos, y esto se nota. Claro que pasan cosas, sucesos reales que han configurado Nueva York; claro que vemos crecer la ciudad, en extensión primero y en altura después; pero, al hilo de la vida de gente muy normal (personajes de ficción), sobre todo lo que vemos es cómo se articula una sociedad desde la nada hasta lo que hoy es Nueva York: cómo se origina una clase alta neoyorkina que gobierna, cómo se crean las grandes fortunas, cómo llegan y se asientan los emigrantes (alemanes primero, irlandeses e italianos después, finalmente los puertorriqueños), cómo cobran fuerza los judíos, y cómo se acaban mezclando –o no- unos con otros.

EDWARD RUTHERFURD refleja bien el carácter, el orgullo y la ambición de sus habitantes, la gente de Nueva York, en especial de sus clases dominantes (en NUEVA YORK casi siempre vemos Nueva York desde arriba, y pocas veces nos asomamos a la parte más sórdida de la ciudad); refleja la pujanza económica de la ciudad (la motivación comercial y crematística es clave en la historia de la familia Master, situada en la parte más alta de la pirámide social); refleja el valor de la libertad. Mientras leía me han venido a la cabeza otras novelas que de una manera u otra encajan en el ambiente de los Master: por ejemplo, LA EDAD DE LA INOCENCIA, de EDITH WHARTON, o EL RECTOR DE JUSTIN y LA EDUCACIÓN DE OSCAR FAIRFAX, de LOUIS AUCHINCLOSS.

NUEVA YORK es un libro interesante que casi siempre resulta entretenido (no siempre: en alguna ocasión RUTHERFURD estira demasiado las situaciones). Aunque el lector no haya estado allí obtiene una idea ajustada de una ciudad mítica, mil veces recorrida como escenario de novelas, de películas, de impactantes sucesos reales (sí, estoy pensando en el 11 S, que todos tenemos grabado en la memoria). Si, además, conoce Nueva York, supongo que disfrutará el doble. Una lectura que hay que plantearse con tiempo por delante, pero que vale la pena.

ARQUITECTURAS PINTADAS, en el MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA y la FUNDACIÓN CAJA MADRID

2012-01-05T13:50:00.006+01:00

Unos días antes de que acabara 2011 y unos días después de que empezara 2012 me acerqué a ver ARQUITECTURAS PINTADAS, primero al THYSSEN y después a la CASA DE LAS ALHAJAS de la Plaza de San Martín. ARQUITECTURAS PINTADAS quizá no sea una exposición multitudinaria (pienso que muchos la pueden encontrar repetitiva), pero a mi me ha resultado entretenidísima, supongo que por aquello de la deformación profesional. ARQUITECTURAS PINTADAS está planteada de manera cronológica, desde el primer Renacimiento hasta el siglo XVIII: el visitante descubre cómo en un primer momento la arquitectura fundamentalmente sirve de referencia para situar la escena principal (el templo de Jerusalén, o la ciudad de Sicar con su pozo), después cobra importancia como marco/fondo de la escena, después pasa a ser el espacio donde la acción sucede, hasta que finalmente la arquitectura se hace protagonista, cobra autonomía y pasa a ser la escena principal. Resulta interesante ver cómo los artistas poco a poco entienden las leyes de la perspectiva o cómo se va ganado en complejidad espacial. También tiene mucho interés ver cómo la pintura hace de notario: refleja la evolución de algunos edificios (la Basílica del Vaticano con las torres laterales, por ejemplo); la despreocupación por el monumento (el aprovechamiento de cualquier esquina para encajar una vivienda, o la falta de respeto para adosarlas a elementos que ahora valoramos de manera singular –arcos, puertas, templos- y conservamos completamente exentos); la vida en la ciudad; las fiestas; hasta las modas en el vestido ... si uno mira con calma, descubre infinidad de detalles. Al llegar al final encontramos la pintura como souvenir, como recuerdo del viaje, como testimonio del GRAND TOUR. Y, por supuesto, la poética de la ruina y el jugueteo arquitectónico, los caprichos: la catedral de San Pablo de Londres en medio de los canales venecianos es todo un paradigma. En mi opinión, vale la pena acercarse al THYSSEN y a la CASA DE LAS ALHAJAS a ver ARQUITECTURAS PINTADAS: a quien le guste mínimamente la pintura y la arquitectura seguro que disfruta.

SE ACABA EL AÑO (DE PRAGA)

2011-12-28T13:39:00.033+01:00

En este año que acaba han pasado un montón de cosas.

De las que han aparecido en selecciónARTE no sabría decir cuáles han sido las más interesantes: quizá la visita al MUSEO DE ESCULTURA DE VALLADOLID; quizá la posibilidad de ver en Madrid EL DESCENDIMIENTO DE CRISTO, de CARAVAGGIO; quizá la lectura de LAS UVAS DE LA IRA; quizá la exposición de ANTONIO LÓPEZ o los textos de CLAUDIO MAGRIS. No lo sé, la verdad …

Lo que sí tengo claro es que uno de los acontecimientos 2011 de los que personalmente guardo mejor recuerdo es de mis días veraniegos en PRAGA.

2011 ha sido EL AÑO DE PRAGA. Mucho he dicho ya sobre la ciudad, su belleza, sus obras de arte, sus parques, su interesantísima arquitectura (¡el cubismo checo!). Vi mucho, fotografié mucho, he hablado mucho de PRAGA, tanto que algunas personas se ríen de mí y comparan mis fotos mil veces enseñadas con las del viaje de novios de una pareja pelmaza. Y precisamente dando la lata con el tema, varios me han asegurado que cuando de verdad hay que ver PRAGA es en Navidad: entonces sí que está radiante. Bien, pues por pura casualidad hace un par de semanas me llegó una de esas presentaciones de PowerPoint que circulan indiscriminadamente por la red con una fotos espectaculares (quizá alguno la hayáis recibido también). La mayoría de los correos de ese estilo que recibo los borro sin más, sin abrir siquiera; pero en este caso el remitente me aseguraba que disfrutaría, y le hice caso: eché un vistazo, y valió la pena. Así que, con el permiso supuesto del fotógrafo (no tengo ni idea de quién puede ser), aquí os las dejo: una forma estupenda de acabar un año, EL AÑO DE PRAGA, y de empezar a soñar en los destinos del próximo …

¡FELIZ 2012!

CABECERA DE DICIEMBRE 2011: RUPNIK EN LA CATEDRAL DE LA ALMUDENA de MADRID

2011-12-23T13:42:00.045+01:00

Durante el mes de diciembre de 2011 la cabecera de selecciónARTE es un detalle del mosaico de la Capilla del Santísimo de la Catedral de Santa María la Real de La Almudena, de Madrid, que representa la adoración de los Magos. Ha sido realizado por MARKO IVAN RUPNIK y el Taller del CENTRO ALETTI.
No quiero entrar hoy a valorar la Catedral: prefiero no hablar de su arquitectura, ni de su decoración, ni de sus obras de arte. Eso sí, me alegré mucho al saber que se habían realizado cambios en la Capilla del Santísimo, y más al saber que su autor era RUPNIK, un artista del que oí hablar hace años con motivo de la decoración de otra capilla en el Vaticano, y que me parece muy interesante. Aunque en Madrid hay otras obras de RUPNIK, ésta es la primera que veo en directo, y me ha parecido de calidad. Las propias imágenes, el tratamiento del mosaico, los colores … muchos elementos resultan afortunados. En esta ocasión quizá falla el propio espacio –pequeño, estrecho y alto- que dificulta una visión adecuada del conjunto; y el sagrario, con una decoración acertada pero con una forma que me pareció poco interesante.

Es, desde luego, un cambio a mejor muy notable respecto al recuerdo que conservo de ese ámbito. Y esto a pesar de las vidrieras que cierran los huecos de fachada y las lámparas que cuelgan del techo, que no sé si son de RUPNIK o no, pero en cualquier caso me parecieron desafortunadas tirando a muy desafortunadas.

Aprovecho para hacer una aclaración a los responsables de La Almudena (que seguramente nunca leerán esta entrada, pero ...): ahora sé que en la capilla no está permitido sacar fotos. Pero puedo asegurar que yo las hice sin saberlo: al entrar, las dos hojas de la puerta estaban completamente abiertas, y no vi los carteles; al salir, en cambio, las habían cerrado y descubrí que en las dos hay un cartel que lo prohíbe (lamentable señalética, por cierto).

Como algún otro año, en diciembre adelanto la entrada de la cabecera del mes para desearos a todos, con esta imagen tan propia, MUY FELIZ NAVIDAD.

MI PLANTA DE NARANJA LIMA, de JOSÉ MAURO DE VASCONCELOS

2011-12-19T13:50:00.006+01:00

Seguro que a todos os ha pasado alguna vez: te das cuenta de que tienes en las manos una obra de calidad, entiendes qué motivos hacen que le guste a todo el mundo, que las críticas sean estupendas, que se hayan hecho un montón de ediciones y traducciones. Pero no conectas con el libro que lees. Es bueno, muy bueno, pero algo te impide disfrutarlo. Descubres pequeños fallos, fallos que realmente no tienen ninguna importancia, que seguramente son del traductor, pero que ahí están. Llegas al final, y el libro no te ha conmovido, te deja frío y simplemente te encoges de hombros: bah! … Desgraciadamente esto es lo que me ha pasado con MI PLANTA DE NARANJA LIMA (O MEU PÉ DE LARANJA LIMA, 1968).

Zezé es un niño de cinco años. Un niño pobre, muy inteligente, muy sensible y muy trasto. Habla de todo con Minguinho, un árbol de naranja lima al que cuenta sus secretos y proyectos. Trasteando se hace amigo de Manuel Valadares, el Portuga, un hombre hecho y derecho, mayor, infinitamente mayor que él. A Manuel Valadares se le cae la baba con el crío, y para Zezé el Portuga es lo más grande del mundo. Hasta que llega el inevitable destino, y con él el final de la infancia.

MI PLANTA DE NARANJA LIMA cuenta una historia entrañable, amena, tierna, a ratos divertida y a ratos cruda (las palizas que recibe Zezé por sus trastadas son monumentales). Tiene algunos pasajes memorables (la breve visita al zoo de Zezé y el rey Luis en uno de los primeros capítulos, por ejemplo). Lo tiene todo para tocar la fibra, el corazoncito. Pero a mi no me ha tocado. No sé cuál es el motivo, y sea cual sea seguro que no es objetivo, pero me ha resultado un poco artificial, me ha chirriado tanto diminutivo y –tal y como está contada- no me termino de creer la relación entre Zezé y el Portuga, sobre todo por parte del adulto. Una pena, porque desde que hace meses vi en uno de los blogs que habitualmente visito –sinceramente, no recuerdo en cuál: lo siento!- la reedición que ha hecho LIBROS DEL ASTEROIDE, tenía muchas ganas de leerlo (y de que me gustara).

En cualquier caso pienso que MI PLANTA DE NARANJA LIMA es un libro muy recomendable, que gustará a casi todos, y que por supuesto no me arrepiento de haber leído: es ya un clásico.

EL HERMITAGE EN EL PRADO

2011-12-13T13:43:00.000+01:00

El pasado día 6 fui a ver la exposición EL HERMITAGE EN EL PRADO; no me parecía el día más adecuado (supuse que estaría como el Ganges), pero como era la segunda vez que me invitaban no quise decir que no. La verdad es que había gente, mucha gente, pero la exposición se podía ver con relativa tranquilidad: a medida que íbamos avanzando por las salas los visitantes se iban diluyendo de manera misteriosa.

EL HERMITAGE EN EL PRADO me ha parecido una exposición interesante y que no hay que perderse. Aunque, en mi opinión, hay que ir no tanto –o no sólo- para ver las obras que se ven (algunas son muy buenas, aunque seguramente lo mejor se ha quedado en casa), como para darse cuenta del museazo que debe ser el HERMITAGE: una institución de primerísimo orden, completísima a pesar de las vueltas que le ha dado la vida (el primer capítulo del catálogo explica muy bien la creación y desarrollo del museo y sus colecciones). De lo que ahora se puede ver en Madrid me atrajeron especialmente las piezas de orfebrería, clásica (el oro de los Escitas) y menos clásica (el florerito de FABERGÉ, sencillísimo, es impresionante); me llamaron poderosamente la atención el pequeño modelo del ÉXTASIS DE SANTA TERESA, de GIAN LORENZO BERNINI, y la MAGDALENA PENITENTE, de ANTONIO CANOVA; las vistas de SAN PETERSBURGO y de las estancias de los palacios que hay al comienzo me resultaron muy interesantes; algunas pinturas son sensacionales: SAN SEBASTIÁN de TIZIANO, un BODEGÓN de ANTONIO PEREDA, o el RETRATO DE HOMBRE de FRANS HALS, por ejemplo. Pero contra todo pronóstico el cuadro que más impresión me causó fue COMPOSICIÓN VI, de VASILY KANDINSKY, que está al final del recorrido: espectacular.

Disfruté mucho en la exposición, la recorrí despacio, valoré lo que debió ser la corte de Pedro I el Grande y de Catalina II … Pero sobre todo acabé con una ganas tremendas, casi necesidad, de ir cuanto antes a SAN PETERSBURGO!

Y para acabar, una sugenrencia: con motivo de EL HERMITAGE EN EL PRADO y del año ESPAÑA-RUSIA, el PRADO ha traído del MUSEO PUSHKIN de MOSCÚ un cuadro de PICASSO sensacional: LA ACRÓBATA DE LA BOLA. Que nadie se lo pierda.

MUSEO ABC DE DIBUJO E ILUSTRACIÓN en la CALLE AMANIEL de MADRID, de ARANGUREN & GALLEGOS ARQUITECTOS

2011-12-07T13:47:00.000+01:00

Hace poco más de un año se inauguró el MUSEO ABC DE DIBUJO E ILUSTRACIÓN. Ocupa un edificio en el que, para empezar, me han hecho gracia un par de coincidencias históricas: construido por el arquitecto FRANCISCO ANDRÉS OCTAVIO a principios del siglo XX para MAHOU como fábrica de cervezas, fue ampliado poco después por JOSÉ LÓPEZ SALABERRY, precisamente el mismo que construyó la fachada del Edificio ABC de la calle Serrano (1ª coincidencia: de ABC a ABC) y que –entre otras muchas cosas- también realizó los primeros trazados de la GRAN VÍA, de la que tanto hemos hablado en selecciónARTE. Cuando MAHOU abandonó la fábrica, el edificio quedó en desuso durante años, hasta casi la ruina, pero la Comunidad de Madrid lo restauró para utilizarlo como Archivo Regional. Y cuando el Archivo se trasladó al edificio de Cervezas EL ÁGUILA (2ª coincidencia: de cerveza a cerveza), una obra estupenda de MANSILLA Y MUÑÓN de la que algún día tendremos que hablar, el inmueble de Amaniel volvió a quedar vacío y ABC se hizo con él para implantar su museo, contando con el estudio de los arquitectos MARÍA JOSÉ ARANGUREN y JOSÉ GONZÁLEZ GALLEGOS.

Hace un par de semanas me acerqué a ver MUSEO ABC DE DIBUJO E ILUSTRACIÓN, y no tuve mucha suerte: estaban preparando una exposición (supongo que la de manga japonés que ahora se puede ver) y únicamente era visitable la sala de exposiciones de la planta -2. Es verdad que me ofrecieron la posibilidad de sumarme a una visita guiada a la exposición temporal, en la que “al final enseñan algo del edificio”, pero ni tenía tiempo ni –tal y como me lo dijo la persona de recepción- me pareció que fuera a merecer la pena. Así que únicamente vi el exterior, la planta de acceso, y esa planta -2. También la cafetería, que tiene acceso independiente desde la calle.

La impresión que saqué –insisto: vi lo que vi, así que seguramente mi impresión es parcial e incompleta- es que el interior del edificio da poco de sí, aunque por algunas fotografías parece que en las partes altas hay piezas de más interés.La fuerza del proyecto del MUSEO ABC DE DIBUJO E ILUSTRACIÓN está en dos elementos exteriores: el patio de acceso que sirve de atrio, y la gran pasarela/viga que configura la entrada a ese patio (una de las entradas realmente, porque hay otra posterior).La Pasarela es el elemento singular que desde la calle trata de invitarnos a pasar, un reclamo contemporáneo potente en un entrono urbano clásico (muy próximo, por cierto, al CUARTEL DEL CONDE DUQUE y al CONVENTO DE LAS COMENDADORAS DE SANTIAGO). Una envolvente de celosía blanca que contiene una caja de vidrio donde se aloja la cafetería. Un extremo es el acceso desde la calle, y el otro –cerrado el día de mi visita, no sé en otras ocasiones- parece que es la primera planta del propio Museo. Esta larga pieza configura un hueco muy apaisado –ancho y bajo- que nos permite pasar al patio. Patio que el MUSEO ABC comparte con unas viviendas vecinas, un patio que es bifronte, tiene dos caras: el propio Museo (la primera cara) se resuelve con una fachada metálica donde las piezas de acero pavonado y los huecos de vidrio mateado de formas triangulares van multiplicándose de forma irregular hasta cubrirla por completo. Las viviendas (la segunda cara) ocupan dos fachadas. Son construcciones anodinas y con poco interés, y se han pintado en un naranja intenso que, desde luego, no dejará a nadie indiferente: seguramente da demasiada importancia a algo que no debería tenerla, pero a la vez consigue distinguir, sin lugar a dudas, al Museo de sus vecinos. El cuarto frente está ocupado por la caja de vidrio encerrada en su celosía metálica. El suelo del patio (que las viviendas naranjas juegan a no tocar) se ha pavimentado repitiendo el esquema de la fachada, como si fuera su reflejo. Y ese mismo diseño, aunque en otros materiales, lo encontramos de nuevo –más reflejos- en el techo de la sala de exposiciones temporales de planta -2 que está justo debajo del patio. Repito que me faltan elementos de juicio, pero lo que pude ver del edificio del MUSEO ABC DE DIBUJO E ILUSTRACIÓN de ARANGUREN & GALLEGOS ARQUITECTOS no me ha arrebatado, ni mucho menos. Es, desde luego, un edificio singular, con aspectos interesantes, y que seguramente activará la zona en la que se encuentra. Pero también lo encuentro un poco postizo, artificial, quizá excesivo [+ fotografías]. Del propio Museo no sé qué decir (por eso he hecho aclarado que se trata de mi opinión sobre el edificio) porque … el famoso archivo de dibujo e ilustración del ABC ¿acabará expuesto? ¿podremos contar con una colección permanente, o sólo se van a organizar exposiciones temporales con todos esos fondos? Es una posibilidad legítima, desde luego. Y quizá por eso los responsables del MUSEO ABC prefieren hablar de Centro de Arte.Una visita, en cualquier caso, que no está mal si uno recorre con tiempo esa zona de Madrid: los dibujos (la ilustración en general) siempre son entretenidos de ver, y ABC debe tener auténticas joyas.

MUSEO ABC. Centro de Arte, Dibujo, Ilustración. C/ Amaniel 29-31, 28015 Madrid.

OTRA VEZ LOS TEATROS DEL CANAL, de JUAN NAVARRO BALDEWEG, ARQUITECTO

2011-12-02T13:38:00.002+01:00

El domingo pasado los responsables de los TEATROS DEL CANAL organizaron TEMPOLISZT, una jornada de puertas abiertas dedicadas al músico húngaro FRANZ LISZT. Me enteré casi de rebote, por un comentario en el despacho, y pensé que era una buena ocasión para ver los TEATROS por dentro (alguno pensará que qué falta sensibilidad: 12 horas de música ininterrumpida y yo pensando en piedras … No le faltará razón: por desgracia -y lo digo de verdad: me da mucha pena- sé mucho menos de música clásica de lo que me gustaría, y desde luego mucho menos que de arquitectura). Ya habíamos hablado en selecciónARTE de los TEATROS DEL CANAL, de JUAN NAVARRO BALDEWEG, y en aquella ocasión explicaba que cuando fui por primera vez no llegué a ver el interior. Así que, cámara en mano, el domingo a primera hora de la tarde salí para allá. Muy bien, una grata visita. Primero, muy bien TEMPOLISZT, una jornada completísima en la que disfruté –de verdad- de varios mini-conciertos de piano. Y bien también el interior del edificio: las circulaciones, las relaciones espaciales, los acabados, la luz y los materiales están conseguidos. Es verdad que es un edificio pequeño, y eso se nota: todo resulta un poco justo, falta amplitud, y se echa de menos algún espacio más generoso propio de este tipo de usos; pero eso es un condicionante de proyecto (supongo que el suelo que había era el que había, y no se pudo ganar más), que además se resuelve con acierto. Quizá lo que me pareció más flojo son los muros ciegos del cerramiento exterior: los lucernarios superiores no consiguen meter suficiente luz, y el resultado es pesado e insulso. Seguramente no hubiera venido mal algo más del color exterior en el interior, alguna referencia al rojo y al negro de fuera que les diera carácter e interés (el color se reserva para las salas principales: la sala verde y la sala roja). Pienso que el edificio de los TEATROS DEL CANAL no es el no-va-más, pero sin duda es un edificio de calidad. Me volvieron a venir a la cabeza algunas imágenes y mecanismos de proyecto del gran ALVAR AALTO, al que ya cité en la entrada anterior (por desgracia aún no conozco en directo la obra del Finlandés –únicamente he visto un edificio suyo en Uppsala que no me entusiasmó- pero no pierdo la esperanza).

Aquí dejo más fotografías, por si a alguno le interesa darse un paseo por el interior de los TEATROS DEL CANAL.

CABECERA DE NOVIEMBRE DE 2011: LUCIAN FREUD, IN MEMORIAM

2011-11-30T13:48:00.002+01:00

Durante el mes de noviembre de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de REFLEJO (AUTORRETRATO), de LUCIAN FREUD. Óleo sobre lienzo pintado en 1985, mide 56 x 52 centímetros y pertenece a una colección privada.

LUCIAN FREUD falleció el pasado 20 de julio, durante mi estancia en PRAGA, y como allí no seguía con detalle la actualidad –un simple vistazo a la portada de algún periódico digital de vez en cuando- no me enteré de su muerte hasta hace pocas semanas. Valga esta cabecera como recuerdo de un pintor que siempre me ha resultado … vamos a decir inquietante, muy inquietante, pero al que hay que reconocer una obra de interés y calidad.

VERDE AGUA, de MARISA MADIERI

2011-11-24T13:09:00.007+01:00

Leí VERDE AGUA hace bastantes años, y tenía un magnífico recuerdo del libro de MARISA MADIERI. Así que, cuando casi a mitad de EL INFINITO VIAJAR vi que MAGRIS lo citaba, me entraron ganas de repasarlo: lo rebusqué en las estanterías de casa, di con él, y lo he leído casi de un tirón. Me ha vuelto a encantar.

VERDE AGUA es un diario que mezcla la vida de la autora entre 1981 y 1984, y los recuerdos de la emigración de su familia desde Fiume a Trieste después de la Segunda Guerra Mundial, cuando su ciudad deja de ser italiana y comienza a ser yugoslava (hoy, croata): toda la infancia y la adolescencia de la autora. MARISA MADIERI nos cuenta su educación. Nos habla de su familia: de sus abuelas, de sus tías y tíos, de sus primas. Nos habla del frío y de la pobreza, de la vergüenza de haberlo perdido todo. De sus amigas, de sus ilusiones, de su esperanza en el futuro, de su lucha. De la vida en el Silos, el campo de refugiados donde pasa todo ese tiempo. Y a la vez dedica algunas entradas del diario a su situación actual, a sus sentimientos y los de su familia: su marido (CLAUDIO MAGRIS), sus hijos, sus amigos.

MARISA MADIERI no pretende hacer historia en VERDE AGUA: simplemente relata sus recuerdos. Si uno no conoce lo que pasó al final de la Segunda Guerra Mundial en la zona de Dalmacia, no se aclarará más allá de lo que lee, no “aprende historia”.

VERDE AGUA es intimista, sobrio y terso, nostálgico. Poético a veces (las entradas actuales, especialmente). Como botón de muestra, el motivo que justifica el título: Hacia el final del segundo curso de bachillerato tuve ocasión de participar en alguna celebración en casa de mis compañeras. La primera vez me invitó mi compañera de pupitre, Marina, con la que estudiaba a menudo. Era hija de un magistrado y vivía en una casa que a mí me parecía un palacio. En el vestíbulo había espacio hasta para una mesa de ping-pong. Marina era una chica sencilla y generosa, que no me hacía sentir incómoda por la disparidad de nuestras condiciones económicas.

Sentí, en aquella ocasión, una alegría confusa, una gran turbación y el deseo de rechazar la invitación. A la timidez se unía la vergüenza de no tener nada adecuado que ponerme. Yo sabía que todas las chicas tenían vestidos ele gantes y vaporosos para las fiestas. Hablaban de ello en da se, describían la fantasía, el tejido, la hechura.

Mi madre me leyó el pensamiento. Llevó al Monte de Piedad, como había hecho otras veces, su brazalete de metal blanco y amarillo, después de haberlo lustrado a con ciencia con un paño para que brillara, y su abrigo de piel, probablemente de conejo, muy gastado. Esto le permitió comprarme una falda acampanada y un conjunto formado por una rebeca y un jersey de cuello redondo, de orlón color verde Nilo. Guardé aquel conjunto durante años, con celo, a pesar de que el tejido de fibra sintética, con los lavados, se volvió cada vez más largo y más ancho, hasta deformarse del todo.

También verde agua se llamaba aquel color, que para mí es aún hoy el color del amor.

En algunos momentos, mientras leía VERDE AGUA, me ha venido a la cabeza AUTORRETRATO CON RADIADOR: no son libros paralelos, pero a veces es fácil descubrir un tono común. Dos joyitas en tamaño octavilla.

CLAUDIO MAGRIS escribe un posfacio donde desentraña VERDE AGUA. Allí nos dice: Verde agua está lleno de cosas, de personajes, de gran Historia y de pequeñas historias, de acontecimientos picarescos y melancólicos, cómicos y dramáticos; de absorta meditación y de alegría festiva, de abandono a la plenitud del ser y pesadumbre dominada con impávido coraje; es un libro escrito contra el olvido, para rescatar el sufrimiento, para dar testimonio de gratitud, por pietas, por amor; un libro que dirige su amorosa atención a la vida menor y más débil, incluso a sus aspectos infinitesimales; un pequeño clásico contemporáneo, tal como ha sido definido. «Necesito tantas cosas para llenar pocas páginas», dijo Marisa Madieri en una entrevista. Pero todo esto se vuelve música del tiempo, con su continuidad, sus miedos y sus fracturas; el staccato se vuelve principio compositivo. «Nosotros —dijo la autora en otra entrevista— somos tiempo condensado», que la narración derrite y reconcentra. Un estupendo resumen.

Y una curiosidad más que nos vuelve a llevar a MAGRIS: uno de los personajes más entrañables de EL DANUBIO, la Abuela Anka, aquella que acompaña al autor por la región del Banato, resulta ser realmente pariente de MARISA MADIERI.

UNA TEMPORADA PARA SILBAR, de IVAN DOIG

2011-11-18T13:52:00.000+01:00

Octubre de 1957, el año del Sputnik. Paul Milliron ha vuelto a Marias Coulee, una aldea de Montana donde pasó la infancia, y mientras recorre su vieja casa recuerda en un largísimo flash-back el curso 1909-1910, cuando Rose Llewellin, Morris Morgan y el Cometa Halley pasaron por la vida del viudo Oliver Milliron y sus tres hijos, Paul, Damon y Toby.

La contraportada resume así la historia de UNA TEMPORADA PARA SILBAR (THE WHISTLING SEASON, 2006): “No cocina, pero tampoco muerde”. Así comienza el anuncio en el que Rose Llewellyn, una viuda de “buenas costumbres y disposición excepcional”, se ofrece en el otoño de 1909 como ama de llaves; la frase capta de inmediato la atención de Oliver Milliron, un viudo con tres hijos y poca maña en las tareas domésticas, que la contrata para poner un poco de orden en su casa de Marias Coulee, Montana. Y así comienza también la inolvidable temporada que Rose y su hermano Morris, un dandi sabelotodo, pasarán en este pueblo de granjeros. Cuando la maestra local se escapa con un predicador, Morris se verá obligado a aceptar su puesto; sus particulares métodos de enseñanza marcarán para siempre a los jóvenes alumnos de la escuela rural. Ni ellos ni la familia Milliron ni el pueblo de Marias Coulee volverán a ser los mismos tras la llegada de Rose y Morris.

Sobradamente conocido –ya hay muchos comentarios en la red- UNA TEMPORADA PARA SILBAR es un libro de esos que dejan magnífico sabor de boca, amable y entrañable, lleno de sensibilidad y a la vez nada dulzón ni ñoño. Me ha recordado, por ejemplo, a LA COMEDIA HUMANA, de WILLIAM SAROYAN. La novela de IVAN DOIG –como la de SAROYAN- nos confirma que no todo está perdido, que no todo es negro: que hay –o hubo- gente que sin ser perfectísima era buena, amable, solidaria … normal.

Siguiendo con la contraportada de la novela, se pone en relación a DOIG con STEGNER: Ivan Doig está considerado como uno de los mejores cronistas contemporáneos del Oeste americano, alumno aventajado de autores como Wallace Stegner o Norman Maclean. Una temporada para silbar es una de sus mejores novelas, fruto de su particular manera de entender la vida y la imponente naturaleza de Montana. Entiendo la relación, y comparto lo de alumno: DOIG es bueno, muy bueno, sin embargo no llega al nivel de STEGNER. En UNA TEMPORADA PARA SILBAR nos encontramos ante una historia con la que el lector disfruta, y mucho, pero que –por lo menos a mi- no me llega como me llegaron, me tocaron ÁNGULO DE REPOSO , EL PÁJARO ESPECTADOR y especialmente EN LUGAR SEGURO. Las historias de STEGNER me gustaría vivirlas, estar dentro, charlar con los protagonistas; ésta de IVAN DOIG la he seguido con auténtico interés, pero desde fuera: no me he visto implicado en ella.

En cualquier caso, UNA TEMPORADA PARA SILBAR es altísimamente recomendable, sin ninguna duda. Y me sigue alucinando cómo aciertan los responsables de LIBROS DEL ASTEROIDE …

EL RESTAURANTE PRAHA de la EXPO ’58, en el PARQUE LETNÁ de PRAGA

2011-11-14T13:53:00.023+01:00

Algunas de las zonas más representativas de PRAGA, y especialmente HRADČANY, se cierran por el norte con una interesante cadena de parques. El visitante/turista puede caminarlos uno detrás de otro, y el resultado es de lo más gratificante. Primero un bosque de magníficos árboles que arranca junto a la calle del Nuevo Mundo, NOVÝ SVĚT, (donde vivió TYCHO BRAHE), muy cerca del interesante santuario de LORETO, LORETA, y del Monasterio CAPUCHINO, KAPUCÍNSKÝ KLÁŠTER, de una sobriedad bellísima; comenzamos a bajar y bajar y bajar para recorrer un camino trazado al fondo de dos enormes laderas tapizadas de vegetación, el Foso de los Ciervos, JELENÍ PŘIKOP. Atravesando un singular pasadizo de ladrillo y cambiando de cota (tenemos que subir una larga cuesta para alcanzar casi la misma altura que el CASTILLO DE PRAGA), llegamos hasta los Jardines Reales, KRÁLOVSKÁ ZAHRADA. Aquí cambia el paisaje: dejamos el bosque y pasamos al jardín, un jardín bastante francés, naturaleza domesticada. Las sensacionales vistas de la cara norte del PRAŽSKÝ HRAD y de la KATEDRÁLA SV. VÍTA nos acompañan mientras contemplamos la antigua ORANGERIE (esgrafiado elegantísimo), la nueva ORANGERIE (arquitectura high-tech) hasta acabar en el BELVEDERE (barroco italiano en PRAGA); toda esta cornisa está resuelta con un inteligente juego de planos, terrazas y caminos. Volvemos a perder cota y bajamos al Parque CHOTKOVY, CHOTKOVY SADY, elemento de transición que nos lleva, puente mediante, hasta el enorme Parque LETNÁ, LENESTKÉ SADY, que es donde quería traer hoy a los lectores de selecciónARTE.Y quería llegar hasta el Parque LETNÁ porque precisamente en el extremo opuesto al punto por el que hemos entrado se encuentra un edificio singular, el RESTAURANTE PRAHA EXPO ‘58, orgullo de la arquitectura contemporánea checa. El recorrido de una punta a otra del parque es un paseo gratísimo, que nos permite ver de cerca el METRÓNOMO: un trasto que ocupa el emplazamiento de la gigantesca estatua de STALIN que presidió PRAGA desde 1955 hasta 1962; un artilugio con poco interés, pero con unas vistas sobre la ciudad que quitan el hipo.El RESTAURANTE PRAHA se construyó como parte del Pabellón de Checoslovaquia en la Exposición de Bruselas de 1958 (sí, la del ATOMIUM, en mi opinión otro trasto de interés relativo). Sus arquitectos, FRANTIŠEK CUBR, JOSEF HRUBÝ y ZDENĚK POKORNÝ, recibieron por ambos edificios el Grand Prix de la Exposición, y una vez desmontados fueron reedificados en PRAGA: el Pabellón Principal –del que, si no me equivoco, hoy no queda nada- en el Recinto Ferial del Parque STROMOVOKA, y el RESTAURANTE en uno de los extremos del Parque LENTÁ. Entre 1960 y 1990 se siguió utilizando como restaurante, pero su éxito debió ser relativo y su mantenimiento más que dudoso; para colmo de males, en 1991 ardió en un incendio, y su interior quedó completamente destruido. Hasta que en 2001, una empresa privada lo compró para instalar su sede, y lo restauró hasta dejarlo como nuevo. Hoy sólo se puede ver el exterior (al menos si uno no hace gestiones específicas, en cuyo caso quizá enseñen también el interior: yo no las hice …). Aquí dejo algunas fotos.

Por una maqueta del conjunto de los dos edificios que se puede ver en el VELETRŽNÍ PALAC, sospecho que en la restauración han dado la vuelta al edificio: me pareció que en su situación original el visitante accedía por la pieza cilíndrica de doble altura, donde era recibido en una pequeña plaza mitad abierta y mitad cerrada tanto en planta como en alzado, y la pieza trapezoidal era secundaria; hoy, en cambio, lo residual es la plaza de acceso (ocupada por un lucernario) y el espacio contenido en la pieza cilíndrica, y en cambio la fachada principal es la opuesta, la de la pieza de una sola altura: ahí está ahora el acceso a las oficinas …

El RESTAURANTE PRAHA EXPO ’58 no es, ciertamente, un edificio clave en la historia de la arquitectura contemporánea; tampoco es la primera ni la segunda ni la tercera visita que uno debe hace en PRAGA; y si uno regresa a casa sin visitarlo, se puede quedar tranquilo: no ha dejado de ver un must. Pero todo esto no quita que para el profesional (o para el interesado en estas cuestiones) sea un edificio de calidad, singular. Un edificio que tiene su hueco en la historia de la Republica Checa (conocer estas cosas, las propias del lugar, era uno de mis objetivos en PRAGA), y seguramente de más valor que otros edificios contemporáneos requetefotografiados (sí, estoy pensando en FRANK GHERY y su Edificio Danzante, TANČICÍ DUM).Como dato anecdótico que completa esta entrada de hoy, en el Parque LETNÁ también está reconstruido el Pabellón HANAVSKÝ: con aires neo-barrocos, estuvo presente en otra Exposición, la Nacional de 1891, y hoy es una agradable cafetería con espléndidas vistas sobre el río MOLDAVA.

JEAN PROUVÉ (1901-1984): BELLEZA FABRICADA, en IVORYPRESS ART + BOOKS SPACE I de MADRID

2011-11-07T13:52:00.010+01:00

Ando justo de tiempo estas últimas semanas, así que he ido retrasando día tras día JEAN PROUVÉ (1901-1984): BELLEZA FABRICADA, una exposición que tenía auténticas ganas de visitar. Viendo que me quedaba sin ir –acaba el próximo 12 de noviembre- finalmente el sábado me acerqué a la sala de IVORYPRESS: como esperaba, me ha parecido interesantísima.

JEAN PROUVÉ, quizá poco conocido para el gran público, es sin duda un arquitecto de primera, una de las grandes figuras del siglo XX, de esos que hacen avanzar la Arquitectura. Conceptos como prefabricación, modulación o repetición se combinan perfectamente en la obra de JEAN PROUVÉ con los de sensibilidad, cuidado de la forma y eficacia espacial. Y también están sus muebles …

Como hoy no puedo dedicar más atención en selecciónARTE a JEAN PROUVÉ –realmente no me da la vida- y creo que se lo merece, podéis pinchar aquí para ver la completísima entrada que dedicaron a esta exposición en REVISIÓN DEL INTERIOR, un blog que sigo con interés.

CABECERA DE OCTUBRE DE 2011: ANTONÍN SLAVÍČEK Y LOS MUSEOS DE PRAGA

2011-10-31T13:31:00.001+01:00

Durante el mes de octubre de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de BOSQUE DE ABEDULES, de ANTONÍN SLAVÍČEK. Óleo sobre lienzo pintado en 1897, mide 91 x 115 cm. y se encuentra en el VELETRŽNÍ PALÁC, una de las sedes de la GALERÍA NACIONAL en PRAGA.

Durante mi estancia en PRAGA visité algunos museos. No muchos, y con la idea clara de ver lo específico del sitio donde me encontraba: creo que ya he comentado en otra ocasión que me he perdido obras maestras que me hubiera encantado ver, pero cuando uno tiene poco tiempo hay que elegir, y yo elegí lo checo. Sinceramente, pienso que acerté.

Antes de referirme a los museos, un comentario previo. Normalmente cuando vamos a un museo o a una exposición, sabemos qué vamos a ver, o a quién: Paisajes Romanos, Francis Bacon, Antonio López … En la cabeza tenemos ya mucho contexto que, querámoslo o no, va a condicionar nuestra forma de mirar. En mis vistas praguenses esto no pasaba: no sabía qué habría en los museos, y no me sonaban apenas ninguno de los nombres de los artistas colgados en las paredes. He podido ver mucho sin condicionante previo, y eso es una maravilla. Además, casi todo lo que he visto me ha parecido muy interesante. CLAUDIO MAGRIS dice en EL INFINITO VIAJAR que quizá el mejor museo sería un almacén sin pretensiones, excepto la de dar la posibilidad a cualquiera de ir a ver qué le gusta en ese momento. Así a palo seco puede parecer una simpleza (no lo es), pero en cualquier caso refleja bien esa libertad a la que me refiero, libertad de mirar y de valorar sin pre-juicios, libertad de aplaudir o rechazar sin miedo a contradecir a los expertos o a la moda. En algún momento pensé dedicar una entrada de selecciónARTE a cada uno de los museos que visité. Finalmente he decidido no hacerlo, pero no me resisto al menos a citarlos: en ninguno de ellos están los grandes grandísimos del arte, pero uno –yo, desde luego- disfruta y aprende una barbaridad.

Ya he hablado en selecciónARTE del MUSEO DEL CUBISMO CHECO (MUZEUM ČHESKÉHO KUBISMU) en la CASA DE LA VIRGEN NEGRA (DŮM U ČERNÉ MATKY BOŽÍ): no hay que perdérselo.

Me resultó interesantísimo el PALÁC VELETRŽNÍ del que hablaba al principio (allí está la cabecera de este mes de octubre). Tanto el continente, un edificio racionalista de cierto interés, como el contenido, valen la pena: alberga unas colecciones fantásticas de arte moderno y contemporáneo (siglos XIX, XX y XXI), checo y europeo.

También vale clarísimamente la pena el MUSEO DE ARTE BOHEMIO DEL SIGLO XIX, instalado en el MONASTERIO DE SAN JORGE (KLÁŠTER SV. JIŘÍ), dentro del CASTILLO DE PRAGA. Además, dentro del CASTILLO se puede ver la GALERÍA DE PINTURAS DEL CASTILLO DE PRAGA, que –aunque cuenta con alguna obra notable- en mi opinión tiene mucho menos interés, el MUSEO DE LA HISTORIA DEL CASTILLO DE PRAGA, muy entretenido, y por supuesto la CATEDRAL DE SAN VITO, de la que quizá hablemos en otra ocasión.

Y, como no, el MUSEO de ALPHONSE MUCHA (MUCHOVĚ MUZEUM), un recorrido por la vida y la obra del gran ilustrador, diseñador y pintor Art Nouveau checo (en el que falta, por desgracia, la gran ÉPICA ESLAVA, que debe ser una obra de primera magnitud …).

MANHATTAN TRANSFER, de JOHN DOS PASSOS

2011-10-26T17:16:00.012+02:00

Hace años –muchísimos años- leí AÑOS INOLVIDABLES, donde JOHN DOS PASSOS relata sus años de juventud. Es un libro del que guardo un recuerdo estupendo, y en su día –estaba haciendo la carrera- me pareció de lo más inspirador. Si hoy lo releyera no sé si me diría lo mismo que entonces o no, pero la realidad es que no había leído nada más de DOS PASSOS y tenía ganas de hacerlo, así que me lancé con MANHATTAN TRANSFER.

Me ha resultado una novela desconcertante, difícil de seguir. La definiría como una colección gigante de imágenes, un conjunto de relatos personales entrecuzados, siempre con la ciudad de Nueva York como escenario. Las historias de cada uno de los personajes funcionan como piezas sueltas, que en ocasiones se relacionan y otras veces no tienen nada que ver. Es verdad que hay un puñado de protagonistas (especialmente Ellen Tatcher y Jimmy Herf) que aparecen con mucha frecuencia y a quienes resulta fácil distinguir, pero también hay otros que uno no sabe bien quiénes son ni de dónde salen: aparecen y desaparecen como el Guadiana. Además, en general las historias nos cuentan fracasos, son tristes y poco esperanzadas.

He tardado mucho en leer MANHATTAN TRANSFER, quizá porque no he sentido esa urgencia que algunas historias a veces provocan; y desde luego no tiene nada que ver con mi recuerdo de AÑOS INOLVIDABLES. Pero aún así me ha parecido interesante, y me alegro de haber dedicado a MANHATTAN TRANSFER el tiempo que le he dedicado: es una obra singular y realista, que refleja bien la situación de una sociedad, la americana de principios de siglo XX, y una ciudad, Nueva York.

Un factor que seguro ha influido en esta sensación extraña es la forma de leer: he utilizado un e-book, y en un texto tan complejo, que necesita –o al menos yo he necesitado- rebuscar nombres, retroceder de vez en cuando, repasar situaciones y escenarios, el libro electrónico se lo pone francamente difícil al lector. Así como otras historias más lineales se leen estupendamente en la pantalla, esta no, desde luego: pienso que hay que hacerlo a la clásica, en el entrañable papel de toda la vida que tantas ventajas sigue teniendo.

Como no tengo portada para ilustrar la entrada (el e-book tiene estas cosas), en lugar de buscar una cualquiera en la red la acompaño de algunas fotografías de Manhattan en la época en la que se escribió el libro, los años ‘20: Nueva York era ya entonces una señora ciudad.

SESENTA Y CUATRO VIVIENDAS DE PROTECCIÓN PÚBLICA EN EL ENSANCHE DE VALLECAS, de RUEDA PIZARRO ARQUITECTOS

2011-10-18T14:01:00.001+02:00

Tenía alguna referencia del edificio que los arquitectos ÓSCAR RUEDA y MARÍA JOSÉ PIZARRO habían construido en el Ensanche de Vallecas para la EMV, y me acerqué a verlo. Ya habíamos comentado en selecciónARTE otro edificio del estudio RUEDA PIZARRO: aquel que está junto a la Estación de Atocha y que confundí con uno de JAVIER CARVAJAL.

La verdad es que, a pesar de su imagen singular, esta obra de RUEDA y PIZARRO no me dijo mucho. Quizá lo más patente –junto con las pendientes y contrapendientes de la fachada, y el verde de los huecos, asuntos obviamente patentes- sea la búsqueda de buenas orientaciones para los locales principales, sin conformarse con una distribución repetida facilonamente: apertura de huecos grandes para locales grandes hacia el sur, y de huecos pequeños para locales pequeños hacia las otras orientaciones.

Copio, en cualquier caso, el comentario que hacen los propios autores (no tengo seguridad de que sea suyo, pero está escrito en primera persona) y la representación gráfica del proceso que explican: “Pretendemos establecer un compromiso entre el respeto riguroso de las reglas del juego urbanístico (una volumetría de manzana cerrada absolutamente preconfigurada) y el estudio en profundidad de la misma para encontrar los resquicios que permitan dotar de identidad al volumen arquitectónico. Establecemos una serie de operaciones en el sólido capaz dado por la normativa que pretenden conseguir unas viviendas con un mayor confort climático, térmico y lumínico. Primero, el volumen se desocupa en la fachada noreste para conseguir la mayor superficie posible de fachada con buena orientación (sur) y ajustar el exceso de edificabilidad. Luego, se baja la altura de la fachada sur y se crea un plano inclinado para conseguir un mayor soleamiento en las fachadas menos favorables. La planta baja se retranquea 2.85 metros para salvar el chaflán y crear un espacio ajardinado previo que permite tener una mayor privacidad en las viviendas situadas en planta baja. Finalmente, de la planta sexta a la octava se inclina la fachada, configurando una envolvente continua que resuelve el problema de los áticos retranqueados y el chaflán de planta baja de la misma manera.”

Me surge la duda de la oportunidad de una operación formal tan significada en un edificio que completa una manzana cerrada: aparecen unas diferencias de alturas y unos vacíos y unos cuchillos que tal vez no concuerden demasiado con el punto de partida, aquel respeto riguroso de las reglas del juego urbanístico (una volumetría de manzana cerrada absolutamente preconfigurada). Quizá en un edificio exento esta operación y su forma final resultarían más adecuadas.
Aquí dejo aquí algunas fotografías más, aunque tampoco añaden demasiado ...

DOS LIBROS DE VIAJES: EL INFINITO VIAJAR, de CLAUDIO MAGRIS + IMÁGENES DE PRAGA, de JOHN BANVILLE

2011-10-11T14:02:00.002+02:00

De manera habitual, cada libro que leo y me parece interesante tiene una entrada propia en selecciónARTE. En cambio, hoy comento dos libros, porque los he leído en paralelo –cosa que hago pocas veces: no suelo leer simultáneamente dos libros del mismo estilo y temática similar- y tienen algunas cosas en común, así que puede ser buena idea hablar de ellos a la vez.

Cuando comenté EL DANUBIO, ELENA me recomendó que leyera EL INFINITO VIAJAR: si me había gustado el primero pensó que también me gustaría el segundo (acertó); lo compré antes de irme a PRAGA, pero quedó encima de la mesa. Después cayó en mis manos EL MAR: ya dije que no conocía al autor, pero investigando vi que había escrito IMÁGENES DE PRAGA, y lo busqué hasta que me lo prestaron. Los dos me apetecían, así que los arranqué a la vez para ver cuál se imponía: la realidad es que ninguno se impuso, y han corrido en paralelo hasta el final.

El libro de MAGRIS me ha parecido mejor que el de BANVILLE, aunque los dos tienen interés, especialmente para los que nos gustan los libros de viajes. EL INFINITO VIAJAR es una recopilación de artículos publicados por MAGRIS en el CORRIERE DELLA SERA, ordenados geográficamente: recorre Europa desde Tielmes (sí, nuestro Tielmes, a dos pasos de Madrid) hasta Noruega, y al final añade unos capítulos dedicados al medio y lejano oriente; como en EL DANUBIO, allí por donde el autor pasa nos va contando del sitio, de las gentes que lo habitan, de su historia y de su cultura: no tienen tanta calidad como EL DANUBIO, pero tampoco se queda corto, resulta casi siempre interesante y enriquecedor.

IMÁGENES DE PRAGA nos cuenta los recuerdos que BANVILLE conserva de sus viajes a PRAGA, que son ya unos cuantos, y al hilo de esos viajes nos descubre la ciudad y sus personajes. Algunos son muy conocidos: el fotógrafo SUDEK, los emperadores CARLOS IV y RODOLFO II (¿le recordáis retratado como Vertumnus?), los astrónomos TYCHO BRAHE y KEPLER; otros, en cambio, son gente normal de PRAGA –muchas veces escritores o profesores entre los que BANVILLE se mueve- que han vivido (¿o debo decir sufrido?) los avatares más recientes de la historia de la ciudad.

¿Qué tienen en común los dos libros? Para empezar, lo más obvio: los dos son libros de viajes. Además, en los dos recorremos la ciudad de PRAGA, a la que MAGRIS dedica un par de capítulos. Y por si eso fuera poco (mucho no es, la verdad), BANVILLE nos cuenta un encuentro con MAGRIS, con quien coincide en una reunión en PRAGA y en la que el italiano presenta a EDUARD GOLDSTÜKER al irlandés. También hay otro aspecto que me ha llevado a relacionar los dos textos, pero no es una similitud, sino una diferencia: en un caso comparto las ideas –al menos casi todas las ideas- del autor, y en cambio en el otro no coincido nada –o casi nada- con sus opiniones. Me ha interesado mucho lo que cuentan los dos, me parecen apasionantes el propio viaje, la historia o la cultura que van saliendo al paso, pero cuando buscan una interpretación que explique los sucesos, la cosa cambia. MAGRIS es sutil, sus opiniones son matizadas, muchas veces resultan sugerentes, y aunque a veces el lector no está de acuerdo con lo que lee, suele encontrar margen para pensar. En cambio, BANVILLE cae en el tópico con mucha frecuencia, repitiendo ideas manidas y en mi opinión rancias, estereotipadas; pretende ser cáustico y resulta vulgar. Además, hay en el texto (indudablemente bien escrito) un excesivo compadreo en el tono, que acaba siendo, en mi opinión, poco apropiado. Una lástima, porque siendo un libro interesante, IMÁGENES DE PRAGA no me ha parecido ni mucho menos redondo (EL INFINITO VIAJAR tampoco lo es, pero le saca muchos cuerpos de ventaja …).

LA VILLA MÜLLER, de ADOLF LOOS, ARQUITECTO, en PRAGA

2011-10-04T13:51:00.003+02:00

Ya he comentado en selecciónARTE que uno de mis objetivos en PRAGA era visitar la VILLA MÜLLER, un edificio emblemático del arquitecto ADOLF LOOS.

Hay muchas y buenas biografías de ADOLF LOOS disponibles, así no me voy a alargar copiándolas aquí (el retrato de arriba es de OSKAR KOKOSCHKA, pintado en 1909). En cualquier caso, para situar el edificio dentro la producción del arquitecto interesa saber que LOOS nació en Brno 1870 y murió en Viena en 1933, y que proyectó y construyó la VILLA MÜLLER entre 1928 y 1930: es, por lo tanto, una obra de plena madurez.

Arquitecto contemporáneo previo al movimiento moderno, no podemos identificar a LOOS con el racionalismo, aunque en algunos aspectos pueda parecer que sí. Es verdad que la imagen exterior de sus edificios se asemeja a la de los racionalistas, pero ni siquiera esa imagen Loosiana responde del todo a las ideas racionalistas. Si hubiera que definir en tres pinceladas la arquitectura de LOOS, habría que hablar de ORNAMENTO Y DELITO; de RAUMPLAN; y de vida hacia el interior del edificio: abomina de la decoración superflua; defiende que lo importante son los espacios, señalando que la singularidad de cada local –su uso, su importancia- se debe refleja en su volumen (utilizando sus propias palabras, “Mi arquitectura no es concebida por los dibujos, sino por los espacios. No dibujo plantas, fachadas o secciones: para mí, la planta baja o el primer piso, no existen. Sólo hay espacios continuos interconectados, habitaciones, salones, terrazas ... Cada espacio necesita una altura diferente. Estos espacios están conectados de manera que el ascenso y descenso no sólo son imperceptibles, sino que al mismo tiempo resultan funcionales.”); y se empeña en conseguir espacios interiores de gran calidad ambiental frente a unos exteriores sobrios y funcionales.

La VILLA MÜLLER ejemplifica a la perfección estos planteamientos. El exterior está concebido como un volumen paralepipédico muy sencillo, blanco, que contrasta notablemente con los edificios de su entorno (la VILLA está situada en STŘEŠOVICE, un barrio residencial por encima de HRADČANY al noroeste de PRAGA lleno de casitas fin & principio de siglo); únicamente llaman la atención los huecos de las ventanas, tanto por su falta de orden como por su carpintería pintada de color amarillo. En el interior nos sorprenden los espacios, cada uno con su tamaño preciso: un estrecho pasillo de entrada en color aguamarina nos lleva al vestíbulo de acceso, pequeño y bajo, y desde aquí –subiendo por una corta escalera- accedemos al gran salón, con su impresionante doble altura, sus vistas, sus imponentes materiales (incluso su singular mobiliario, hoy discutible …). Y desde el salón pasamos –o mejor, subimos de nuevo- al comedor que se vuelca sobre el salón, al boudoir de la señora MÜLLER, al despacho del señor MÜLLER, a su dormitorio o al de los niños, al cuarto chino y a la terraza. Son espacios que se van encadenando mediante cambios de alturas y se van relacionando mediante huecos que se abren de unos a otros (hay que reconocer que es un poco el festival del peldaño: para gente mayor no queda más remedio que utilizar ascensor, aparato instalado desde el principio en la VILLA, por supuesto …). No se trata, de todas maneras, de espacios realmente continuos que fluyen de unos a otros: el visitante –el visitante un poco experto- descubre enseguida que no estamos ante una obra realizada con los parámetros de LE CORBUSIER, ni mucho menos de MIES VAN DER ROHE (estoy pensando en el PABELLÓN DE BARCELONA, porque por desgracia no pude visitar la VILLA TUGENDHAT, en Brno: está cerrada por obras hasta primavera del año que viene). En LOOS, cada local es claramente distinto del anterior y del siguiente, tiene unos límites perfectamente definidos: se relacionan pero no se confunden, ni mucho menos se funden.

Y, por fin, el tratamiento de los interiores, exquisito: los propios materiales, cuidados hasta el extremo, dan calidad y calidez a la vivienda; maderas y mármoles se combinan con mobiliario y tapicerías para conseguir ambientes ricos o acogedores, representativos o domésticos, familiares o de trabajo.

La historia del edificio es ajetreada, paralela a la del país: sin entrar en detalles, baste decir que después del ‘48 en ella vivieron varias familias, a partir del ’51 -año en el que la VILLA es declarada Monumento Cultural de la Republica Checoslovaca- fue utilizada por como archivo del Comité Central del Partido Comunista Checoslovaco, y en 1995 pasó a formar parte del Mueso Municipal de Praga, que se encargó de restaurarla con gran fidelidad al proyecto de LOOS.

Respecto a mi visita, diré que para visitar la VILLA MÜLLER antes hay que concertarla por e-mail o por teléfono. Yo envíe un correo nada más llegar a PRAGA, y me contestaron enseguida diciendo que en la fecha que yo proponía no era posible el tour en inglés (en checo ni se me ocurriría intentarlo); así que pedí a un amigo checo que llamara para intentar aclarar el asunto: me propusieron hacer la visita esa misma tarde, y acepté (más vale pájaro en mano ...). Como ninguno de mis colegas de viaje estaba animado a ver la VILLA MÜLLER (luego se arrepintieron, claro), salí hacia allá a primera hora de la tarde y llegué con unos minutos de adelanto; la puerta estaba rigurosamente cerrada y tuve que llamar a un telefonillo para entrar, un caballero de seguridad salió hasta la calle para hacerme pasar, y después de pagar 400 coronas (más o menos 20 €, la visita más cara que hice en PRAGA), me pidieron que esperara en el vestíbulo. Supuse que llegaría enseguida el resto del grupo, pero sólo apareció una simpática guía que me anunció que yo era el grupo (como FEZZIK es la Brigada Brutal) y comenzamos a recorrer los dos solos la VILLA de una punta a otra. Extraño, pero a la vez maravilloso: una experta dispuesta a explicarme todo aquello, contestando las mil preguntas que se me ocurrían, y enseñándome con detalle cada rincón de la casa y del jardín. Una hora estuvimos allí, 400 coronas estupendamente invertidas. Eso sí, una vez que atravesé la puerta de la calle no pude sacar una sola fotografía: pregunté en caja nada más entrar, y me dijeron que para hacerlo debía pagar 10.000 coronas (400 € aproximadamente): como hablábamos en inglés, pensé que había entendido mal, y repregunté; la mujer me señaló un rótulo, donde efectivamente decía que para hacer fotos dentro del edificio había que pagar 10.000 coronas (y sólo 4.000 para hacerlo en el jardín), y añadió que podía comprar postales o un libro ... Cuando ahora lo pienso vuelvo a suponer un mal entendido, por absurdo. Me parece una decisión realmente inapropiada, en mi opinión una forma equivocadísima de ganar dinero que sólo consigue dejar al visitante –no muy abundante, normalmente experto, y que ya ha desembolsado una cantidad notable para entrar- con mal sabor de boca. Lógicamente, las fotos de interiores que acompañan esta entrada no las he sacado yo (están escaneadas del folleto que me entregaron junto con la entrada), y me parece que dicen poco de la VILLA MÜLLER. Las del exterior están hechas desde la calle (y con malísima suerte, por cierto: no sé por qué misteriosa razón muchas de las que hice esa tarde están ligeramente desenfocadas).

A pesar de estas extrañas decisiones de sus gestores, la VILLA MÜLLER es un edificio magnífico, que recomiendo a cualquiera que tenga interés por la arquitectura: en su sitio web se puede investigar más, y concertar la visita.

Hay en PRAGA otra villa de ADOLF LOOS, la VILLA WINTERNITZ. No es visitable, pero me acerqué a verla al menos por fuera. Está en SMÍCHOF, al sur-oeste de la ciudad, en la calle Na Cihlářce, 10 (anoto la dirección por si alguno está interesado en llegar: la que yo llevaba desde Madrid estaba ligeramente equivocada, con una errata en el nombre de la calle que la hacía irreconocible, así que tuve que hacer cierto ejercicio de búsqueda en el callejero hasta dar con ella).

CABECERA DE SEPTIEMBRE DE 2011: CHAGALL EN SU PUEBLO

2011-09-30T13:53:00.003+02:00

Durante el mes de septiembre de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de YO Y EL PUEBLO, de MARC CHAGALL. Óleo sobre lienzo pintado en 1911, mide 192 x 151 cm. y se encuentra en THE MUSEUM OF MODERN ART de NEW YORK.

LA EDUCACIÓN DE OSCAR FAIRFAX, de LOUIS AUCHINCLOSS

2011-09-28T08:49:00.005+02:00

Oscar Fairfax nació y ha vivido siempre entre la alta sociedad de Nueva York. Nieto de un obispo Episcopaliano e hijo de un abogado de prestigio, estudia en el elitista colegio Saint Augustine y en la Universidad de Yale para acabar siendo abogado de éxito como su padre, y trabajando en su Firma (de la que llega, lógicamente, a ser Socio). Se mueve en ambientes sofisticados, donde el dinero –mucho dinero- y la clase están siempre presentes. LOUIS AUCHINCLOSS escribe una biografía de Oscar (THE EDUCATION OF OSCAR FAIRFAX, 1995), como si fuera Oscar quien la escribiera. Una falsa biografía, claro, pues Oscar nunca existió.

Más que una autobiografía estándar, Fairfax (AUCHINCLOSS) escribe una serie de episodios protagonizados por distintas personas que han tenido relevancia en su vida: su padre, su suegro, el singular cofundador de Saint Augustine, su mujer, su hijo, su ahijada, un chico que pretende ayudar y tutorizar (y que le acabará utilizando), un vecino timorato sin ninguna ambición en la vida al que debe lanzar hacia adelante. Lo que realmente nos cuenta son las consecuencias y experiencias que va sacando de todas esas relaciones, lo que la vida le va enseñando (como aquel dicho clásico que nos recuerda que no es la escuela sino la vida la que enseña). Son enseñanzas de lo más variopintas, incluso a veces contradictorias: unas veces la necesidad de mantenerse firme en los principios personales, otras veces la conveniencia de ceder en esos principios; a veces la importancia de cuidar las apariencias, y otras veces la necesidad de no tenerlas en cuenta; o la conveniencia de conformarse con las circunstancias frente a la necesidad de revelarse; o la necesidad de confiar en las personas frente a la posibilidad de ser engañado por ese exceso de confianza … Discreción frente a posible escándalo (el propio Oscar frente a la homosexualidad del señor Sayre); ambición frente a confianza (Winslow frente a Hugo Warren); fidelidad frente a aventuras amorosas (Constance frente a la Princesa Nelidoroff); guardar las apariencias frente a seguridad y éxito en la vida (Henrietta frente a Grant Richadrs).

Después de leer lo dicho, uno podría pensar que LOUIS AUCHINCLOSS nos está lanzando un sermón. La contestación es que de ninguna manera: LA EDUCACIÓN DE OSCAR FAIRFAX es una narración ligera y casi frívola, donde los personajes son lo suficientemente reales y de mundo para decirnos cosas de cierto calado (aunque ojo, que nadie espere grandes profundidades) sin necesidad de predicar. El lector tiene la sensación de que no pasa nada importante, y de alguna manera es verdad: lo importante no es lo que pasa sino lo que los hechos nos enseñan.

LA EDUCACIÓN DE OSCAR FAIRFAX me ha gustado: recuerda en muchas cosas a EL RECTOR DE JUSTIN, y no cae en los aspectos que menos me convencieron de esa novela. Como aquella, ésta tampoco es un novelón, pero está muy bien escrita, se lee muy bien, engancha y se disfruta (si uno disfruta con las clases altas, claro: si uno tiene alergia a los Clubs de Campo y a los cócteles, que lea otra cosa). Además, Fairfax nos cuenta una cena con EDITH WHARTON (me vino a la cabeza la aparición de ISAK DINESEN en EL PÁJARO ESPECTADOR), y SARGENT pintó un retrato de su abuelo: dos motivos suficientes para leer la autobiografía de Oscar Fairfax ...

PASARELA PEATONAL ARGANZUELA SOBRE EL RÍO MANZANARES, en MADRID, de DOMINIQUE PERRAULT, ARQUITECTO

2011-09-21T13:48:00.000+02:00

Es más que sabido que en Madrid no tenemos un río en condiciones, como tienen tantas grandes capitales. Nos tenemos un Sena, ni un Támesis, ni un Tíber, ni un Danubio, ni un Moldava. No tenemos un Potomac ni un Hudson ni un Río de la Plata. Nos conformamos –no nos queda otra- con nuestro RÍO MANZANARES, una minúscula corriente de agua que recorre el oeste de la ciudad de norte a sur. Crea, eso sí, una cornisa interesante que genera unas vistas estupendas y sobre la que se sitúan algunos edificios singulares: nuestro magnífico Palacio Real, nuestra discreta Catedral de La Almudena, la iglesia de San Francisco el Grande o el inminente Museo de las Colecciones Reales de los arquitectos MANSILLA + MUÑÓN que tan buena pinta tiene.

En los años 70s se construyó en Madrid la M-30, una vía de circunvalación de la ciudad cuyo trazado por el oeste corría paralelo al río. Han pasado los años y la ciudad ha desbordado por todos los sitios ese cinturón, quedando incorporado al trazado urbano de la capital. Es realmente una vía cómoda y rápida, pero el incremento de circulación llegó a atascarla de forma insufrible y en las horas punta era demencial. Así que el Ayuntamiento, con bastante acierto, decidió mejorarla soterrando algunas partes, una precisamente ésa que corría paralela al río (no voy a entrar en política, pero pienso que por esta actuación –no hablo de otras- hay que felicitar al Alcalde RUIZ GALLARDÓN, sin restricciones).

Además de aliviar muy notablemente el tráfico, enterrar la M-30 ha generado un largo parque lineal en ambas márgenes del MANZANARES, operación urbanística conocida como MADRID RÍO. No la he visito del todo, pero la parte que he podido recorrer me parece acertada, un notable empujón de calidad para esa zona de la ciudad. Lógicamente, para pasar de una orilla del río a la otra había varios puentes, pero ahora se han construido algunas nuevos. De especial interés es la PASARELA PEATONAL ARGANZUELA, proyectada por el arquitecto francés DOMINIQUE PERRAULT.

La PASARELA ARGANZUELA, muy próxima al clasiquísimo PUENTE DE TOLEDO, está formada por dos largas piezas cónicas, aproximadamente de 130 metros una y 150 metros la otra, que se van abriendo a medida que uno las recorre desde las orillas: el diámetro de las secciones varía desde los 5 metros en las entradas hasta los 12 en la zona central. Se encuentran en lo alto de una colina junto al río; y se encuentran pero no se juntan: las dos piezas no tienen un eje continuo, sino que están desplazadas entre sí, abriéndose hacia el cielo y obligando a un recorrido no lineal, sino en “Z”. La PASARELA ARGANZUELA no pretende ser un paso puramente útil: es, sobre todo, una zona de paseo, un paseo tranquilo y sin prisas. La estructura de la PASARELA está formada por una estructura metálica en forma de doble espiral y unas costillas que aquí y allá se multiplican o se cubren con retazos de esas telas metálicas que tan bien utiliza PERRAULT: macizos y vanos de distinta densidad que unas veces matizan la luz, otras nos dan sombra, otras enfatizan una vista o la niegan. El suelo (tanto en su recorrido para peatones como el previsto para los ciclistas) se resuelve en madera, que nos deja también entrever lo que pasa por debajo. Y para dar luz al conjunto, ha plantado unos árboles luminosos en el centro de la circulación. La impresión de ligereza y dinamismo de la PASARELA está logradísima (la longitud y esbeltez de los conos, los pilares apenas visibles, y la doble espiral de la estructura colaboran mucho a conseguirlo). Y las variaciones que se producen en su imagen a medida que varía la luz –desde el amanecer hasta después de la puesta de sol- son muy interesantes: si uno tiene ocasión, vale la pena acercarse a verla en distintos momentos, de día y de noche.

La PASARELA PEATONAL ARGANZUELA (aquí dejo algunas fotografías más) es un ejemplo de cómo se pueden y deben hacer las cosas, cuidando el diseño, mejorando la imagen urbana, y facilitando al ciudadano un entorno de calidad que influya –positivamente, sin duda- en su forma de vivir y de descansar. También es otro ejemplo más de la excelencia de su arquitecto, DOMINIQUE PERRAULT, de quien ya hemos hablado en dos ocasiones en selecciónARTE: cuando comentamos su espléndida BIBLIOTHÈQUE NATIONALE DE FRANCE en París, y con motivo de una exposición de su obra en el MUSEO COLECCIONES ICO.

ANTONIO LÓPEZ en el MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA de MADRID

2011-09-16T15:59:00.007+02:00

Por mil motivos se me estaba resistiendo esta exposición, y he estado a punto de tirar la toalla: hubiera sido una auténtica pena ...

¡IMPRESIONANTE!

PRAGA y la ARQUITECTURA CUBISTA CHECA: EL RESTO DE LA CIUDAD

2011-09-09T09:36:00.001+02:00

Para seguir algún criterio en nuestro recorrido por los edificios cubistas de PRAGA, hoy subiremos desde VYSĚHRAD hacia el norte de la ciudad.
En la Ciudad Nueva, NOVÉ MĚSTO, encontramos el EDIFICIO DIAMANT, de EMIL KRÁLÍČEK y MATĚJ BLECHA, construido en 1912 y situado en la calle Spálená, 4. [+ fotografías]
A su lado –físicamente pegados- está un singular arco cubista que acoge una imagen del omnipresente San Juan Nepomuceno.
También en NOVÉ MĚSTO, junto a la Plaza de Wenceslao (VÁCLAVSKĚ NÁMĚSTÍ) hay otro elemento singular: una farola cubista, obra de los mismos EMIL KRÁLÍČEK y MATĚJ BLECHA, de 1912 (JOHN BANVILLE, en su libro IMÁGENES DE PRAGA que estoy leyendo ahora mismo, atribuye esta obra a VLATISLAV HOFMAN: me fío más del otro dato, pero nunca se sabe). Está en un rincón de JUNGMANNOVO NÁMĚSTÍ, muy cerca de la CERVECERÍA U-PINKASÚ, sobradamente conocida y en la que vale la pena hacer una parada técnica: el patio junto a SANTA MARÍA DE LAS NIEVES (PANNY MARIE SNĚŽNÉ) es agradable y singular. [+ fotografías]
En la Ciudad Vieja, STARÉ MĚSTO, está el EDIFICIO DE LA VIRGEN NEGRA (DŮM U ČERNÉ MATKY BOŽÍ). Obra de JOSEF GOČÁR se construyó entre 1911 y 1912 destinado a almacenes, tiendas y despachos: para muchos –yo no lo veo del todo así- es el ejemplo más conseguido del cubismo checo. Se sitúa en la calle Ovocný trh 19, con vuelta a la calle Celetna, muy cerca de la TORRE DE LA PÓLVORA, y hoy alberga el MUSEO DEL CUBISMO CHECO, imprescindible para cualquiera que esté interesado en el tema. La tienda de la planta baja tiene –además de los artículos propios de la tienda del Museo- información sobre arquitectura moderna y contemporánea de PRAGA. En la planta primera está el GRAND CAFE ORIENT, diseñado también por GOČÁR y que ha sido reconstruido hasta recuperar su aspecto cubista original (vale la pena fijarse en los detalles, desde las lámparas hasta los percheros). También tiene interés la escalera en forma de herradura, con su barandilla cubista. [+ fotografías]
En el Barrio Judío, JOSEFOV, podemos ver el EDIFICIO DE VIVIENDAS PARA LA COOPERATIVA PARA LA CONSTRUCCIÓN DE VIVIENDAS PARA PROFESORES, de OTAKAR NOVOTNÝ, construido entre 1917 y 1919. Está en la calle Elišky Krásnohorské, 10, con vuelta a la calle Bilkova, y es precisamente el primer edificio cubista que descubrí en PRAGA. [+ fotografías]
En MALÁ STRANA (sé que aquí mi recorrido urbano da un paso hacia el sur respecto a JOSEFOV) hay un edificio cubista en la calle Karmelitská, 26, muy cerca de la IGLESIA DE SAN NICOLÁS (SVATĚHO MIKULÁŠE) y de SANTA MARÍA DE LA VICTORIA (PANNY MARIE VÍTĚZNÉ), donde está el famoso NIÑO JESÚS DE PRAGA. Desconozco quién es su autor y el año de su construcción. [+ fotografías]
Por fin, en HRADČANY, en la calle Tichonova, 4 y 6, junto a los jardines del Castillo, hay dos VIVIENDAS UNIFAMILIARES GEMELAS, de JOSEF GOČÁR, proyectadas en 1911 y construidas entre 1912 y 1913. Me hicieron gracia las gárgolas cubistas de uno de estos edificios (el que está pintado en color rosa), y también parecen cubistas las rejas de algunas vallas, puertas y ventanas (no sé si serán originales …). [+ fotografías]

Sé que hay más ejemplos cubistas en PRAGA, y me consta que también los hay en otras ciudades checas que no he tenido ocasión de visitar: estos son los que yo he visto. Acabo aquí mi comentario sobre la ARQUITECTURA CUBISTA CHECA, un fenómeno singular y sin duda muy interesante, sobre el que procuraré seguir investigando.

PRAGA y la ARQUITECTURA CUBISTA CHECA: VYSĚHRAD

2011-09-07T14:02:00.007+02:00

En esta entrada y en la siguiente quiero enseñar algunos ejemplos de ARQUITECTURA CUBISTA. En otro contexto más técnico se podrían analizar uno por uno, estudiando cómo se ajustan a las características generales que definen el cubismo arquitectónico checo, y cuáles son sus singularidades propias. En selecciónARTE me limitaré a presentar algunas imágenes, que ilustren y justifiquen todo lo dicho en la entrada anterior.

En cada una de las principales zonas de PRAGA localicé edificios cubistas, aunque con distinta densidad. El lugar donde he encontrado más ejemplos es VYSĚHRAD, un barrio situado al sur de NOVÉ MĚSTO presidido por el gran parque de VYSĚHRAD: la leyenda dice que aquí estuvo el palacio donde la Princesa LIBUŠE vaticinó el brillante porvenir de PRAGA, y actualmente dentro del parque están la ROTONDA DE SAN MARÍN (ROTUNDA SVATÉHO MARTINA), la IGLESIA DE SAN PEDRO Y SAN PABLO (KOSTEL SVATÉHO PETRA A PAVLA) y el CEMENTERIO NACIONAL (VYSĚHRADSKÝ HŘBITOV). Por eso, hoy presentaré los edificios de VYSĚHRAD, y en la próxima entrada los del resto de la ciudad. Señalaré, si lo conozcos, el nombre del arquitecto autor del proyecto y la fecha de construcción su dirección, y la dirección para quien quiera verlos in situ.
VILLA KOVAŘOVIČ. JOSEF CHOCHOL. 1911-1912. Calle Libušina, 3. VYSĚHRAD. Es interesante señalar que también el jardín de la parte trasera de la villa pretende ser cubista.[+ fotografías]CONJUNTO DE VIVIENDAS JUNTO AL MOLDAVA. JOSEF CHOCHOL. 1912-1913. Rašínovo Nábřezi, 6-10. VYSĚHRAD. [+ fotografías]
EDIFICIO DE VIVIENDAS PARA ALQUILER. JOSEF CHOCHOL. 1913. Calle Neklanova, 30. VYSĚHRAD. En mi opinión es el más cubista de los edificios cubistas que he visto en PRAGA. [+ fotografías]
EDIFICIO DE VIVIENDAS. Calle Vratislavova, 20. VYSĚHRAD. Desconozco el autor del proyecto y la fecha de ejecución. [+ fotografías]

PRAGA y la ARQUITECTURA CUBISTA CHECA

2011-09-05T13:58:00.005+02:00

En PRAGA he tenido ocasión de conocer en directo dos aspectos realmente interesantes de la arquitectura del siglo XX. Uno es sobradamente conocido, y era uno de mis objetivos ya antes de comenzar el viaje: la VILLA MÜLLER, de la que me propongo decir algo en selecciónARTE más adelante. El otro ha sido un auténtico descubrimiento para mí: la ARQUITECTURA CUBISTA CHECA.

Repasando una guía de PRAGA para preparar mi estancia en la ciudad, comprobé que se señalaba como punto de interés un edificio al que se hacía referencia como casas cubistas, y el texto iba acompañado de una fotografía que no identifiqué de ninguna manera con el cubismo. Yo no recordaba haber oído hablar de cubismo en arquitectura (aquí demuestro una enorme laguna en mi conocimiento de la historia de la arquitectura, lo sé), y al repasar mentalmente las nociones de cubismo en pintura y escultura no me resultaba fácil imaginar una ARQUITECTURA CUBISTA, pero la verdad es que lo de las casas cubistas se me quedó en la cabeza. Ya en PRAGA, paseando por JOSEFOV (el Barrio Judío), entre tantísimo art Nouveau, vi la fachada que la guía citaba como casas cubistas: aquello era, como mucho, déco, pero de ninguna manera cubista. De repente, a dos pasos de allí, surgió otro edificio que me llamó la atención: me acerqué a verlo, me intrigó, y enganché: era, efectivamente, una casa cubista, y ahí comenzó mi interés por la ARQUITECTURA CUBISTA CHECA y la búsqueda de información y de obra construida. La web es siempre eficaz, y aunque no me dio muchas pistas sobre la base teórica del cubismo en arquitectura, sí me ayudó a localizar unos cuantos edificios: dediqué un par de tardes completas a buscarlos, analizarlos, tratar de entenderlos, fotografiarlos … Además visité el MUSEO DEL CUBISMO CHECO (MUZEUM ČHESKÉHO KUBISMU) en la CASA DE LA VIRGEN NEGRA (DŮM U ČERNÉ MATKY BOŽÍ), que forma parte de la GALERÍA NACIONAL en PRAGA.

Para tratar de explicar en qué consiste –o mejor, qué pienso que es- la ARQUITECTURA CUBISTA CHECA será útil recordar qué es el cubismo, aún sin entrar en grandes profundidades (escribo sin recurrir a fuentes, únicamente con el material que tengo en la cabeza, y por supuesto sin entrar en grandes profundidades): entiendo el cubismo –la pintura cubista, realmente- como una vanguardia que para representar la realidad la analiza desde distintos puntos de vista y la descompone en formas geométricas y volúmenes sencillos y expresivos. Esas formas se representan después sobre el lienzo con una gran libertad, ordenadas y superpuestas como el artista considera que muestran la realidad completa, con sus tres dimensiones simultáneamente, sin ceñirse a la visión parcial que el observador podría tener desde un único punto de vista (la perspectiva clásica a la que estamos acostumbrados desde el renacimiento).
Si se intenta transponer este concepto de cubismo a la arquitectura, con toda su radicalidad, no resulta sencillo. Considero que no es posible, por muchos motivos, aplicar esos mismos principios a una materia que, además de su vertiente artística, tiene un alto contenido técnico y que necesariamente busca la eficiencia y la utilidad. Muchas consideraciones lo impiden: basta pensar en la Arquitectura como disciplina finalizada en la que cada edificio debe responder a un uso concreto, en la que cada edificio debe servir para lo que se proyecta y construye; en la necesidad en Arquitectura de una idea generadora del proyecto; en la Arquitectura como realidad ordenada; en la Arquitectura como realidad construida; en la Arquitectura como realidad duradera; en la Arquitectura como realidad económica. En cambio, si sólo se trasladan los resultados plásticos de esos principios (la imagen que se obtiene a partir de ellos, quiero decir), la cosa cambia: cuando simplemente se busca conseguir que el aspecto de un edifico guarde relación con el aspecto de un cuadro cubista, al arquitecto le basta analizar las obras representativas del estilo en cuestión, identificar sus elementos más significativos y pensar cómo y dónde se pueden incorporar al proyecto. Alguno puede entender que este razonamiento reduce notablemente la densidad conceptual de la ARQUITECTURA CUBISTA. Así es, y no me parece grave: es razonable pensar que no todos los movimiento tienen el mismo calado y que sólo algunos suponen avances gigantes de alcance universal, pero aún así cada uno aporta algo a la historia del arte y manifiesta el afán creativo del artista; el hecho de que la ARQUITECTURA CUBISTA no salga de la Republica Checa ni tenga proyección internacional nos da una pista más del tipo de movimiento ante el que nos encontramos.

Sea de una manera o de otra, nos encontremos ante un fenómeno artístico radical o puramente formal, no cabe duda de que durante el principio del siglo XX existe en Chequia un estilo arquitectónico singular, propio, que en cuanto uno afina el ojo y está mínimamente atento es claramente identificable. Teniendo en cuenta todo lo visto en PRAGA he tratado de sintetizar las características de la ARQUITECTURA CUBISTA CHECA, que se puede definir por los siguientes rasgos:

1. La ARQUITECTURA CUBISTA es un fenómeno epidérmico, que se manifiesta en la composición formal de algunos elementos arquitectónicos, fundamentalmente las fachadas, pero que no repercute en el concepto básico de la obra de arquitectura: ni en la idea o ideas que generan el proyecto en su conjunto, ni en la forma de desarrollarlo. El cubismo en arquitectura no genera conceptos ni soluciones espaciales, ni funcionales, ni constructivas, ni define circulaciones: únicamente se refleja en la parte más periférica de la arquitectura, en la piel y en los detalles.

2. La ARQUITECTURA CUBISTA busca, como hace también la pintura cubista, la tercera dimensión en el plano, mediante una constante fragmentación de los elementos que componen la fachada.

3. Es precisamente esa fragmentación el ornato que tiene la obra arquitectónica: la decoración no se consigue a base de elementos superpuestos, pegados a la fachada, sino que es el propio concepto que genera la fachada el que le confiere su ornamentación (y por tanto su belleza). Sin duda es fácil ver aquí una referencia a ADOLF LOOS y su ORNAMENTO Y DELITO. Los arquitectos cubistas checos eliminan la decoración artificial superpuesta (de la que toda la ciudad de PRAGA está llena), y dejan que la propia idea generadora de la fachada sea la que la decore. No existe ornamento añadido: existe una idea que configura una forma.

4. Esa fragmentación y ese juego de planos que se doblan y se pliegan, que se multiplican sobre si mismos como fuelles o abanicos, logra una dinamización importante de la piel arquitectónica: así, las fachadas, los huecos, las cornisas, están en constante movimiento. A este respecto, también sería interesante estudiar la relación cubismo-futurismo.

5. La sencillez, limpieza de lo postizo y desornamentación que persigue la ARQUITECTURA CUBISTA encuentra su inspiración en las formas puras de la naturaleza, en los cristales minerales. Esto se manifiesta en volúmenes llenos de ángulos que se repiten de manera simétrica, en frecuentes piezas triangulares, en planos o líneas que se escalonan de manera gradual y ordenada. En formas diamantinas, facetadas, talladas en múltiples planos.

6. Las obras cubistas no escapan con facilidad de la simetría, en lógica consonancia con su modelo natural, el cristal mineral, también simétrico.

7. Por el mismo motivo (el cristal mineral como modelo), las obras cubistas tienen una fuerte tendencia a la geometrización.

8. Las obras cubistas adquieren una alta carga plástica y, dentro de su simplicidad, gran riqueza formal.
Para acabar estas consideraciones hay que señalar que los principales arquitectos cubistas son PAVEL JANÁK, OTAKAV NOVOTNÝ, JOSEF GOČÁR, JOSEF CHOCHOL y MATĚJ BLECHA, que realizan sus proyectos entre 1910 y 1920. Y que, como pasa tantas veces, estas ideas también se acaban reflejando en mobiliario y objetos cotidianos: tanto en el MUSEO DEL CUBISMO CHECO como en la colección de los siglos XIX y XX de la GALERÍA NACIONAL (en el VELETRŽNÍ PALÁC) se pueden ver ejemplos interesantes (sospecho que también los habrá en el MUSEO DE ARTES DECORATIVAS, pero no lo visité).

Reconozco que la ARQUITECTURA CUBISTA CHECA me ha resultado un tema apasionante. Reconozco que he intentado documentarme buscando información sobre la ARQUITECTURA CUBISTA y, aunque pueda parecer muy presuntuoso, casi todo lo que he encontrado me ha parecido muy flojo, incluso bastante desenfocado: las ideas que apunto son, para bien o para mal, de cosecha propia. Entiendo que tal vez se trate de un tema demasiado técnico, que quizá no interesará a muchos –supongo que no habrán llegado hasta aquí- y puede resultar pesado a algunos. También reconozco que esta entrada puede estar poco contrastada y poco pulida: no he escrito –aunque me gustaría poder hacerlo- un artículo para revista especializada. Pienso que el tema se merecería un estudio más académico y no la pobre entrada de un blog, pero como por desgracia no creo que la vida me dé para hacer ese estudio, dejo aquí constancia de las conclusiones a las que he llegado después de mi estancia en PRAGA: sé que contraviene las normas más elementales que debe seguir cualquier bloggero en cuanto a longitud de un texto, pero no me importa nada; es más, no he dicho todo lo que quería, así que, como ya hice en otras ocasiones en las que el texto acabó siendo muy largo, he dividido la entrada en varias (tres, concretamente), que iré publicando a lo largo de esta semana: hoy la teoría, y a lo largo de la semana dos entradas más –fundamentalmente de fotografías- con algunos ejemplos.

CABECERA DE AGOSTO DE 2011. UN DESEO VERANIEGO: AL MAR DESDE MI HABITACIÓN

2011-08-31T17:51:00.004+02:00

Durante el mes de agosto de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de HABITACIONES JUNTO AL MAR (ROOMS BY THE SEA), de EDWARD HOPPER. Óleo sobre lienzo pintado en 1951, mide 74 x 100 cm y se encuentra en la YALE UNIVERSITY ART GALLERY, NEW HAVEN, CONNECTICUT.

NO ES PAÍS PARA VIEJOS, de CORMAC McCARTHY

2011-08-30T16:10:00.002+02:00

Me gusta CORMAC McCARTHY y ya he comentado en selecciónARTE varios libros suyos: LA CARRETERA, TODOS LOS HERMOSOS CABALLOS, EN LA FRONTERA y CIUDADES DE LA LLANURA. Hoy sólo quiero dejar constancia de que NO ES PAÍS PARA VIEJOS (NO COUNTRY FOR OLD MEN, 2005) también es una buena novela que vale la pena leer, con ese estilo sobrio y cortado tan propio de McCARTHY que a muchos nos parece acertado aunque en ocasiones resulte difícil seguir.

Como supongo que casi todos hemos visto la película de los HERMANOS COEN (a mi me pareció muy buena), todos conocemos el argumento: una historia de esas en las que un pobre hombre encuentra por casualidad un montón de dinero y se ve metido en un lío morrocotudo; una historia en la que matan hasta al apuntador, en la que hay un sheriff mayor y sensato que trata de arreglar las cosas, un malo malísimo que más que no tener escrúpulos parece no tiene ni una pizca de conciencia, y narcos a diestro y siniestro. El asesinato de Carla Jean (la mujer de Llewelyn Moss, el pobre hombre) y sobre todo su diálogo previo con el asesino son de premio.

Resulta inevitable –al menos a mi me ha pasado- que cada vez que Anton Chigurh entra en acción con su bombonita de aire comprimido, JAVIER BARDEM surja en la cabeza del lector con aquel pelo infame que le colocaron los COEN. En la novela su aspecto es mucho más anodino, y su personalidad más cruel, más brutal, y más impasible. Un personaje que no se olvida así como así.

EL MAR, de JOHN BANVILLE

2011-08-25T08:39:00.004+02:00

Esta novela llegó a mis manos de una forma un tanto rocambolesca –y larga de explicar: os la ahorro- y no sabía qué me iba a encontrar; además, tampoco conocía a BANVILLE. Investigué un poco, y las opiniones que encontré eran muy buenas, pero poco razonadas. Así que empecé a leer, no con prevención pero sí con inseguridad: ¿qué voy a encontrar en EL MAR? ¿Llegaré al final? He llegado, y además EL MAR me ha parecido una novela notable: no es, en mi opinión, el no-va-más, pero vale sobradamente la pena.

El protagonista de EL MAR, Max Morden, está intentando recuperarse de la reciente muerte de su esposa, Anna. Para lograrlo se ha instalado en Los Cedros, una casa de huéspedes en Ballyless, el pueblo donde pasó algunos verano durante su infancia. Allí comienza a recordar –y a contarnos- sucesos de entonces, que se van mezclando con su situación de ahora: la amistad adolescente, el despertar del amor, la muerte.

Precisamente lo que tiene que ver con ese amor primero es lo que me ha parecido más trillado, más conocido, requetescrito … pero el resto de la historia es estupenda. La estructura de la novela está muy muy trabajada, yendo y viniendo en el tiempo como van y vienen las mareas en el mar. La narración avanza en dos planos, o tres incluso: por un lado los veranos de la infancia, por otro el año que transcurre desde el diagnóstico de la enfermedad de Anna hasta su muerte, y en tercer lugar la actual vida en Ballyless; los tres momentos se mezclan constantemente, con un resultado brillante (la contraportada de EL MAR califica la novela de meándrica: me parece una palabra fea como ella sola, pero la idea desde luego es acertada). Los personajes están muy bien definidos: el matrimonio Grace; Chloe, Myles y Rose; el coronel. Como detalle menor, pero que me ha gustado, las referencias la mundo de la pintura son abundantes (Max es un experto en arte que trabaja sobre la obra de Bonnard).

Y, sobre todo, JOHN BANVILLE escribe estupendamente: leer EL MAR es una delicia.

EL DESCENDIMIENTO, de CARAVAGGIO, en el MUSEO DEL PRADO

2011-08-18T13:54:00.000+02:00

Con motivo de la Jornada Mundial de la Juventud –esta mañana ha llegado Benedicto XVI a Madrid- el MUSEO DEL PRADO ha traído, y/o los MUSEOS VATICANOS han prestado, EL DESCENDIMIENTO, de CARAVAGGIO (que, por cierto, yo siempre había llamado EL ENTIERRO DE CRISTO o EL SANTO ENTIERRO; en realidad la escena representa el paso siguiente al momento en el que desclavan a Cristo de la cruz, que sí sería el descendimiento, y lo que vemos es cómo está siendo depositado en el sepulcro, con prisas y sin demasiada ceremonia). Ya comenté que ésta era una de las obras de MICHELANGELO MERISI que me quedé sin ver cuando estuve el verano pasado en Roma, así que hace unos días me acerqué al PRADO.

¡QUÉ CUADRO! (así, con mayúsculas).

EL DESCENDIMIENTO (óleo sobre lienzo, 306 x 214 cm. 1602-1604. Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano) es impresionante: qué fuerza, qué perfección técnica, qué composición, qué luz, qué rotundidad … incluso qué tamaño. Todo lo que yo pueda explicar aquí se quedaría cortísimo, así que me limito a aconsejar que nadie se pierda la oportunidad de verlo. Está en Madrid hasta el 18 de septiembre.

EL DESCENDIMIENTO se incluye en esa interesante iniciativa llamada LA OBRA INVITADA, y también forma parte de LA PALABRA HECHA IMAGEN, un recorrido temático que ha preparado el Museo como parte de las actividades culturales que se organizan en Madrid con motivo de la JMJ. No realicé ese itinerario –no por falta de ganas, sino por falta de tiempo- y, aunque el cuadro de CARAVAGGIO es el único que no pertenece a los fondos del PRADO, creo que recorrerlo puede tener interés: grandes obras de la historia del arte explicadas desde el punto de vista religioso, precisamente el punto de vista con el que fueron concebidas. Tengo la publicación que ha preparado el Museo (un folleto de casi 100 páginas, sencillo y muy bien hecho, que explica las 14 obras), y me ha dado pena comprobar que los responsables de LA PALABRA HECHA IMAGEN –no sé si por motivos artísticos o catequéticos- no han incluido el genial CRISTO MUERTO, SOSTENIDO POR UN ÁNGEL, de ANTONELLO DA MESSINA, que como ya he dicho alguna vez en selecciónARTE es una de las obras del Museo a la que tengo más … cariño: una lástima, cierto, pero que se resuelve yendo a verla aunque no nos la recomiende el MNP ni la JMJ. Avisados quedáis.
También aproveché para ver la exposición temporal ROMA, NATURALEZA E IDEAL. PAISAJES 1600-1650. Muy interesante y muy completa, sin duda, pero la competencia era excesiva: en mi cabeza los paisajes han quedado eclipsados por CARAVAGGIO.

PRAGA, ¿DEMASIADO PHOTOSHOP?

2011-08-11T12:22:00.002+02:00

PRAGA, ya lo he dicho, es una ciudad que deslumbra, una ciudad preciosa, pero a medida que uno la recorre y la vive (en la medida que es posible vivirla estando sólo unos días), nota que hay algo que no funciona del todo. Yo, al menos, es la sensación que he tenido.
Mi primera visión de PRAGA fue desde el CASTILLO (PRAŽSKÝ HRAD), la misma tarde que llegué: era última hora y apenas quedaba nadie por allí. Me fascinó, lo reconozco: construcciones imponentes, patios que controlan el espacio y crean entornos muy proporcionados, la Catedral de San Vito (SVATÉHO VÍTA) encajada entre edificios. Todo tranquilo y todo limpísimo. Y, como no, las vistas de la ciudad desde los dos extremos del Castillo al sol de poniente: cielo azul, el río, y PRAGA con luz dorada. Después las cosas siguieron en esa línea: MALÁ STRANA, la Ciudad Vieja, el Barrio Judío … el primer impacto es, sin duda, sensacional.

Pero en cuanto se pasa esa primera impresión uno empieza a sospechar que todo está demasiado bien, demasiado cuidado, demasiado bonito. No es malo, desde luego, que la ciudad esté cuidada, todo lo contrario; pero en mi caso fue creciendo la sensación de estar en un escenario, una sensación de cosa falsa, de postal con exceso de photoshop. Después de unos cuantos días en PRAGA lo que me venía con frecuencia a la cabeza era la idea de Parque Temático, una ciudad de pega pensada al cien por cien para el turista, estudiada para que el visitante crea estar en la ciudad centroeuropea ideal, perfecta. Un enorme decorado en el que vamos encontrando la ciudad que esperamos, la que nos han contado. URBANOLANDIA, podríamos decir.
Desde luego, para que PRAGA sea la ciudad que hoy vemos necesita un soporte muy singular, rico, que sin duda tiene: la colina del Castillo existe, el Moldava existe, existe el entramado urbano y sus edificios en una interesante mezcolanza de estilos y épocas (esto también se podría matizar, pero no iré por aquí). Pero encima de todo eso lo que hay en una capa de pintura muy muy gruesa, demasiado gruesa, en mi opinión: una restauración bastante teatral y pensada para crear su propia imagen, su leyenda. Quizá sea una apreciación injusta, pero el efecto final es el de una ciudad mona, muy cuca, pintoresca como ya dije … y un poco falsa; una mujer que fue bella y que se ha repintado para tratar de recuperar el esplendor que tuvo.
¿Es PRAGA más bonita que ROMA, que LONDRES o que PARÍS? (y ojo: no digo interesante, donde la discusión no tendría sentido. Me estoy moviendo todo el rato –en la entrada anterior y en ésta- en el plano más elemental: bonita) Yo, desde luego, diría que no. Es verdad que en PRAGA lo bonito es mucho y sobre todo está todo junto, formando un conjunto unitario y homogéneo; consigue así que el efecto para el visitante sea fantástico, como dije ayer y mantengo hoy, a pesar de todo lo escrito (PRAGA me ha encantado). Pero pongamos las cosas en su sitio: de ninguna manera tiene un eje como el que recorremos desde el LOUVRE hasta el ARCO DE TRIUNFO paseando por las TULLERÍAS, la PLAZA DE LA CONCORDIA y los CAMPOS ELÍSEOS; ni el que recorremos desde OXFORD CIRCUS hasta PICCADILLY CIRCUS por REGENT’S STREET para después pasar a TRAFALGAR SQUARE y acabar en WESTMINSTER ABBEY; ni el que podemos hacer por el TRASTÉVERE o en los alrededores de la PIAZZA NAVONA. Aunque PRAGA no sale mal parada de la comparación (basta ver las fotografías), la diferencia es notable, me parece.
Eso sí, el trabajo de los responsables de la imagen de la ciudad es fantástico: lo digo de verdad, no pretendo ser mordaz. PRAGA (URBANOLANDIA) funciona a las mil maravillas, el visitante disfruta como loco recorriendo sus calles y sus plazas y sus puentes, entrando en sus tiendas, comprando sus artículos de merchandising. Y eso necesita cabeza, dedicación … y mucho dinero, supongo.

Para tratar de aclara cómo era PRAGA antes de lo que es ahora, estoy interesado en un par de libros. Uno ya lo tengo encima de la mesa: EL INFINITO VIAJAR, de CLAUDIO MAGRIS. Me lo recomendó ELENA RIUS cuando escribí sobre EL DANUBIO, y he visto que tiene dos capítulos sobre PRAGA. El otro es IMÁGENES DE PRAGA, de JOHN BANVILLE: estoy leyendo ahora mismo su novela EL MAR, y me interesa ver qué dice de PRAGA. Quizá después pueda aportar algo más, matice mi opinión o incluso tenga que tragarme mis palabras.

PRAGA, ¿LA CIUDAD MÁS BONITA DE EUROPA?

2011-08-10T08:25:00.015+02:00

Tenía muchas, muchísimas ganas de conocer PRAGA: había oído –como hemos oído todos, supongo- que era una ciudad preciosa, para algunos la más bonita de Europa. Hace algunos años estuve en VIENA e intenté acercarme, pero finalmente no lo conseguí. Así que cuando este verano surgió la posibilidad, aunque no era mi destino inicial no tuve ninguna duda: el objetivo era claro y goloso, tremendamente atractivo.

Ahora, después de estar allí unos días y de pasear la ciudad a conciencia, en profundidad –unos paseos larguísimos y deliciosos-, ya puedo decir cómo es PRAGA. O, al menos, como es mi PRAGA, la que yo he visto, la que he caminado y he pensado, la que tratado de entender y sobre la que pienso escribir algunas entradas en seleccciónARTE.

Imagino que después de esta introducción más de uno y más de dos estaréis sospechando que algo pasa … y sí, sí que pasa. Le he puesto algún pero a la ciudad más bonita de Europa. Y lo voy a explicar en dos entradas: empezó siendo sólo una, pero el texto resultaba largo y pesado (muchos ya me conocéis), así que he preferido partirla en dos.
PRAGA, digámoslo cuanto antes, es efectivamente una ciudad preciosa. Pasear por casi cualquier rincón de la zona histórica es delicioso: MALÁ STRANA –quizá el barrio que más me ha gustado de PRAGA- es fantástica; la Ciudad Vieja (STARÉ MĚSTO) está llena de vida; el Barrio Judío (JOSEFOV) tiene un punto mágico; el Castillo de PRAGA y su entorno (HRADČANY) están llenos de tesoros; pasar por el Puente de Carlos (KARLŮV MOST) a cualquier hora del día o de la noche es divertido. Incluso la Ciudad Nueva (NOVÉ MĚSTO), mucho más sosa que el resto, tiene rincones agradables y cervecerías de primera.
PRAGA es una ciudad para mirar, para los ojos: vayas por donde vayas, te asomes donde te asomes, subas a la torre que subas, descubres unas vistas que son siempre singulares, pintorescas (en mi opinión pintoresca es una de las palabras que describen estupendamente la ciudad). Imágenes vistosas –muchas veces vistosísimas- por todos los sitios: una fachada profusamente decorada, una perspectiva entre soportales, un reflejo en el Río Moldava (VLTAVA), un parque de vegetación densa, unas escaleras interminables que parece que llevan al cielo, el tranvía que cruza una plaza, una banda de Jazz … Imágenes que todos intentamos constantemente llevarnos en la cabeza y, para que no se nos olviden, en la cámara de fotos. He hecho cientos de fotos de PRAGA, y estoy encantado de haberlas hecho, a pesar de que alguna persona me haya tachado de japonés. Sí, en esto soy como los japoneses, fotografío todo lo que me gusta sin ningún rubor (y después tiro –también sin ningún problema- todas las imágenes que sobran: no sé si lo harán los japoneses).

PRAGA está llena de detalles. Mientras la recorría pensé que es una ciudad para ver al menos dos veces, o mejor, de dos maneras. Una mirando de frente, disfrutando de la PRAGA que uno ve a la altura de los ojos, de las primeras impresiones de una ciudad impresionante. Y otra más tranquila mirando hacia arriba, descubriendo los mil detalles que llenan las fachadas (detalles barrocos, neoclásicos, historicistas, nouveau, déco, cubistas …) y los esgrafiados que decoran sus paños ciegos o sus cornisas y remates. PRAGA es también una ciudad llena de estatuas (Atlantes, Cariátides, Santos, Vírgenes, animales) y de símbolos, esas imágenes que identifican cada casa: una llave dorada, dos osos, una langosta verde, un carnero, tres violines, un sol negro, la cabeza de medusa, tres plumas blancas … Una ciudad riquísima en detalles ornamentales, que uno puede no apreciar a la primera y sin duda aportan notablemente a su belleza.

PRAGA está llena de vida: restaurantes, cerveza (PIVO, dicen ellos), conciertos en cada iglesia, puestos de láminas y acuarelas por las esquinas, chiringuitos de recuerdos, vendedores de bisutería, tiendas de cristal de Bohemia, caricaturistas, músicos callejeros, negros vestidos de marinero (blanco inmaculado y ribete azul) que ofrecen recorridos fluviales, algunos checos (que supongo que también habrá), y sobre todo turistas. Infinitos turistas que atiborramos las calles, las plazas, los puentes, las cervecerías … y eso me parece estupendo. Yo me incluyo entre todos esos turistas, procuro no creerme de una clase selecta –a algunos les pasa- más culta, que opina de todo y a todo saca pegas (no me gustaría ser así, a pesar de la conclusión que he sacado de PRAGA). Es verdad que no he ido en un gran grupo, con guía a la cabeza que lleva una antena levantada con pañuelo atado en el extremo para que nadie se pierda; es verdad que he visto encantado varias veces los mismos sitios, sin limitarme a ir tachando en una lista lo que las guías de viaje recomiendan; es verdad que he procurado enterarme con algo de detalle de lo que iba a visitar, para sacarle más jugo que el que se saca sin más de un vistazo rápido. Pero también es verdad que he disfrutado cruzándome con la gente (auténticas masas), oyendo idiomas no identificables ni comprensibles (por cierto, el checo es endiablado), teniendo que parar para dejar pasar o cambiar de camino para evitar auténticos atascos. Y por supuesto que me he apiñado delante del reloj de la torre del Ayuntamiento de la Ciudad Vieja (STAROMĚSTKÁ RADNICE) para ver cómo se asoman los apóstoles y he aplaudido al individuo que, desde arriba, toca la trompeta.

En PRAGA he descubierto, además, arquitectura de interés de la que hablaré en selecciónARTE con algo de detalle. El tiempo nos ha acompañado: no hemos tenido siempre sol radiante, e incluso algún día cayeron cuatro gotas, pero tampoco ha hecho calor y hemos caminado cómodamente por PRAGA. Los precios son razonables, aunque es verdad que uno acaba cansado de pagar por absolutamente todo. Hemos encontrado pocas obras en las calles y en los edificios (lástima del andamio en el arranque de las torres de Nuestra Señora de TÝN, CHRÁM PANNY MARIE PŘED TÝNEM). Y los checos a los que he conocido son tremendamente simpáticos.

Entonces, si todo lo dicho sobre PRAGA es tan maravilloso, ¿dónde está el problema? Seguro que los que habéis estado allí lo detectaríais igual que yo, pero en cualquier caso os lo contaré enseguida.

LAS UVAS DE LA IRA, de JOHN STEINBECK

2011-08-05T13:59:00.002+02:00

Durante las vacaciones he leído LAS UVAS DE LA IRA. Algo de vergüenza ya me da reconocer que hasta ahora no lo había hecho, pero así son las cosas: cuando hace años lo comencé en inglés apenas avancé unos capítulos, y desde entonces lo tenía en la lista de las deudas que uno siempre tiene con la literatura universal.

Me ha entusiasmado.

Realmente poco puedo decir -que aporte- de un novelón que conoce todo el mundo y del que se ha escrito mucho y bien, así que me limito a copiar las notas –casi telegráficas y ciertamente desordenadas- que he ido tomando. Sirvan para dejar constancia en selecciónARTE de una de las mejores novelas que he leído: creo que no exagero.

• Épica, una historia grande.
• Emigración, explotación, egoísmo y desprecio frente a bondad, solidaridad, generosidad, heroísmo.
• Importancia de las relaciones familiares. La figura de Madre.
• Actualidad de la situación (la historia de la humanidad es cíclica).
• Reminiscencias bíblicas: la tierra prometida (En AL ESTE DEL EDÉN, Caín y Abel …).
• Estructura de los capítulos: alternancia de historia de los Joad y situación general del país.
• Arranque con la tortuga: magnífico. El comprador de coches: magnífico.
• Un final tremendo, pero perfecto.
• Cabos sueltos que son lo de menos: una historia redonda.

CABECERA DE JULIO DE 2011: SANT’IVO de BORROMINI

2011-07-31T13:47:00.000+02:00

Durante el mes de julio de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido una fotografía de la linterna que remata la cúpula de la iglesia de SANT’IVO ALLA SAPIENZA, en Roma. Construida por FRANCESCO BORROMINI entre 1643 y 1650 (aunque su interior no se terminó de decorar hasta 1660), es la iglesia de la antigua UNIVERSIDAD de la SAPIENZA de ROMA, que tuvo aquí su sede desde 1431 hasta 1935. Ahora el edificio alberga los Archivos Pontificios de los siglos IX a XIX. Saqué la fotografía en mi estancia en Roma del verano pasado, y no tuve la suerte de ver el interior, porque estaba cerrado todo el mes de agosto.

El edificio -y el patio desde el que se accede a la iglesia- es obra de GIACOMO DELLA PORTA, que lo construyó a finales del XVI. BORROMINI añadió la iglesia: del exterior, sólo es suyo el cuerpo superior (el tambor, la cúpula y la linterna). Todo el conjunto está lleno de referencias bíblicas y a los Papas que ejercieron su ministerio durante la construcción de la iglesia: estrellas y montañas de los CHIGI, abejas de los BARBERINI, dragones y águilas de los BORGHESE. Además, son abundantísimos los trazados reguladores que, combinados, formalizan el conjunto. La Linterna que ha servido de cabecera a selecciónARTE es archiconocida, con su forma helicoidal que invita a subir al cielo ...

CLOSED (o VOLVEMOS DENTRO DE DOS SEMANAS)

2011-07-15T08:40:00.002+02:00

Pues eso: que cerramos hasta fin de mes. Este año no he conseguido mi objetivo para 2011 (era BERLÍN), pero el finalmente previsto no está nada mal: es otro de los imprescindibles europeos que aún tengo pendientes, así que si pasáis por PRAGA la última semana de mes, nos tomamos allí una cerveza …

ETHAN FROME, de EDITH WHARTON

2011-07-11T08:37:00.005+02:00

ETHAN FROME es una pequeña obra de arte. Una novela breve y sencilla, de su momento (se publicó en 1911) , pero magnífica: con cuatro mimbres -tres, para ser exactos- EDITH WHARTON construye un drama intenso, de esos que hacen pensar y que se quedan agarrados a la memoria del lector, sospecho que para mucho tiempo.

Un señor con mala suerte, Ethan. Una esposa posesiva, Zeena, que pretende acaparar constantemente su atención haciéndole perder la alegría. Y una joven, Mattie, que vive con ellos y que supone el contrapunto de Zeena, sus antípodas. Los tres bajo el mismo techo, el de una serrería pobre en un pueblo de Massachusets con inviernos fríos, muy fríos. El triángulo está servido, y el drama es inevitable y casi casi previsible. No tiene ETHAN FROME una originalidad fuera de lo común, pero consigue que una historia más o menos estándar tenga una fuerza impresionante. En gran parte porque los personajes están magistralmente dibujados.

Muchas consideraciones pueden surgir a medida que uno lee ETHAN FROME: la fidelidad, la perseverancia, la lealtad, el espejismo de la felicidad, la pasión ¿inevitable?, la generosidad, el destino … Es una de esas novelas menores, en las que nada es espectacular –más bien todo lo contrario- pero que acaba resultando estupenda.

PHOTOESPAÑA 2011

2011-07-07T08:29:00.011+02:00

Hace tres días dedicaba una entrada a comentar dos exposiciones interesantes que se pueden ver en Madrid, y que me parece que conviene tener en la cabeza. Hoy publico otra entrada colectiva sobre de PHE11, un acontecimiento anual que nos llena Madrid de fotos.

Ya he dicho más veces que no me resulta fácil valorar la fotografía. Hay muchas fotografías o fotógrafos que me parece que reflejan bien tipos humanos o situaciones; otras y otros que me parecen interesantísimas por lo que tienen de documento histórico; y otras y otros que simplemente me gustan. Entiendo la fuerza que tiene la fotografía en gran formato, y la fuerza que tienen las series de fotografías, la repetición. Pero siempre he sospechado que la fotografía tiene que ser más, y ahí es donde pierdo pie: no descubro mucho más que lo obvio.

En cualquier caso, aprovechando la amplísima oferta que nos trae PHOTOESPAÑA 2011, he ido a ver unas cuantas exposiciones de las que forman en el XIV Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales (así se subtitulan ellos mismos). Quiero dejar constancia en selecciónARTE de mis visitas, pero no las voy a comentar: me limito a citar lo que cada exposición dice de si misma. Desde luego, si tuviera que señalar alguna de manera especial, me quedaría con la del MNCARS, la de CAIXAFORUM, y la que se puede ver en el MUSEO ARQUEOLÓGICO.
En el REINA SOFÍA se puede ver UNA LUZ DURA, SIN COMPASIÓN. EL MOVIMIENTO DE LA FOTOGRAFÍA OBRERA, 1926-1939. Muy interesante aunque quizá demasiado exhaustiva, larga, poco abarcable: “Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939 profundiza en el análisis de un período de la historia de la fotografía del siglo XX en el cuál ésta se pone al servicio de los diversos movimientos obreros (desde el asociacionismo sindical hasta la creación de estados “de los trabajadores”, como el soviético), partiendo de la autoconciencia de la clase obrera y la toma de los mecanismos de producción y reproducción de imágenes. Al abordar el estudio de la vanguardia artística interconectada con la vanguardia política, esta exposición pone fin a la hegemonía historiográfica de otros movimientos en la historia de la fotografía, como la Nueva Visión, desplazando así en importancia la visión mecánica por la relación con los movimientos sociales y centrando el debate en torno a la fotografía como documento. Presenta fotografías (en gran parte copias vintage), películas y otros documentos, con especial atención a las publicaciones periódicas, el medio fundamental para la circulación de imágenes y sus ideas asociadas en estos años.”

En CAIXAFORUM hasta hace poco se podía visitar UN MUNDO FLOTANTE. FOTOGRAFÍAS DE JACQUES HENRI LARTIGUE (1894-1986), que era estupenda. Ahora se expone CONSTRUIR LA REVOLUCIÓN. ARTE Y ARQUITECTURA EN RUSIA, 1915-1935. Es un tema que me parece fascinante (ya hemos hablado en alguna ocasión de esto en selecciónARTE), y en el que la arquitectura tiene un peso especial: quizá por eso me tira tanto … “Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935 aborda uno de los períodos más excepcionales de la historia de la arquitectura, el que va desde los años previos a la Revolución de Octubre hasta la fundación de la URSS. Los artistas plásticos y arquitectos se unen bajo la causa bolchevique para crear, a través del arte y la arquitectura, una nueva sociedad basada en las ideas socialistas. Fue un período destacado por la radicalidad de las propuestas de arquitectos como Konstantin Melnikov y Moisei Ginsburg, y de artistas visuales del movimiento constructivista, como Liubov Popova, Vladimir Tatlin, Kazimir Malevich, El Lissitzky o Gustav Klucis. La muestra está formada por unas 250 obras: fotografías de archivo de edificios construidos entre 1920 y 1930, procedentes del Museo Estatal de Arquitectura Schusev de Moscú; dibujos, pinturas y maquetas de la Colección Costakis del Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica y una selección de fotografías en color y de gran formato del fotógrafo británico Richard Pare realizadas entre 1992 y 2010 sobre los primeros 15 años de historia de la Unión Soviética.”

También es singular la exposición de los RETRATOS DE FAYUM que se puede ver en el MUSEO ARQUEOLÓGICO. Con muy poca obra y traída un poco por los pelos (unos retratos del siglo II dC. pintan relativamente en una exposición fotográfica), no deja de tener su aquel la forma de relacionar una cosa con otra. También se puede ver un vídeo de ADRIAN PACI, que empieza a ser un habitual (yo ya lo he visto en varias expos): “La muestra reúne 13 retratos que se relacionan indirecta y sutilmente con el vídeo Centro di Permanenza temporanea (Centro para la permanencia temporal, 2007), de Adrian Paci. En éste el tiempo parece detenerse, mientras sus protagonistas -posibles emigrantes que buscan partir pero no se mueven- están sutilmente próximos a los muertos-vivos de Fayum (Egipto): caras en espera, de pasaporte, en tránsito a una nueva realidad. John Berger dedicó a estas obras uno de sus textos más bellos, en el que las relacionaba con las migraciones de nuestro época. Los retratos de Fayum sorprenden hoy por su modernidad y vigencia. Realizados entre los siglos I y IV después de Cristo, proceden de los necrópolis de Fayum y de otros lugares en Egipto, y nacen de una mezcla entre la pintura griega y la encáustica, el realismo romano y los ritos funerarios egipcios. La muestra propone estas pinturas como el antecedente más antiguo de lo fotografía ya que, de forma semejante a las fotos de carné, los pintores retrataban lo más exactamente posible los rasgos de los sujetos para que el alma de los difuntos pudiese identificarlos, de ahí su sencillez y proximidad.”

Entre las que he visto y que me han dicho menos –aunque indudablemente tienen algunas obras de interés- incluyo FACE CONTACT, en el CENTRO DE ARTE TEATRO FERNANDO FERNÁN GÓMEZ, de la Plaza de Colón (“El título de la exposición hace referencia a la expresión inglesa eye-contact, contacto visual entre dos personas que se miran a los ojos, y alude al retrato como elemento de comunicación. La cara es el principal elemento físico para identificar a una persona, además de una máquina de comunicar. Ninguna otra parte del cuerpo es capaz de expresar de modo tan claro sentimientos, estados de ánimo, deseos y pasiones. La fotografía capta y representa muy bien esa comunicación, siendo una de las razones de la proliferación del retrato en la vida contemporánea.”) y 1.000 CARAS / 0 CARAS / 1 ROSTRO, en la sala de exposiciones de la CAM en ALCALÁ 31 (“La muestra consta de 103 fotografías. El comisario, Gerardo Mosquera, ha reunido a dos grandes artistas contemporáneos, Cindy Sherman y Thomas Ruff, que han tratado en profundidad la complejidad de la representación del sujeto, junto con Frank Montero, humilde aficionado desconocido, quien se escenificó a sí mismo en distintas etapas de su vida. Estas últimas fotos del siglo XIX y principios del XX, se exhiben por primera vez.”)

POLONIA, TESOROS Y COLECCIONES ARTÍSTICAS, en el PALACIO REAL de MADRID, y EL JOVEN RIBERA, en el MUSEO DEL PRADO

2011-07-04T08:44:00.007+02:00

Comento en la entrada de hoy dos exposiciones que he visto recientemente: no son el no va más, pero tienen su aquel, y si uno tiene ocasión vale la pena acercarse.

En la zona de exposiciones temporales del PALACIO REAL se puede ver POLONIA, TESOROS Y COLECCIONES ARTÍSTICAS: nos relata la historia de Polonia a lo largo de los siglos, desde mediados del XIV hasta finales del XVIII, al hilo de sus creaciones artísticas: pintura, escultura, numismática, orfebrería … Todo son autores poco conocidos para el público general (no sé para los expertos), y las obras, siendo de calidad, no parecen en general excepcionales; además, al final dedican un par de salas al coleccionismo de los reyes Polacos. No es, en principio, una grandísima exposición, pero a mi me parece que vale la pena por dos motivos. El primero, subjetivo: tengo gran estima a Polonia desde que hace unos años pasé un par de semanas en Varsovia. No esperaba nada de aquellos días, y efectivamente no encontré nada singular desde el punto de vista artístico/turístico (quizá en Cracovia las cosas sean distintas, pero no tuve ocasión de acercarme); en cambio descubrí una personas excepcionales, con muchísima clase, de alto nivel cultural, divertidas, maduras (los polacos lo han pasado mal en muchas ocasiones a lo largo de la historia), sobrias … me ganaron, claramente, y aunque apenas mantengo trato con quienes conocí allí, cualquier referencia a Polonia la veo con cariño. Y el segundo motivo, completamente objetivo: LA DAMA DEL ARMIÑO, de LEONARDO. Sería una auténtica pena tenerla tan a mano y perdérsela.

En el MUSEO DEL PRADO se puede visitar EL JOVEN RIBERA, un recorrido por los primeros años del pintor valenciano, primero en Roma y después en Nápoles. Es una exposición breve, con pocas obras, todas muy caravaggisticas. Me ha resultado enriquecedor ver en directo las obras del MAESTRO DEL JUICIO DE SALOMÓN (nombre que ROBERTO LONGHI se inventa para llamar al autor de una serie de cuadros realizados por la misma mano y que acaba no siendo otro que RIBERA en sus inicios), e imaginar el proceso de autentificación de las obras, algunas de las cuales se han atribuido a RIBERA hace muy poco años.

También hay que ir al THYSSEN para ver a ANTONIO LÓPEZ, pero aún no he tenido ocasión: todo se andará. Y al PRADO para ver los PAISAJES que inauguran mañana; además, hace meses oí que con motivo de la JORNADA MUNDIAL DE LA JUVENTUD traían al PRADO desde los MUSEOS VATICANOS el ENTIERRO DE CRISTO, de CARAVAGGIO, pero no he conseguido saber nada más: no sé si fue una falsa alarma o si hay que seguir esperando hasta el mes que viene.

CABECERA DE JUNIO DE 2011: MATISSE y la ALEGRÍA DE VIVIR

2011-06-30T17:07:00.007+02:00

Durante el mes de junio de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de ALEGRÍA DE VIVIR (LE BONHEUR DE VIVRE) de HENRI MATISSE. Óleo sobre lienzo pintado entre 1905 y 1906, mide 175 x 241 cm y se encuentra en la BARNES FOUNDATION, en MERION, junto a FILADELFIA.

Hace tiempo cité en selecciónARTE un libro que releo de vez en cuando: CONCEPTOS DE ARTE MODERNO. Recoge textos de distintos autores comentando los movimientos más representativos del arte moderno, desde el Fauvismo hasta nuestros días, o casi. Del primer capítulo, FAUVISMO, escrito por SARAH WHITFIELD, copio una interesante explicación del cuadro que nos ocupa: es un poco larga, pero vale la pena.

1906 fue un año triunfal para los fauves. El movimiento alcanzó su clímax en el Salon des Indépendants, donde Matisse, como ya ocurriera antes, dominó la exposición. Solamente expuso una pintura, Joie de Vivre, que va mucho más lejos que su obra de 1905. […] Joie de Vivre no es, claramente, una pintura fauve, al menos en el sentido de las obras de 1905; es un paso más allá, que señala la solución de Matisse al problema de adónde y a qué conducía el fauvismo (aunque cabe preguntarse si Matisse llegó a considerar alguna vez esto como un problema, a diferencia del resto de los fauves). Es un cuadro espléndidamente controlado, en el que cada línea y cada espacio contribuyen a expresar calma y tranquilidad: no hay nada superfluo. La atmósfera de lánguida sensualidad es un equivalente plástico perfecto de lo que había imagina do Baudelaire; y está trasmitido admirablemente por los suaves rosas y verdes y las flexibles Contorsiones de las parejas que se abrazan. Todo es lo más liviano posible; hasta los árboles meciéndose al fondo parecen tan transitorios como la atmósfera que expresan. Y se tiene la poderosa sensación de que la obra de Matisse es el resultado de una experimentación y un estudio pacientes, pues el artista exige tal orden y precisión a sus composiciones que nada se ha podido dejar al azar. Dos años más tarde apareció publicada una definición, característicamente lúcida, de cuáles eran sus objetivos:

Lo que busco, por encima de todo, es expresión... La expresión, a mi manera de ver, no consiste en la pasión reflejada por un rostro humano o traicionada por un gesto violento. La disposición en la que ordeno todo lo que hay en mi cuadro es expresiva. El lugar que ocupan las figuras y los objetos, el espacio vacío en torno, las proporciones, todo cumple una misión. La composición es el arte de ordenar los diversos elementos de que dispone el pintor para la expresión de sus sentimientos. En un cuadro han de ser visibles todas las partes, cumpliendo con el papel que se les haya conferido, sea principal o secundario. Todo lo que en el cuadro es innecesario va en detrimento del mismo. Una obra de arte debe ser armoniosa en su integridad; ya que los detalles superfluos usurparían, en la mente del espectador, el lugar que corresponde a los elementos esenciales.

Está claro que semejante afirmación y las obras que la precedieron serían impensables sin el ejemplo de Gauguin y de Seurat, pintores que se marcaron como objetivos composiciones simplificadas y, no obstante, formalmente organizadas. Al igual que Gauguin, Matisse creía que la armonía de los colores debería orientarse hacia los mismos principios que gobiernan la música: «No puedo copiar la naturaleza de un modo servil», escribió. «Debo interpretar la naturaleza y someterla al espíritu del cuadro. Cuando haya encontrado la relación entre todos los colores, el resultado debe ser una armonía viviente de colores, una armonía parecida a la de una composición musical.» Y ciertamente esta pintura hace pensar en una interpretación plástica de una composición de Debussy. El tratamiento que da a su pintura tiene sus raíces firmemente plantadas tanto en las aspiraciones poéticas de Gauguin como en el análisis cuasicientífico de Seurat. Es a la vez visionario y analítico, una pasmosa combinación que es el resultado de años de estudio.

RIÑA DE GATOS / MADRID 1936, de EDUARDO MENDOZA

2011-06-27T15:47:00.001+02:00

Anthony Whitelands es un inglés experto en la obra de Velázquez que llega a Madrid en los primeros días de marzo de 1936 para tasar algunas obras de arte. La vida le lleva a conocer a los principales protagonistas del momento, desde MANUEL AZAÑA hasta FRANCISCO FRANCO pasando por JOSÉ ANTONIO PRIMO DE RIVERA; y también al Duque de Igualada y su singular familia. El inglés -bastante tontaina, como le definen en algún momento de la novela- se ve envuelto en las situaciones más inverosímiles y peligrosas en un momento de alta tensión política, y gracias a su ingenuidad, la suerte, y a unos cuantos ángeles de la guarda que le ayudan (desde le propio JOSÉ ANTONIO hasta una fulana adolescente o las dos hijas del señor Duque) consigue salir indemne de la refriega. Con RIÑA DE GATOS / MADRID 1936, EDUARDO MENDOZA ganó el PREMIO PLANETA 2010.

La impresión que he sacado es que MENDOZA ha hecho una gran caricatura, se ríe de casi todo lo que toca en esta novela: de la historia, de la política, del arte, de la nobleza, de los curas, de los militares … de prácticamente todo. Incluso de la propia literatura. Y, por supuesto, del lector. Desde luego, si su intención era escribir una novela seria, le ha salido mal tirando a muy mal: opino que no se puede leer RIÑA DE GATOS en clave mínimamente sesuda. A quienes les divierta una escritura ácida disfrazada de juego inocente, supongo que lo pasarán bien con esta farsa histórica que de vez en cuando pasa ser a ser folletín y de vez en cuando a ser novela de intriga. A quienes no les guste ese juego, o no sepan descubrirlo, pensarán que RIÑA DE GATOS / MADRID 1936 es una novela de lo más forzada, simplona, tontorrona e incluso pretenciosa.

Yo soy más bien de los primeros, y no me importa haber dedicado un rato a leer RIÑA DE GATOS / MADRID 1936. Pero seguramente no todo el mundo pensará igual al terminar; es más, me da la impresión que muchos se sentirán defraudados: avisados quedáis. Y no sé cómo serían las otras novelas presentadas al PLANETA el año pasado, pero el premio a EDUARDO MENDOZA huele más –mucho más- a decisión comercial que literaria: casi siempre lo es, claro, pero en esta ocasión …

LA FIESTA BARROCA, en la COLEGIATA DE SAN MIGUEL de ALFARO, y TARAZONA

2011-06-22T15:42:00.001+02:00

Hace unos años (cinco o seis, si no me equivoco: ¡esto no hay quien lo pare!) fui a Nájera a ver la exposición NÁJERA, LEGADO MEDIEVAL, de la que guardo un buen recuerdo. Se enmarcaba dentro del programa RIOJA, TIERRA ABIERTA, una iniciativa de el Gobierno de la Rioja y la Fundación Caja Rioja que pretende dar a conocer la historia y el patrimonio de esa Comunidad. Así que cuando me propusieron ir a Alfaro para ver la exposición LA FIESTA BARROCA, también organizada por RIOJA, TIERRA ABIERTA, me animé enseguida. Investigué un poco en la red y no me quedó muy claro qué nos encontraríamos, pero … allí estuve hace un par de sábados.

Seguramente a ellos no les gustará mucho que se diga esto, pero lo que cualquiera piensa es que se trata de unas especie de LAS EDADES DEL HOMBRE pero en pequeño, como si fuese una hermana menor. Varias Comunidades han organizando exposiciones de ese estilo con nombres y motivos diversos, y recuerdo haber visitado algunas: por ejemplo una en Játiva (LA LLUM DE LES IMATGES, se llamaba) y otra en Teruel (TIERRAS DE FRONTERA).

En este caso, LA FIESTA BARROCA se fija en la corte de Felipe IV y su forma de celebrar, desde la política hasta el espectáculo pasando por la religión. Y de manera muy específica se centra en la imagen, la moda, el vestido: se han reproducido para esta exposición un buen número de trajes de época, a partir de cuadros. Además, hay algunos ornamentos y objetos litúrgicos, algunas piezas de escultura … En mi opinión el argumento resulta atractivo, pero es escaso, insuficiente: la exposición arranca bien, pero enseguida empieza a repetirse y decae el interés del visitante. Las piezas expuestas sin ser malas no son el no va más, y aunque las reproducciones de los vestidos son en general correctas hay alguna que parece salida de una tienda de disfraces. El espacio expositivo es la COLEGIATA DE SAN MIGUEL, que parece recién restaurada: un templo con cierto atractivo, con una buena sillería para el coro y alguna capilla vistosa, pero tampoco excepcional, y que resulta muy poco legible por la instalación de la propia exposición. Además están las cigüeñas, abundantísimas y orgullo de la casa (insisten en que posiblemente sea el edificio con la mayor colonia de cigüeñas blancas del mundo), que mi me dicen muy poco. En fin, que LA FIESTA BARROCA me ha parecido una exposición entretenida para quienes estén en las proximidades de Alfaro pero que no justifica, ni de lejos, los más de 300 kilómetros que hay que hacer desde Madrid hasta allí para verla.

Pensábamos completar el plan acercándonos a ver el MONASTERIO DE FITERO, pero estaba cerrado hasta bien entrada la tarde y queríamos regresar a Madrid a una hora razonable, así que después de comer el día parecía haber sido del todo fallido.

Menos mal que decidimos acercarnos a TARAZONA, y eso sí que es una visita que vale la pena: salvó con creces la jornada. Ya conocía la ciudad, de alguna parada breve de paso hacia Navarra, y tenía recuerdos fragmentarios de imágenes pintorescas. En esta ocasión empezamos la visita por el ayuntamiento, tan renacentista y con una imagen tan potente. Después paseamos por el barrio judío, cada vez mejor rehabilitado y lleno de vistas y rincones muy agradables (de aquí, supongo, mi recuerdo de pintoresquismo). Y al final llegó la gran sorpresa: la CATEDRAL DE SANTA MARÍA DE HUERTA. Cerrada al público desde 1992, la han reabierto el pasado mes de abril (todavía hay zonas en las que siguen los trabajos de restauración) y es una auténtica joya. Es verdad que es pequeña y con una rehabilitación quizá un punto exagerada (por momentos uno tiene la impresión de que todo es excesivamente nuevo, incluso falso, o de casa de muñecas, de catedral de juguete), pero a la vez todo –interior y exterior- tiene enorme interés. Los restos de pintura gótica, la espectacular base renacentista del cimborrio con escultura y pintura en grisalla, las vidrieras de alabastro pintado, el trabajo mudéjar de la torre y del exterior del cimborrio … una visita estupenda, y muy bien guiada, por cierto: una explicaciones completas y correctas.

Pienso que TARAZONA sí que justifica un buen puñado de kilómetros.

¡VIVIR!, de YU HUA

2011-06-16T15:46:00.001+02:00

He leído poca literatura china. Por eso, cuando me recomendaron ¡VIVIR!, sólo me sonaba la película de ZHANG YIMOU, aunque tampoco la había visto … Quien me la dejó –el mismo que me pasó TU ROSTRO MAÑANA- me dijo: “es tu novela”, y ante semejante afirmación me entró curiosidad y me puse a leer en cuanto acabé con LONDON. No sé cuál es el motivo por el que mi proveedor me ha asociado a ¡VIVIR!, pero la verdad es que acertó: me ha gustado mucho.

¡VIVIR! cuenta la vida de Xu Fugui, un individuo que en los años 40 pierde en el juego la fortuna familiar, y a partir de entonces vive en toda su crudeza las peripecias de la reciente historia China: la guerra, la llegada de MAO al poder, la revolución cultural … La vida de Fugui y su familia es dramática, todas las calamidades van llegando sin dejarles apenas un momento de respiro: deshonor, guerra, pobreza, hambre, enfermedad, muerte. Pero al final de su vida (Fugui nos cuenta toda su trayectoria en primera persona cuando ya es un anciano al que sólo acompaña un buey) es un hombre que ha sobrellevado los reveses con lágrimas y sufrimiento –no le quedó otro remedio- pero a la vez está conforme con la vida que le ha tocado: no me atrevo a escribir que está feliz, pero tampoco está simplemente resignado.

¡VIVIR! es una novela llena de fuerza. Cuando uno comienza a leer parece que la historia no dará para mucho, pero a medida que avanza va creciendo y acaba resultando poderosa. Es una novela conmovedora con un protagonista entrañable. No es alegre, pero tampoco es triste. Es de esas novelas en las que el destino es mal aliado, muy malo, pero el protagonista sabe asumirlo, y en lugar de desesperarse va encajando los golpes porque sabe que es el único camino para sobrevivir.

¡VIVIR! no disecciona con detalle la historia China como lo hacen otras novelas (la interesantísima CISNES SALVAJES, de JUNG CHANG, por ejemplo), pero nos da una idea muy certera de los sufrimientos que ha sufrido el pueblo chino por culpa del comunismo. Además, está muy bien escrita. Yo la recomiendo, sin ninguna duda.

MUSEO DEL TRAJE, en MADRID

2011-06-13T15:50:00.000+02:00

Ya conocía el MUSEO DEL TRAJE, pero después de ver los tejidos del MUSEO DE ARTES DECORATIVAS me apetecía volver a visitarlo; estuve allí hace unos días.

En primer lugar vale al pena fijarse en el edificio, tan miesino (sigue la pauta marcada por MIES VAN DER ROHE) y tan interesante. Es obra de los arquitectos JAIME LÓPEZ DE ASIAÍN y ÁNGEL DÍAZ DOMÍNGUEZ, que en 1969 recibieron por este proyecto el Premio Nacional de Arquitectura (aunque no se inauguró hasta 1975). Inicialmente fue Museo de Arte Contemporáneo, y así lo recuerdo yo durante mis años universitarios: el Museo y la ETSAM son edificios vecinos. Los jardines que rodean el Museo están cuidados y son vistosos (hasta el punto que parece que se pueden celebrar eventos de particulares), y el recorrido de acceso desde la parte superior de la parcela está bien pensado, bajando hasta la plaza para después pasar por debajo del cuerpo edificado y entrar en la plaza-patio presidido por la torre, que desde esta perspectiva resulta muy vertical, muy estilizada: se clava en el cielo (lástima de la hora de mi visita, que fuerza unas fotografías hacia poniente poco afortunadas …).

La exposición permanente no presenta tanto tejidos como vestidos: es completamente lógico tratándose del MUSEO DEL TRAJE. Me ha gustado el recorrido a lo largo de la historia, por lo que muestra: como siempre, la ropa dice muchísimo de las personas que la llevaban, de sus ideas y de la sociedad donde vivían. Sin entrar en grandes profundidades, sorprende la sofisticación de algunas épocas, la buena ejecución de la ropa, y –una tontería- lo pequeña que era la gente. Me pareció detectar una evolución singular en el desarrollo de la indumentaria: del lujo a la seriedad para volver a la alegría; en el siglo XVIII y principios del XIX la ropa es rica y alegre, pero después, casi hasta los años veinte del siglo pasado, parece que el traje se hace más serio, mas … triste. No soy ningún experto, así que puede que este comentario no sea más que falta de conocimiento por mi parte o se explique sencillamente por las piezas que se exponen: quizá si nos enseñaran otras prendas la lectura sería distinta, no lo sé. El final del recorrido, con la sala dedicada a MARIANO FORTUNY (ahí sí que hay tejidos) y las otras de creadores del XX españoles e internacionales son muy ilustrativas. También vale la pena detenerse un momento en el espacio dedicado al traje regional y a la vestimenta profesional: curioso lo que se expone.

No puedo dejar de decir, de todas maneras, que con independencia de la calidad de la colección, para mi –éste es un comentario absolutamente personal y subjetivo- hay un punto de tristeza en todo el recorrido, de naturaleza muerta: la ropa no está hecha para ser expuesta en maniquíes impersonales dentro de vitrinas, sino para ser llevada por gente concreta …

Además de la colección, la propia exposición está lograda. La luz tenue que pretende conservar las piezas no dificulta una correcta visión, y la ambientación, conseguida con poquísimos elementos, es más que suficiente. La información en soporte multimedia es abundante y complementa bien lo expuesto, y la información impresa y llevable también está muy bien. Además, el doble recorrido que nos ofrece el Museo, uno histórico y otro didáctico, resulta ingenioso: en determinados puntos el visitante puede escapar de la línea histórica (a través de unas oscuras cajas azules de transición, muy abstractas) a la zona didáctica: pensada para los más jóvenes, uno puede tocar tejidos, entender el proceso de fabricación de la tela, verse vestido a la francesa o probarse un polisón.

En fin, que el MUSEO DEL TRAJE es otro museo madrileño que sin ser el no va más (tampoco éste es ni lo primero ni lo segundo ni lo tercero que hay que ver si uno viene a Madrid con el tiempo justo) es altamente recomendable.
Además, hasta los primeros días de septiembre se puede visitar la exposición temporal BASALDÚA*EL TRAJE DE NOVIA, una de las firmas de más calidad del panorama de la moda española actual (me hizo gracia, por cierto, descubrir los trajes de algunas bodas a las que he asistido).

LONDON, de EDWARD RUTHERFURD

2011-06-06T15:55:00.008+02:00

LONDON es una novela larguísima e interesante que narra la historia de la ciudad de Londres a través de las peripecias de varias familias que se van relacionando entre sí a lo largo del tiempo: las sucesivas generaciones de Dukets, Doggets, Barnikels, Silversleeves, Bulls, Merediths, Pennys o Flemings viven en el Londres romano, ven construir -o participan en la construcción- de la Torre de Londres, de la Abadía de Westminster y de la Catedral de San Pablo, sufren la persecución de Enrique VIII, asisten a los estrenos de las obras de Shakespeare en el Globe, son testigos de la decapitación de Carlos I, participan en el comercio de la City, emigran en el Mayflower (o casi), luchan contra el gran incendio de 1666, visitan el Palacio de Cristal, reclaman el voto femenino y sufren los bombardeos alemanes sobre la ciudad durante la Segunda Guerra Mundial. Un recorrido que se inicia en el siglo I adC y llega hasta 1997.

Al hilo de las peripecias de esos personajes ficticios, EDWARD RUTHERFURD nos va contando lo más sobresaliente de la historia de Londres: unas veces con más extensión y otras con menos, todos los capítulos son interesantes. Yo, supongo que por deformación profesional, he echado de menos algún pormenor más del crecimiento propiamente urbano de la ciudad. Y me he quedado asombrado (y un poco sobrecogido, porque no lo tenía en la cabeza) ante el problema religioso: me ha gustado mucho cómo explica todo el cisma de Enrique VIII, la persecución, el fanatismo y la forma en que el rigorismo de los puritanos acogota al pueblo: es sorprendente. No quitaré hierro a la inquisición, pero desde luego Cromwell y sus compinches eran tan radicales –o incluso más- que los inquisidores: ya se ve que han sabido crear la leyenda negra, tachando a los católicos de ser lo peor de lo peor, y ellos se han quedado como los demócratas que están por encima del bien y del mal: las mentiras de la historia ...

Mientras leía estas cosas –y otras que también me han llamado la atención- me venía a la cabeza un asunto que es clave en las novelas históricas: hasta qué punto estoy leyendo ficción y hasta qué punto historia. No siempre sé deslindar una cosa de otra, y por eso no me queda más remedio que poner en cuarentena algunas de las afirmaciones leídas; en cualquier caso, se nota que RUTHERFURD ha manejado una documentación amplísima. Y pienso que, aunque no es ni mucho menos imprescindible, quien conozca un poco la ciudad y su historia disfrutará más de la novela: aunque el inicio del libro incluye algunos planos muy sencillos, si el lector conoce Londres se situará mejor en la ciudad y localizará con facilidad los sitios que se van citando; y si sabe algo de historia, detectará quiénes son los personajes reales que se mueven en trono a los ficticios.

LONDON no es un librazo, pero desde luego es muy ameno y se lee muy muy bien: el libro avanza con soltura (las 1.137 páginas pasan volando) y el lector aprende mucho. Ya estoy buscando NEW YORK, otra novela de EDWARD RUTHERFURD con el mismo esquema.

CABECERA DE MAYO 2011: UN PAPEL PINTADO de WILLIAM MORRIS

2011-05-31T12:13:00.000+02:00

Durante el mes de mayo de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido un diseño de WILLIAM MORRIS & Co: PIMPERNEL (PIMPINELA). Papel Pintado sobre papel continuo, con estampado a mano por bloques, realizado en Inglaterra en 1876 (fecha de registro). WILLIAM MORRIS también fue cabecera de selecciónARTE en el mes de octubre de 2009.

Me llevé una grata sorpresa al encontrar un rollo de papel PIMPERNEL en mi visita del pasado mes de abril al MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS, donde se podía ver en una de las exposiciones temporales. Entonces ya tenía seleccionada la imagen, que inicialmente estaba destinada para el mes de abril pero cedió su puesto al INSTITUTO DEL MUNDO ÁRABE de París. El original tenía exactamente el mismo diseño, pero los colores no corresponden con los de la cabecera: lo tonos verdes eran mucho más suaves, más pastel, y las flores que en selecciónARTE se ven malva intenso en la pieza del museo eran de un ocre desvaído que apenas resaltaba … tengo una fotografía del papel, pero la calidad es pésima (las condiciones de luz tampoco eran de lujo):

LA CAPILLA DEL CEMENTERIO DE LA ALMUDENA de MADRID, de FRANCISCO GARCÍA NAVA, ARQUITECTO

2011-05-25T15:49:00.030+02:00

Cuando hace unos meses terminaba la serie que selecciónARTE dedicó a la GRAN VÍA de MADRID con el comentario de la IGLESIA DE LA BUENA DICHA, ya anunciaba una posible entrada sobre la CAPILLA DEL CEMENTERIO DE LA ALMUDENA: los dos templos son del mismo arquitecto, FRANCISCO GARCÍA NAVA (que también se encargó, por cierto, de restaurar la IGLESIA DE SAN MARCOS tras el incendio de 1925).

El proyecto general del Cementerio -la NECRÓPOLIS DEL ESTE- es obra de FERNANDO ARBÓS y JOSÉ URIOSTE, que en 1877 ganaron el concurso convocado por el Ayuntamiento que presidía JOSÉ ABASCAL. En 1905 FRANCISCO GARCÍA NAVA, arquitecto municipal, pasa a ser el encargado del conjunto y es entonces cuando proyecta y construye la Capilla (también es suyo todo el pórtico de acceso). El cementerio se concluye en 1925.

Existían algunas ideas de ARBÓS y URIOSTE para la Capilla del Cementerio, con un aire marcadamente neobizantino: nos la podemos imaginar acabada –más o menos- si recordamos que FERNANDO ARBÓS es el autor de la IGLESIA DE SAN MANUEL Y SAN BENITO de la calle de Alcalá de Madrid, junto al Parque del Retiro, y del PANTEÓN DE HOMBRES ILUSTRES junto a la Basílica de Atocha (quizá también hablemos de estos edificios en otra ocasión).

FRANCISCO GARCÍA NAVA realiza un nuevo proyecto: concibe un templo con planta de cruz griega, retomando así el concepto que ARBÓS y URIOSTE habían utilizado para la planta general de la necrópolis. La capilla tiene una altura notable en relación con su superficie en planta, altura que dota al conjunto cierta verticalidad. Esa verticalidad resulta enfatizada por la cúpula de sección parabólica y sobre todo por la torre del reloj con su puntiagudo remate final. Por fin, la situación predominante de la Capilla, en alto respecto al acceso principal al cementerio y en su mismo eje, refuerza aún más esa impresión mientras el visitante realiza (a pie: los vehículos siguen otro camino) la aproximación al templo. En cualquier caso, la CAPILLA construida no consigue la ligereza ni esbeltez de la imagen del proyecto: resulta pesada, entre otros motivos por la integración de las capillas de las esquinas (mucho más autónomas en el proyecto), y los gruesos contrafuertes que finalmente soportan la cúpula.

Si GARCÍA NAVA resolvía el proyecto de la IGLESIA DE LA BUENA DICHA con una mezcolanza notable de historicismos con algunos toques modernistas, en LA ALMUDENA se refleja con mucha más claridad el modernismo del autor. No cabe duda de que el arquitecto también recurre a los historicismos en la CAPILLA DEL CEMENTERIO –basta con ver los grandes arcos de herradura polilobulados de las fachadas, o los dibujos del ladrillo- pero el conjunto responde a esa libertad de diseño modernista que pretende un arte total con la integración de todas las disciplinas artísticas en el proyecto arquitectónico. Lo descubrimos en multitud de detalles: los abundantes juegos de curvas más o menos complicados; la riqueza de la decoración escultórica, que no es algo postizo o posterior al proyecto, sino que forma verdaderamente parte de él; las vidrieras; la decoración vegetal; los trabajos de forja de las marquesinas. Incluso en alguna fotografía de época –la portada del periódico ABC del domingo 27 de octubre de 1927- parece que la cúpula y todo lo que ahora vemos verde en la cubierta estaba acabado en cerámica, tan del gusto modernista. Además, en el conjunto es fácil descubrir relaciones con otros movimientos de principios del XX: la SECESSION vienesa o el expresionismo de los Países Bajos, por ejemplo. Es lógico que así sea, teniendo en cuenta que todos responden a unos planteamientos teóricos similares: las ideas se parecen, los resultados formales se diferencian y se ajustan al lugar y a su historia.

Vale la pena fijarse en esos detalles escultóricos de las fachadas recién citados: las gárgolas con forma de murciélago (o de dragona: he comprobado que depende de quien las mire), la vegetación grabada en la piedra, las flores que rematan las peraltadísimas cupulitas de las torretas, los halcones posados en la torre del reloj, o el ángel que sentado en lo alto de la cúpula central espera -trompeta en mano para despertarnos a todos- el día del juicio final (en algún sitio he leído que para algunos madrileños es conocido como Fausto: vaya usted a saber el motivo).

Sin pretender comparar un arquitecto con otro (Madrid sale perdiendo frente a Cataluña), creo que cuando vemos la CAPILLA DEL CEMENTERIO DE LA ALMUDENA de FRANCISCO GARCÍA NAVA recordamos –al menos ligeramente- a ANTONIO GAUDÍ: aunque tengan poco que ver, me viene a la cabeza de manera especial el dibujo de la Capilla GÜELL (mucho más rico el proyecto de GAUDÍ, sin duda).

El interior de la Capilla presenta un espacio centralizado interesante, con sus arcos parabólicos repetidos y la cúpula calada. Pero la sencillez decorativa, casi pobreza, acaba ofreciendo un aspecto del conjunto bastante anodino. Además, un repaso de los de mantenimiento no le vendría nada mal. No me parece que ayude el motivo del frontal (esa cruz retroiluminada con palmas que la arropan), ni los elementos litúrgicos no fijos (el altar y el ambón los podríamos salvar haciendo un esfuerzo, pero el resto …), ni tanta planta (¡menudas jardineras!), ni la iluminación (¡esos globos!). Esta simpleza llama la atención comparada con la riqueza decorativa de la IGLESIA DE LA BUENA DICHA, pero sospecho que todo lo que vemos hoy no es original y por lo tanto no podemos valorar el trabajo de GARCÍA NAVA. Sí vale la pena, en cambio, fijarse en las vidrieras, tan modernistas.

MUSEO NACIONAL COLEGIO DE SAN GREGORIO, en VALLADOLID

2011-05-17T15:54:00.002+02:00

Desde hace mucho tiempo tenía enormes ganas de visitar este museo. Más de una vez lo había intentado, y por motivos diversos nunca lo había conseguido. Por eso, cuando hace un par de semanas me invitaron a comer a un pueblín muy próximo a Valladolid (agradabilísima comida, por cierto, que desde aquí agradezco a los anfitriones), vi que era la ocasión: el día de la comida salimos tempranito de Madrid, y llegamos con tiempo –no mucho, pero suficiente- para visitar el antiguo Museo Nacional de Escultura, hoy MUSEO NACIONAL COLEGIO DE SAN GREGORIO.

Una auténtica joya, un tesorazo. Es verdad que iba con muchas ganas, muy muy bien dispuesto, pero no es sólo mi buena predisposición: hay que reconocer que lo que uno se encuentra en Valladolid es magnífico. La colección es muy buena, la forma de exponerla es muy buena, la sede es muy buena, la reforma de la sede es muy buena. Todo me gustó.

La escultura en madera policromada (no todo lo que hay en el Museo es talla policromada, pero sí lo son la gran mayoría de las piezas) siempre me ha parecido que tiene una fuerza enorme, y permite acabar las obras con infinidad de matices que la piedra o el metal no siempre admiten. Las imágenes devocionales, además, buscan conmover al espectador. La mezcla entre la capacidad plástica de la madera policromada y la exaltación del sentimiento resulta muchas veces sobrecogedora. Cuando en un mismo lugar se reúnen piezas maestras, el resultado es impactante. Si, demás, las piezas se exponen de tal manera que se puede ver cada detalle, el resultado es deslumbrante (es verdad que hay que saber ver las piezas: como en el Museo las vemos en posiciones y desde ángulos que no son los previstos por el artista, en ocasiones podemos suponer deformidades o faltas de proporción donde realmente lo que hay es habilidad, escala adecuada al lugar, punto de vista correcto, etc.; pero esto ya lo sabemos, y el propio Museo nos avisa). Y si encima se ha encontrado el punto de equilibrio para enseñar todo lo importante sin atiborrar las salas y tampoco empachar al visitante, miel sobre hojuelas.
No sabría con qué quedarme; o mejor, me quedaría con todo lo que vi. La PIEDAD que uno encuentra en la primera sala; cada una de las piezas del RETABLO DE SAN BENITO EL REAL de ALONSO BERRUGUETE, o la SILLERÍA de ese mismo convento obra de ANDRÉS DE NÁJERA; el SANTO ENTIERRO de JUAN DE JUNI; el BAUTISMO DE CRISTO o EL PASO DE LA SEXTA ANGUSTIA, de GREGORIO FERNÁNDEZ; SAN PEDRO DE ALCÁNTARA, de PEDRO DE MENA … Podría ir anotando una detrás de otra todas las piezas, porque en todas encontré algo, me paré delante de cada una.

El Museo tiene dos sedes muy próximas, y una tercera que deben estar rehabilitando. Casi todas las piezas están en un edificio de enorme interés histórico, el COLEGIO DE SAN GREGORIO: fundado por FRAY ALONSO DE BURGOS a finales del siglo XV (la fundación fue aprobada en 1487 por el Papa Inocencio VIII) estaba concebido como centro de formación teológica de los Dominicos. No se sabe con certeza quién es el autor del proyecto, aunque algunos apuntan a JUAN GUAS y a GIL DE SILOÉ. Como tantos de estos edificios, con la desamortización del XIX acabó siendo propiedad del estado, y desde ese momento tuvo varios usos: fue cuartel, cárcel, oficinas, y por fin en 1933 se traslada aquí el Museo Nacional de Escultura, que desde 1842 estaba en el Colegio de Santa Cruz. En 1884 había sido declarado Monumento Nacional.

El edificio ha sido rehabilitado recientemente por FUENSANTA NIETO Y ENRIQUE SOBEJANO, interesantísimo equipo de arquitectos que en esta obra consigue un efecto magistral: si te fijas en la rehabilitación no hay más que motivos de aplauso; y si no te fijas, las cosas están tan bien hechas que la arquitectura no distrae para nada de la escultura. Cada vez es más habitual que en los museos el continente quite protagonismo al contenido: aquí el continente acoge y acompaña al contenido, le da el marco necesario, un marco de altísima calidad que sabe arropar con discreción y eficacia a un contenido también de altísima calidad. Gran parte de las estancias tienen unos artesonados estupendos; unos son originales, y otros los han traído de otros edificios, pero eso es lo de menos: al entrar en muchas salas uno casi no sabe dónde mirar, si al techo o a las paredes (ganan las paredes, al menos en mi caso). Los materiales son acertadísimos: hormigón blanco, piedra caliza clara, un revoco muy neutro y madera, mucha madera. Por esta obra NIETO y SOBERANO obtuvieron en 2007, año de conclusión de las obras, el Premio Nacional de Restauración y Conservación de Bienes Culturales. Quizá la única pega que le vi es la dificultad en seguir el recorrido de la visita: la estructura –respetada- del edificio original, y la sutileza de la señalética –elegante y por eso discreta- hacen que el visitante a veces no sepa hacia dónde tiene que avanzar, o puede que incluso se llegue a olvidar alguna sala; yo, sin ir más lejos, no me asomé a las de planta baja que se dedican a pasos procesionales: sólo al repasar el folleto, ya en Madrid, me di cuenta de mi despiste.

La otra sede es el PALACIO DE VILLENA, un edificio más discreto. Alberga un divertido Belén Napolitano, y exposiciones temporales, que no vimos, esa es la verdad. La tercera sede (la CASA DEL SOL y la IGLESIA DE SAN BENITO EL VIEJO) me pareció entender que aún no está disponible.

En fin, leyendo esta entrada cualquiera diría que la Oficina de Turismo de Valladolid me ha pagado por escribirla: no es así. Sencillamente volví entusiasmado, y escribí con ese mismo entusiasmo; al releer la entrada antes de publicarla, he preferido no moderar el entusiasmo. Para el que quiera saber más y ver más, aquí puede enlazar con la página del MUSEO NACIONAL COLEGIO DE SAN GREGORIO.

Ahora no me va a quedar más remedio que volver a Valladolid: para ver SAN GREGORIO otra vez, con tiempo por delante, y para ver el resto de la ciudad, que seguro que tiene más tesoros (el PATIO HERRERIANO está en mi punto de mira …).

AUTORRETRATO CON RADIADOR, de CHRISTIAN BOBIN

2011-05-09T15:46:00.005+02:00

Encontré este libro –librito sería más ajustado: 140 páginas poco más grandes que una octavilla- en la biblioteca de un amigo. La portada ya me llamó la atención, lo ojeé, y lo pedí prestado.

AUTORRETRATO CON RADIADOR (AUTOPORTRAIT AU RADIATEUR, 1997) es una obra singular, nada fácil de etiquetar. Aunque el protagonista nos dice que “No estoy escribiendo un diario sino una novela. Sus personajes principales son la luz, el dolor, una bizna de hierba, la dicha y unos cuantos paquetes de tabaco negro”, el texto sí es propiamente un diario, con entradas a lo largo de casi un año. El autor ha perdido recientemente a su esposa y, dirigiéndose a ella, va anotando ideas, sugerencias, máximas, recomendaciones … incluso oraciones: toda una filosofía de la vida.

AUTORRETRATO CON RADIADOR trata de lo ordinario, de descubrir la alegría en las mil pequeñeces que la vida nos va poniendo al paso, de ver lo bueno que hay en lo menudo. Trata de la dicha, de la plenitud, de la felicidad, de la suerte de vivir, de la capacidad de asombro, de evitar el acostumbramiento. Trata de la luz, del dolor, de las flores. A base de pocos y de descubrir el potencial de lo corriente, CHRISTIAN BOBIN levanta un autentico monumento.

AUTORRETRATO CON RADIADOR está estupendamente escrito, con un tono poético magistral, sencillo, ni ampuloso ni rebuscado, como corresponde a la manera con la que el autor ve la vida, a las personas y a las cosas (él mismo es esa brizna de hierba que nombra entre los personajes de su novela).

He de reconocer que el arranque de AUTORRETRATO CON RADIADOR me deslumbró. Después, a medida que he ido leyendo, he rebajado un poco mi valoración, pero indudablemente se trata de una obra conseguida, llena de intuiciones sugerentes y alguna sobresaliente. No conocía a CHRISTIAN BOBIN ni a ÁRDORA EDICIONES, pero estoy investigando algo más de uno y de la otra: me ha parecido que tienen fondo e interés.

OTRA VEZ CARABANCHEL: UNA APOTEOSIS DE LA CHAPA METÁLICA

2011-05-03T15:48:00.002+02:00

Cuando hace meses escribí un comentario sobre el edificio de DOSMASUNOARQUITECTOS en el Ensanche de Carabanchel, señalé que junto a él había otro –todavía en obras- que podría tener interés, y que volvería a verlo. Estuve hace un par de semanas, cámara en mano, y di una vuelta por la zona. Varios edificios me llamaron la atención: no todos me parecen de la misma calidad, pero todos son singulares y –cada uno a su manera- interesantes. Dedico esta entrada a hablar (o mejor, enseñar, porque apenas voy a decir dos palabras de cada uno y mostrar algunas fotografías del exterior) de los edificios de chapa: todos tienen en común el uso de la chapa metálica de forma significativa. Más adelante quizá hablemos de los edificios de ladrillo.

Antes de pasar a las imágenes, dos consideraciones generales:

Por un lado, llama la atención la utilización del color (también hemos hablado alguna vez en selecciónARTE del color en la arquitectura), y convendría hacer una valoración de su uso: no todo vale. Chapas plegadas de colores, paneles de aluminio de colores, vidrios impresos en colores … hay de todo. Unas veces el color es una llamada de atención que enfatiza un punto singular de la construcción o de la composición; otras, un refuerzo de la idea general del proyecto; otras parece sin más la búsqueda de una imagen singular; a veces los motivos se mezclan, y otras esos motivos no se encuentran. Qué complejo es utilizar el color de forma masiva, y qué difícil acertar si el uso es indiscriminado, el color por el color.

Por otro lado, pude comprobar algo que ya señalé al hablar del edificio BAMBÚ de FOREIGN OFFICE ARCHITECTURE: las dificultades de mantenimiento. Qué difícil es mantener un edifico de bambú, y qué dificilísimo es mantener un edificio de chapa metálica. Especialmente en este segundo caso, los churretones de óxido y las faltas de pintura dan una imagen mala, que con el paso del tiempo -si no se pone remedio- acabará siendo lamentable.

Pasando ya en los edificios que vi, el que en su día me llamó la atención en la Avenida de la Peseta es obra de ACM ARQUITECTOS (ATXU AMANN+ANDRÉS CÁNOVAS+ NICOLÁS MARURI): una colección de contenedores de colores superpuestos, como si estuviéramos en el puerto de Rotterdam, que dejan entre ellos huecos-terraza y en conjunto forman una manzana cerrada que deja una amplia zona ajardinada (y poco cuidad, todo sea dicho) en el centro. El concepto general me recordó al EDIFICIO CELOSÍA de MVRDV en Sanchinarro. Cuando lo vi por primera vez era todavía monocromo -las cajas estaban simplemente enfoscadas, aún sin forrar con chapas de colores- y me pareció interesante; ahora la imagen es potente, pero quizá me quedo con la el edificio sin acabar. [+fotografías]

En los números 95 al 99 de la Avenida de la Peseta COCO ARQUITECTOS (JORGE MARTÍNEZ+LAURA SÁNCHEZ) ha construido 168 viviendas. En este caso el proyecto no hace apenas uso del color –chapa plegada al exterior, enfoscado blanco en el gran patio interior, y chapa negra en los puntos de apoyo del edificio (los portales)- y el efecto es sereno, afortunado. La singularidad y potencia del edifico se encomienda a las cajas de chapa perforada (parecen balcones cerrados, o miradores abiertos, o trasteros, o zonas de almacén), que dan al conjunto una imagen conseguida. Vale la pena señalar cómo el edificio se ajusta al desnivel de las calles: los grandes paños principales de las fachada, esos de chapa plegada, se ajustan a la geografía, y van subiendo y bajando en paralelo a las acera: inteligente.
[+fotografías]

En el número 27 de la Avenida del Euro encontré un edificio de CV ARQUITECTOS (CONRADO CAPILLA+JOSÉ V. VALLEJO): dos cuerpos separados por un patio central, cubierto y lleno de circulaciones: la fachada exterior de uno de los cuerpos (la orientada al norte) está completamente acabada con vidrio impreso –en colores: discretos pero colores- y en cambio la otra (la sur) todo es celosía de chapa deployé.
[+fotografías]

El número 4 de la calle del Cincuentín CESAR RUIZ LARREA ha construido un pequeño bloque de 25 viviendas para jóvenes: chapa, y su toque de color ... [+fotografías]

Por último, un edifico que no sé de quién es y he llamado de los 16 colores, porque intentando localizar al autor he leído que se han utilizado 16 colores distintos para componer las fachada. La imagen, sin ninguna duda, llama la atención; pero no sé si está justificado disfrazar un edificio sólo para llamar la atención. [+fotografías]

CABECERA DE ABRIL 2011: EL INSTITUTO DEL MUNDO ÁRABE, de JEAN NOUVEL, en PARÍS

2011-04-30T13:00:00.009+02:00

Durante el mes de abril de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido una fotografía de la fachada sur del INSTITUTO DEL MUNDO ÁRABE, obra de JEAN NOUVEL situada en París. Ya habíamos hablado de este edificio en la entrada que dediqué a la arquitectura contemporánea de París: el IMA es, sin duda, uno de los edificios contemporáneos que vale la pena visitar en la capital francesa, y el que situó a NOUVEL en la lista de los grandes.

El INSTITUTO DEL MUNDO ÁRABE fue inaugurado en 1987 (en el ‘81 se convocó el concurso, y la construcción comenzó en el ‘84). Está compuesto por dos cuerpos separados por una profunda grieta y un patio cuadrado (interesante la planta, muy interesante): el cuerpo norte mira hacia el Sena y tiene forma de cuchillo, con la fachada curva. El sur, en cambio, es un paralelepípedo casi regular con la famosa fachada de celosías móviles que funcionan según la luz exterior mediante células fotoeléctricas (estropeada desde hace tiempo, o al menos sin movimiento, según mis datos). Delante de esta fachada se encuentra la también conocida plaza de acceso, y en uno de sus extremos, junto al Boulevard Saint-Germain, su singular punto de acceso en mármol blanco con esos recovecos que pueden traer a la memoria un laberinto o una medina árabe. En el interior del edificio son impresionantes los efectos de luz y las transparencias, que relacionan los espacios y difuminan sus límites.

Y también impresionante la situación del INSTITUTO DEL MUNDO ÁRABE frente al río y Isla de San Luis, y las vistas que hay desde la terraza superior.

MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS, en MADRID

2011-04-25T15:50:00.019+02:00

Después de mis visitas al MUSEO CERRALBO y al MUSEO DEL ROMANTICISMO, pensé que podía ser razonable volver al MUSEO DE ARTES DECORATIVAS, porque encuentro cierta relación entre los tres. Es un museo que ya conocía: hace cierto tiempo había visitado la colección permanente y hace menos tiempo estuve en alguna exposición temporal, pero, la verdad, no lo tenía muy fresco; sólo al recorrer de nuevo las salas he ido recordándolo.

Las plantas baja y primera están dedicadas a exposiciones temporales, que en esta ocasión tenían relativa -por no decir muy poca- enjundia: no merecen más comentario.

En la planta segunda se puede ver la reproducción de algunas estancias de una casa del siglo XVII: me han parecido interesantes, bien recreadas y bien explicadas. En la misma planta, salas con orfebrería y joyas, piezas y objetos de cerámica, tejidos (siempre me llaman la atención: al verlos pensé que en esta línea mía de … museos menores –que nadie se moleste, por favor- tengo que volver al MUSEO DEL TRAJE) y trabajo del cuero: las fundas del TESORO DEL DELFÍN que se puede ver en el Prado, y piezas de cordobán.

En las plantas tercera y cuarta, fundamentalmente mobiliario del XVIII y alguna cosa de principios del XIX. Ya no se recrean estancias, sino que se exponen piezas, a veces sueltas y a veces componiendo pequeños conjuntos, lo que hace que todo resulte menos contextualizado, aunque no deja de tener atractivo. Recordaba con bastante claridad el Belén Napolitano, con su exagerado fondo de columnas, y en cambio no tenía en la cabeza la divertida cocina valenciana completamente acabada con cerámica decorada. Hay también una sala bien conseguida dedicada a la REAL FÁBRICA DE VIDRIO DE LA GRANJA.

Igual que el CERRALBO y que el MUSEO DEL ROMANTICISMO, el MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS me ha parecido sugerente: no es ni mucho menos un museazo (antes lo calificaba de museo menor, y creo que la calificación es justísima), pero permite ver y situar piezas de uso cotidiano que manifiestan el afán de cualquiera, en cualquier época, por vivir rodeado de buen gusto, de objetos bien diseñados y trabajados hasta el detalle más pequeño. El arte en casa no es (siempre) capricho, ni es (siempre) vanidad, ni es (siempre) opulencia y forma de demostrar un estatus social. No es (solamente) canal para la catequesis de la Iglesia ni para la propaganda del Estado. Muchas veces (no siempre) es sensibilidad, para muchos (me atrevería a decir todos) es tremendamente enriquecedor, y (para algunos) una auténtica necesidad.

Eché de menos, eso sí, una buena sección de piezas del siglo XX, periodo en el que se pueden encontrar diseños sensacionales, auténticas obras maestras: pienso que es una laguna muy seria del Museo. Sin ir más lejos, en la portada del folleto lo que aparece no es una fotografía de un mueble neoclásico, sino la SILLA ROJA Y AZUL de GERRIT RIETVELD, neoplasticista, diseñada en 1918; y subiendo las escaleras lo que uno ve –es verdad que entre otras cosas- es la SILLA BARCELONA de MIES VAN DER ROHE, de 1929. Pregunté en información y me dijeron que efectivamente tenían esas piezas, pero que no estaban expuestas porque las exposiciones temporales habían ocupado sus salas: una situación que da auténtica pena, y que espero sea pasajera. La misma persona me anunció –con poca precisión, todo sea dicho- que en mayo comenzaría una exposición que podría incluir esas piezas (o piezas de ésas: supongo que quería decir modernas/contemporáneas). Estaré atento.

EL DANUBIO, de CLAUDIO MAGRIS

2011-04-14T15:49:00.000+02:00

Desde hace mucho –años- tenía EL DANUBIO en la cabeza. Cuando Anagrama lo publicó en 1988, ya oí hablar de este título, aunque no siempre en el mismo sentido: para unos era una joya, para otros un ladrillo. En su momento lo ojeé y no me tentó demasiado. Pero hace unas semanas me lo volvieron a recomendar, y decidí lanzarme. Ahora que lo he terminado entiendo perfectamente ese abanico tan dispar de opiniones, desde la joya incontestable al bloque más infumable. Un libro singular, EL DANUBIO. Un texto largo, como el río, que a veces fluye rápido y vistoso, brillante, vigoroso … y otras lento, pausado, monótono o denso.

En EL DANUBIO, el germanista italiano CLAUDIO MAGRIS nos cuenta un viaje a lo largo de todo el río, más de dos mil ochocientos kilómetros desde sus fuentes en la localidad alemana de Donaueschingen (¿o es Furtwangen?), en la Selva Negra, hasta su desembocadura en la ciudad rumana de Sulina, en el Mar Negro. Allí por donde pasa el río MAGRIS va desgranado con más o menos detalle –no siempre profundiza igual- la historia, los sucesos y las personas relacionados con el lugar. Y, a la vez, va reflejando el carácter y el genio centroeuropeo, unas veces prusiano, otras resultado del imperio austriaco, otras de lo eslavo, magiar y balcánico.

La gran baza de EL DANUBIO es, en mi opinión, la riqueza y variedad de lo que nos cuenta: hay algunas consideraciones acertadísimas sobre el viaje y el hecho de viajar, y trae a la cabeza sitios espectaculares, destinos a los que ir o destinos que uno conoce (yo he disfrutado, por ejemplo, recordando mi visita al monasterio de MELK; o al Café HAWELKA y al KARL-MARX-HOF: la parte de VIENA puede ser una magnífica guía alternativa para recorrer la ciudad). Hace muchas reflexiones sobre la vida misma que son muy sugerentes; descripciones de lugares muy atractivas; relatos de historias, leyendas y sucesos muy amenos; presentación de personajes (del mundo de las letras, de la política, de la ciencia) realmente variados e interesantes. Es, sin duda, muy ilustrativo de la cultura y la vida del centro y este de Europa; una Europa viva con una historia rica que, por cierto, ya ha cambiado desde que MAGRIS publicó su DANUBIO en 1986.

El problema es que no siempre mantiene ese nivel de acierto, sugerencia, atractivo, amenidad e interés. Seguramente se trata de un problema personal, pero el texto es tan culto -aunque nada pedante, todo sea dicho- que en ocasiones cita, comenta y pormenoriza excesivamente cuestiones y personalidades muy muy centro-y-este-europeas, desconocidas para el lector (insito, al menos para mi): he de reconocer que he recorrido muy cómodo Alemania, Austria y Eslovaquia, pero me ha costado viajar de la mano de MAGRIS por la cultura y la política yugoslava, rumana y búlgara; o dicho de otra forma, he perdido una ocasión de adentrarme en esos terrenos, desconocidos para mi. Como el libro es largo, no consigue atraparte del todo: es verdad que se lee bien; es verdad que es ameno, incluso cuando el lector no sabe bien de quién o de qué habla porque no está familiarizado con los nombres o los sucesos; es verdad que, como el texto está estructurado en capítulos breves, es fácil parar si te satura ... pero no es, ni mucho menos, un libro de esos que estás deseando tener un rato libre para seguir leyendo, o al que le puedes dedicar un ratazo seguido.

Volviendo a lo que decía al principio, en mi opinión EL DANUBIO es mucho más una joya que un ladrillo, porque realmente es interesante y enriquecedor. A mi me ha gustado y estoy encantado de haberlo leído, pero entiendo que para algunos sea un tostón. No se puede pensar en la lectura de EL DANUBIO como quien lee un novelón: es un libro de viajes que hay que colocar más en la balda de los ensayos que en la de los relatos, y que –lo digo ahora que lo he terminado, pero yo no lo he hecho así- quizá conviene leer poco a poco, sin prisas, incluso sin necesidad de una continuidad estricta: me parece que es de esos libros –yo he encontrado pocos- razonablemente compatible con otros.

Acabo con un comentario de MAGRIS que me ha llamado la atención: Budapest. Tomo nota en mi lista de lugares pendientes. “Budapest es la más hermosa ciudad del Danubio; una sabia auto-puesta en escena, como en Viena, pero con una robusta sustancia y una vitalidad desconocidas en la rival austríaca. Budapest da la sensación física de capital, con un señorío y un autoridad de ciudad protagonista de la historia …”

CHARDIN 1699-1779, en el MUSEO DEL PRADO de MADRID

2011-04-08T16:00:00.001+02:00

Magnífica exposición. Y magnífica contra todo pronóstico: he de reconocer que no esperaba mucho. Por un lado porque no conocía a JEAN SIMÉON CHARDIN, lo cual sólo habla de mis grandes lagunas artísticas; y por otro, porque hace un par de semanas me invitaron a la típica visita “privada” al Museo –gentileza de una empresa para mi desconocida: yo iba de acompañante- y al final del recorrido –pero antes del correspondiente vino español- nos enseñaron dos salas de CHARDIN, y no me dijo mucho. En cualquier caso, hice el propósito de volver, por aquello de no perder oportunidades. Estuve de nuevo el pasado fin de semana, y me fascinó. Un descubrimiento.

CHARDIN 1699-1779 es una exposición que va cogiendo fuerza a medida que uno recorre las salas, a medida que uno va viendo la evolución técnica y temática del pintor. Va cautivando al visitante de una forma tranquila pero inevitable. Cuando uno ve la primera liebre, o La Raya, piensa que aquello … bueno, bien sin más, un poco torpe incluso. Pero luego llegan otras liebres, y más caza, y bodegones de objetos habituales resueltos con enorme delicadeza, y después la figura humana, ensimismada y amable –la sala de los tres niños y la Dama tomando el té es para estar horas- y más adelante de nuevo bodegones, más liebres, flores que ya son una joya, cestos de fruta. Y uno acaba de ver los cincuenta y tantos cuadros que hay convencido de haber hecho un descubrimiento gigante, sale de allí entusiasmado y conmovido después de haber recorrido la obra de un maestro sereno, poético, íntimo, sutil, sin estridencias y con mucha sensibilidad.

Al menos es como salí yo.

Enlazo aquí la información que facilita la página del MUSEO DEL PRADO sobre CHARDIN 1699-1779: es –como siempre- completísima, y vale la pena dedicarle un rato.

LA REMODELACIÓN DEL PALACIO DE COMUNICACIONES de MADRID

2011-04-04T15:49:00.003+02:00

Comienzo por donde seguramente debería terminar: diciendo que esta entrada es la segunda versión que escribo sobre la REMODELACIÓN DEL PALACIO DE COMUNICACIONES de MADRID. He reordenado varios párrafos de la versión original, y sobre todo he sustituido algunas opiniones por la descripción del edificio; opiniones que sigo manteniendo, pero que prefiero reservarme porque podían ser precipitadas e injustas. El resultado de la entrada es más soso, y también más prudente. Eso sí, conservo el primer texto. Nunca se sabe: quizá dentro de unos meses esas opiniones no sean ya precipitadas, resulten rigurosamente ciertas, mis críticas ajustadas … y entonces me anime a publicarlas en selecciónARTE.

El PALACIO DE COMUNICACIONES es uno de los edificios más icónicos de la arquitectura madrileña. Proyectado y construido por ANTONIO PALACIOS RAMILLO y JULIÁN OTAMENDI entre 1904 y 1917, responde a ese estilo tan singular de PALACIOS, fácilmente relacionable con los historicismos vigentes en el arranque del siglo XX en el mundo cultural español, pero con un interpretación nada académica, muy propia y muy plástica.

Hace un par de domingos –creo que coincidió con la inauguración, o al menos la apertura al público- me encontré sin buscarlo con el PALACIO DE CORREOS (a partir de ahora parece que PALACIO DE CIBELES) visitable: pasaba por la plaza, vi que se podía pasar y, como iba con algo de tiempo, entré; después he vuelto, a revisitarlo y a hacer fotografías. Como es sabido, gran parte del edificio se utilizará (o ya se utiliza: pregunté y no supieron darme razón de este asunto) como sede del Ayuntamiento, pero la verdad es que uno no ve por ningún sitio las dependencias municipales: supongo que estarán en el cuerpo que se abre a la calle de Alcalá, el que da al patio interior, y el que forma la esquina del Paseo del Prado con la calle de Montalbán.

Lo que los ciudadanos de a pie podemos visitar es el enorme cuerpo central, que se abre a la Plaza de Cibeles, con su planta en forma de cruz y hasta 5 niveles de altura rematados con el cimborrio central que domina el edificio visto desde la Plaza. El espacio es espectacular –estupendo el edifico de PALACIOS y OTAMENDI- aunque el conjunto no resulta especialmente complejo: pasillos perimetrales y, en el nivel intermedio, pasarelas que los unen entre si en la zona central. La rehabilitación, acertada; y muy respetuosa con el edificio original, según dicen los autores del proyecto, el equipo ARQUIMÁTICA. En mi opinión quizá demasiado pastelosa, pero supongo/espero que el tiempo mejore esa sensación de tarta de nata que ahora tiene todo. La primera impresión es, en cualquier caso, muy vistosa. Por no dejarlo para el final, recomiendo sin duda la visita.

Reconozco que no subí hasta el mirador del torreón en el nivel 8: me hubiera encantado porque seguro que la vista es magnífica (yo soy de los que pienso que cualquier vista alta, o aérea, vale la pena sin ninguna duda: siempre que se puede subir hay que subir), pero la cola era desanimante y no tenía –en ninguna de las dos ocasiones- ni ganas ni tiempo para hacerla. Eso sí, no renuncio a llegar arriba en otra ocasión. Subí por el ascensor hasta el nivel 6 (donde se realiza el cambio de ascensor para continuar subiendo al mirador) y a partir de ahí comencé a bajar por las escaleras. No hace falta decir que los ascensores están disponibles en todos los niveles pero, siempre que es posible, para conocer un edificio prefiero recorrerlo, bajarlo a pie.

El nivel 5 corresponde a la galería superior que remata las fachadas interiores, con claras referencias a las loggias renacentistas que tanto copiamos los españoles durante nuestro periodo de NEOS al que ya nos hemos referido en selecciónARTE. Quizá la solución del cierre con vidrio hacia el deambulatorio interior resulte torpe, con esas cajas de carpintería tan poco sutiles. Estamos a la altura del arranque de la nueva cubierta del patio, que vemos desde las ventanas.

A partir de aquí se puede bajar por la escalera de uno de los torreones laterales (desde el interior, el izquierdo: el derecho sospecho que debe ser para uso del Alcalde) con sus paredes alicatadas con vistosas piezas cerámicas. En el nivel 4 encontramos esas pasarelas de las que hablábamos antes, con el piso de pavés decorado (y ojo, tremendamente resbaladizo: no creo que cumpla la normativa de ninguna manera, pero ya se sabe, en casa del herrero cuchillo de palo …). Vale la pena fijarse en las bóvedas que cubren las circulaciones centrales: son de esas pastelosas de las que hablaba más arriba, pero también vistosas, sin duda. Las zonas de exposición, muy vacías por ahora.

En el nivel 3, una anécdota: un error en la circulación de la planta. El recorrido no es cerrado (falta el paso sobre la puerta principal), y la escalera del torreón derecho ya hemos dicho que no es accesible, con lo cual, si el visitante llega a esta planta por el torreón izquierdo, recorre completa la planta y quiere seguir bajando a pie, al llegar al final no le queda otra que desandar todo lo andado. Siempre puede utilizar el ascensor que encuentra al final de su camino, claro. Opción que sería muy razonable … si el ascensor parara: como baja abarrotado de los que se han asomado al cimborrio, ve como van pasando cabina tras cabina –el vidrio permite ver a todos apretaditos- y a él le va cambiando la cara hasta que decide reconocer que no hay nada que hacer (abandonad toda esperanza), dejar de esperar y desandar lo andado. Un problema menor y seguramente puntual, en cualquier caso, que sucederá sólo en momentos de mucho visitante.

El nivel 2 es el de atención al público -antes y ahora- e interpretación del edificio y su rehabilitación (resuelta con unos paneles explicativos que están bien conseguidos). Han mantenido los mostradores, y organizado algunas zonas singulares: unas de almacenaje en vidrio opal, muy neutras, hacia el fondo, y otras de lectura, descanso e información hacia la fachada, muy coloristas; tanto unas como otras me parece que resultan acertadas. En el nivel 1 (al que se baja desde la cota de entrada), más zona de exposiciones. Y en el nivel –1, el auditorio.

Vale la pena fijarse en las vidrieras que cubren cada uno de los tres brazos, muy de su momento. En la estructura metálica roblonada, vista, audaz –entonces- y sincera. Y en los elementos auxiliares: lámparas, barandillas, mostradores, etc. Sin ser el no va más, tienen su interés. Quienes conozcan el edificio de la CAJA POSTAL de VIENA, de OTTO WAGNER, seguramente recordarán algunos detalles de ese edificio que después PALACIOS reinterpretó en su PALACIO DE COMUNICACIONES: también hemos hablado en este blog de la relación de PALACIOS con la SECESSION vienesa. Si alguien está interesado, aquí puede seguir viendo fotografías del edificio ...

Y por fin, el uso de todo esto: cultural, naturalmente ... Según leo en prensa (y copio tal cual lo escribe el periodista), “De los 60.000 metros cuadrados del Palacio de Cibeles, 20.000 son dependencias administrativas. Los otros 40.000 zona de exposiciones, área de información turística y cultural de Madrid.”. Por ahora no hay más cometarios.

CABECERA DE MARZO 2011: KANDINSKY CAMINA HACIA LA ABSTRACCIÓN

2011-03-31T15:50:00.000+02:00

Durante el mes de marzo de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de COMPOSICIÓN IV, 1911, de Васи́лий Васи́льевич Канди́нский, WASSILY VASILIEVICH KANDINSKY. Óleo sobre lienzo pintado en 1911, mide 159.5 x 250.5 cm. y se encuentra en el KUNSTSAMMLUNG NORDRHEIN-WESTFALLEN, en DÜSSELDORF.

100 años desde que comenzamos a caminar hacia la abstracción …

Como en febrero, este mes hemos vuelto a repetir: no es la primera vez que KANDINSKY encabeza selecciónARTE.

EL MUSEO DEL ROMANTICISMO de MADRID

2011-03-23T15:51:00.004+01:00

Siempre se ha dicho que las comparaciones son odiosas. Es una expresión que se entiende estupendamente, pero que a la vez tiene un alto contenido de mentira: pienso que las comparaciones bien hechas, entre elementos razonablemente homogéneos (lo que solemos entender por comparables), son eficacísimas para valorar lo comparado, descubrir bondades y carencias, y llegar a una síntesis enriquecedora. Las comparaciones son, muchas veces, necesarias. Lógicamente, para que la comparación tenga interés el que comprara debe saber lo que está comparando: el resultado de la comparación tendrá valor en la medida que el comparador ofrezca garantías.

Cuento todo esto porque el motivo que me ha llevado a ver el MUSEO DEL ROMANTICISMO ha sido, lo digo sinceramente, mi reciente visita al MUSEO CERRALBO, que hace muy poco comenté en selecciónARTE. Un museo me llevó al otro, y la comparación me sale automática.

Sé que el MUSEO CERRALBO y el MUSEO DEL ROMANTICISMO no son exactamente lo mismo: el CERRALBO se construye a finales del XIX (se acaban las obras en 1893), y el MUSEO DEL ROMANTICISMO pretende mostrarnos una casa romántica, y por lo tanto de las primeras décadas del XIX. También entiendo que sería una pretensión falsa –y ridícula- tratar de subirme al pedestal del experto que sabe del XIX y compara con autoridad los dos museos: no lo soy, y no lo pretendo. Pero ni una cosa ni otra impiden que me anime a dar mi opinión de no experto: que cada uno le dé el valor que quiera.

Por un lado, pienso que lo que el CERRALBO tiene de auténtico le falta al MUSEO DEL ROMANTICISMO, donde todo se nota más postizo, menos vivido, más escenario construido. Por otro, lo que el MUSEO DEL ROMANTICISMO tiene de claridad conceptual e interés museográfico (¿o es museológico?) le falta al CERRALBO. Ambas ideas encajan con lo que sabemos: que el MUSEO CERRALBO es una auténtica casa-palacio restaurada, mientras que el MUSEO DEL ROMANTICISMO es una recreación de esa misma forma de vivir para ser enseñada, pero no una realidad vivida. Como arquitectura, el MUSEO DEL ROMANTICISMO, aunque es más ordenado, no tiene ningún espacio del interés del vestíbulo y Escalera de Honor del CERRALBO, o de su sala de baile. Y en cuanto a las colecciones, mi impresión ha sido que el CERRALBO tiene en conjunto mejores piezas, pero las del MUSEO DEL ROMANTICISMO son más homogéneas; no sabía, por cierto, que hubiera un GOYA en el oratorio del MUSEO DEL ROMANTICISMO, una imagen de San Gregorio Magno. Me ha llamado la atención el mobiliario del MUSEO DEL ROMANTICISMO, o quizá sería más preciso decir que he prestado más atención al mobiliario, cosa que en el CERRALBO hice menos: presté mas atención a los objetos artísticos y menos a los muebles (que muchas veces son objetos artísticos, claro); también me detuve un rato en la sala dedicada a los niños, para ver los juguetes de época. Me pareció más acertado y completo el cuadernillo del CERRALBO para seguir el recorrido expositivo que el del MUSEO DEL ROMANTICISMO, y me gustó la doble lectura de las salas que se propone en el MUSEO DEL ROMANTICISMO. Una última comparación, por acabarlas con una sonrisa: en el MUSEO DEL ROMANTICISMO entré directamente, sin un segundo de cola, y en el CERRALBO …

No caeré en la simpleza de decir cuál es mejor (no sabría decirlo, la verdad), pero sí me atrevo a decir que los dos museos se complementan estupendamente, y que después de visitarlos pienso que sé más del XIX y de cómo se vivía –cómo vivía la gente bien- en el XIX. Han sido dos visitas que valen la pena, resultan enriquecedoras y se las recomiendo a cualquiera.

Releo la entrada y veo que finalmente no he dicho apenas nada de la historia y las colecciones del MUSEO DEL ROMANTICISMO … pero no importa, porque están estupendamente explicadas en el sitio web del MUSEO: no dejéis de visitarlo, porque aporta.

TU ROSTRO MAÑANA, 3. VENENO Y SOMBRA Y ADIÓS, de JAVIER MARÍAS

2011-03-17T15:46:00.000+01:00

He terminado TU ROSTRO MAÑANA. Tres librazos. Un novelón.

Reconozco que VENENO Y SOMBRA Y ADIÓS me ha parecido que se queda un poco corto frente a la altísima calidad de FIEBRE Y LANZA y BAILE Y SUEÑO. Arranca estupendamente, con el mismo estilo de los otros dos, y en el mismo punto de la historia donde terminaba el anterior. En seguida, un largo salto atrás en el tiempo, para volver al inicio del segundo volumen. Pero a medida que VENENO Y SOMBRA Y ADIÓS avanza, también necesita que avance la acción: ya está llegando al final de la historia y deben pasar cosas. Y ahí es donde el libro cojea un poco: en mi opinión, la técnica de JAVIER MARÍAS no funciona del todo, las digresiones y aclaraciones y explicaciones, tanto sinónimo y tanta vuelta y tanta revuelta cortan demasiado lo que está pasando, la acción sucede lenta, un poco a saltos, y no crea ninguna tensión (quizá tampoco lo pretenda, esa es la verdad); en toda la estancia en Madrid del protagonista esto se acusa especialmente. El final –que no cuento, claro- sin ser espectacular es más que suficiente. Por cierto, hablando de final diré que he tenido cierta sensación de círculo que se cierra, de paralelismo principio-final: sin entrar en detalles, la historia comienza por Peter Wheeler y acaba con Peter Wheeler.

No quiero volver a insistir en cómo escribe MARÍAS porque ya he dicho mucho en las entradas anteriores. Únicamente, por añadir algo que me ha parecido específico de este tercer volumen, señalo que hay un poco de MIRAMIENTOS en VENENO Y SOMBRA Y ADIÓS: MARÍAS comenta una fotografía –muy expresiva, por cierto- y tres cuadros del Museo del Prado. Además incluye, como ya hizo en el primer volumen, algunas imágenes más que dan verosimilitud a todo lo que nos va contando.

Un libro interesante TU ROSTRO MAÑANA, un tanto singular, que me ha gustado mucho y que recomiendo a cualquiera (con tiempo por delante, eso sí) aunque no estoy seguro que guste a todos.

JAPÓN

2011-03-14T17:34:00.011+01:00

Esta es una entrada atípica en selecciónARTE, porque muy rara vez hago referencia a sucesos de actualidad. Ahora mismo sólo recuerdo dos ocasiones: el lunes siguiente a la victoria de España en el Mundial de Sudáfrica (era obligado) y la concesión del Premio Príncipe de Asturias a Norman Foster (que a pesar de ser actualidad entonces, encajaba estupendamente en la línea editorial).

Pero no me resisto a publicar hoy estas líneas sólo para dejar constancia de que estoy con JAPÓN. Hace un par de años estuve por allí (en el sur, esa es la verdad: no en la zona del terremoto) y volví fascinado. Así que sigo con auténtico interés lo que pasa, supongo que como lo estamos haciendo todos, sobrecogido por las imágenes impresionantes que veo en los medios. Poco puedo hacer por ellos desde aquí, pero quiera Dios que vuelvan cuanto antes a la normalidad, si es que después de una cosa así se puede volver a la normalidad que tuvieron …

DOMUSAE, ESPACIOS PARA LA CULTURA, en el SALÓN DE REINOS del ANTIGUO PALACIO DEL BUEN RETIRO

2011-03-08T15:52:00.001+01:00

Si uno busca en el diccionario de la RAE el término museo, encuentra su origen en el griego museion y el latino museum, el lugar dedicado a las musas. Si busca musa (del griego musa y del latín musa), confirma lo que ya sabía: que una musa en una deidad mitológica protectora de las ciencias y de las artes. Y si uno intenta localizar DOMUSAE en un diccionario latino, no encuentra nada, pero entiendo que pretende ser una contracción de domus musæ, la casa de la musa (de mi escaso latín de BUP –sí, yo hice el prehistórico BUP- sospecho que musæ es el genitivo singular de musa, musæ, de la primera -como rosa, rosæ- y por lo tanto de la musa).

Con este título singular y acertado, DOMUSAE, la Gerencia de Infraestructuras y Equipamiento del Ministerio de Cultura ha organizado en lo que queda del PALACIO DEL BUEN RETIRO y antiguo MUSEO DEL EJERCITO (ahora en el ALCÁZAR DE TOLEDO) una exposición subtitulada ESPACIOS PARA LA CULTURA. Reúne un buen numero de proyectos –planos, dibujos, maquetas, fotografías, vídeos de los autores- de edificios culturales en España (no digo españoles porque, aunque todos lo sean por localización geográfica, no todos lo son por autoría): museos, bibliotecas, archivos …

Los proyectos son en su inmensa mayoría muy conocidos, pero eso no les resta interés: viene muy bien repasar lo bueno, y es grato revisitar edificios de alta calidad (el MUSEO ROMANO DE MÉRIDA de RAFAEL MONEO, o el MUSEO PROVINCIAL DE ZAMORA de MANSILLA Y TUÑÓN, por citar sólo dos ejemplos de arquitectura conocidísima y felizmente reencontrada).

Pero lo que de verdad me interesaba de esta exposición era el lugar, ver qué se había hecho con el SALÓN DE REINOS y el resto del edificio. Y, la verdad, ha sido un auténtico chasco. No termino de entender eso de tirar paredes sin más, de mantener huecos –rotos, realmente- sin cerrar, o dejar lo que había tenga o no tenga interés (esos expositores/vitrina de madera que todavía conservan los rótulos de las armas que contuvieron ¿qué pintan?). El propio SALÓN DE REINOS está oculto: eso es el montaje de DOMUSAE y, vale, lo entiendo. Pero el resto no tiene nombre (o sí, pero prefiero no decirlo …).

MIRAMIENTOS, de JAVIER MARÍAS

2011-03-03T16:29:00.003+01:00

MIRAMIENTOS es un experimento de JAVIER MARÍAS que me pasó la misma persona que me ha dejado TU ROSTRO MAÑANA: una recopilación de comentarios a fotografías/retratos de otros escritores, e incluso a algunas fotos suyas, que fueron publicados originalmente en CUADERNOS CERVANTES (revista universitaria de LUIS REVENGA de muy escasa difusión, por lo que dice el propio MARÍAS).

Me parece que MIRAMIENTOS no tiene otro interés que la pura forma, el modo y el estilo de lo escrito, su calidad. Los comentarios pretenden estar despojados de cualquier otra valoración distinta de lo que MARÍAS ve en cada fotografía, y lógicamente del conocimiento que tiene del autor y su obra. Pienso que es imposible lograrlo del todo: es dificilísimo no utilizar lo que uno sabe y no forzar los comentarios -supuestamente asépticos- para que coincidan con la realidad; pero, como el autor en cierta medida lo consigue, al final lo de menos es quién salga en la foto, que sean personajes conocidos o no: podría comentar imágenes de escritores o de cualquier otra cosa, lanzadores de peso, por ejemplo. Un texto para ratos sueltos que, en cualquier caso, se lee muy bien.

CABECERA DE FEBRERO 2011: LOS JARDINES DE KLIMT

2011-02-28T16:38:00.000+01:00

Durante el mes de febrero de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de AVENIDA EN EL PARQUE SCHLOSS KRAMER (WEG IM PARK VON SCHLOß KRAMER: no se alemán, pero sospecho que podría ser más ajustado CAMINO EN EL PARQUE DEL PALACIO -o castillo- KRAMER), de GUSTAV KLIMT. Óleo sobre lienzo pintado en 1912, mide 110 x 110 cm. y se encuentra en el BELVEDERE de Viena.

La culpa de esta cabecera (que no era la inicialmente prevista para febrero) la tuvo el THYSSEN y sus JARDINES IMPRESIONISTAS. AVENIDA EN EL PARQUE SCHLOSS KRAMER no estuvo en Madrid, pero los tres cuadros de KLIMT que se exponían me llamaron la atención y me trajeron Viena a la cabeza: quizá no fueran los mejores (ni de la muestra del THYSSEN ni de la producción del pintor) pero me hicieron repasar la Secession vienesa, y KLIMT se coló –de nuevo- en selecciónARTE.

EL MUSEO CERRALBO de MADRID

2011-02-23T15:54:00.006+01:00

Las casas-museo, o los palacios-museo, me atraen: me parece que siempre tiene interés y que enseñan mucho. Si la personalidad de quien las habitó era notable, su casa nos dice mucho de su época, de su forma de vida y de sus intereses. Ejemplos de casas-museo apasionantes (cada una con sus características específicas, no siempre comparables) hay muchos. Muchas –muchísimas- aún las tengo pendientes, y algunas las he podido visitar: de Londres recuerdo la WALLACE COLLECTION y el SOANE MUSEUM; en París, el espectacular JACQUEMART ANDRÉ; en Amberes la casa de RUBENS; en Roma, como no, VILLA FARNESINA. En Madrid tenemos, que ahora me vengan a la cabeza, el LÁZARO GALDIANO o la casa de SOROLLA.

Y desde hace unas semanas otra vez el MUSEO CERRALBO.

El MUSEO CERRALBO llevaba años cerrado, y no lo había visto nunca. Me apetecía mucho, muchísimo, visitarlo; así que cuando me enteré de que el pasado 13 de diciembre lo habían reabierto me propuse ir sin más retrasos. Hace un par de domingos, sólo –ninguno de mis habituales acompañantes a museos mostró especial interés- me fui para allá lleno de ganas. Por desgracia, no puedo decir que me entusiasmara, ni muchísimo menos. Y mira que iba bien dispuesto, pero nada. No me resulta fácil decir esto, porque realmente me encantaría poder decir lo contrario (que aquello me fascinó) pero entré lleno de ilusión y salí con una enorme impresión de … me sale mediocridad, pero no es eso: es impresión de que todo en el CERRALBO se queda a medias. A medio camino entre lo habitual y lo sorprendente, lo habitual y lo interesante, lo habitual y la obra de arte, lo habitual y la gran colección, lo habitual y la opulencia. Se me puede decir, con razón, que aquello no es habitual: por supuesto que no, precisamente por eso es una casa-museo visitable. Es, sin duda, singular: tiene interés y está magníficamente restaurado. Pero no es una gran casa-museo. A todo hay que ponerle diminutivo, todo es –ito o –ita (museito, palacito, coleccioncita).

Como edificio, el MUSEO CERRALBO tiene poco qué: es muy caótico y sin espacios de especial impacto. Sin ser el no-va-más, lo único que llama la atención desde el punto de vista arquitectónico es el vestíbulo de acceso, con su doble circulación a ambos lados del eje de entrada y su escalera principal (la Escalera de Honor, le llaman) a la espalda del recién llegado. En el Entresuelo, donde se sitúan las estancias privadas del Marqués y su familia, no hay mucho que reseñar: habitaciones de época, recargadas y con un criterio decorativo un punto dudoso. Subiendo al Principal, donde se encuentran las estancias representativas, una mezcolanza de objetos de cierto interés: armas de cierto interés, cuadros y esculturas y dibujos y porcelanas de cierto interés, todo en locales y habitaciones de cierto interés … pero nada de auténtico interés. Y otra vez todo con una disposición rara, caótica, con circulaciones extrañas y relaciones entre locales extrañas. Buen ejemplo es la Sala de Baile, sin duda rica en decoración, bonita, vistosa, pero que no es más que una de la cuatro crujías del patio interior, zona de paso abierta en sus dos extremos y discreta de tamaño. Nos dejan a ciegas sobre la parte de servicio (cocinas, caballerizas, etc.), que seguro que también tendría su aquel y complementarían bien el recorrido por la zona noble (imagino que quizá haya desaparecido: será el área administrativa, de almacenes, despachos y todos esos locales que necesita una institución cultural). El jardín está rigurosamente cerrado y no se puede salir.

¿Qué salvo del CERRALBO? Salvar, salvar, lo salvo todo: no es un gran museo, pero es un museo que vale la pena visitar. Quizá lo que más me ha interesado –ya lo decía al comenzar, hablando en general de las casas-museo- es ver (saber más o menos ya lo sabemos, pero otra cosa es verlo, pasearlo, recorrerlo) cómo vivía la clase alta de finales del XIX y arranque del XX: cuáles eran sus gustos, sus aficiones, sus ideales, sus comodidades … y todo eso sí se ve en el MUSEO CERRALBO. Yo no soy especialista, y quizá la colección del CERRALBO sea de primera magnitud. Sospecho, en cualquier caso, que no. Así que no hay que ir allí buscando grandes cuadros. Ni fabulosas esculturas. Ni un edificio de primer orden. Hay que ir para ver un conjunto de interés: las piezas sueltas no lo tienen –o no mucho- pero estar en la casa real (de verdad, una casa vivida) de un caballero real (con nombre y apellidos, con fotos de familia sobre las mesas), da muchas pistas.

Lo que sigue es más un desahogo que otra cosa: no aporta nada, y no hace falta leerlo, pero no quiero acabar sin hacer un comentario sobre la forma de acceso al museo: me pareció "de premio" (surrealista, lo califique la semana pasada en algún comentario). Escribí las líneas que siguen el mismo día de la visita, en caliente, y las he dejado enfriar: finalmente he eliminado algunas cosas, pocas … Comenzaba esta entrada contando que fui al MUSEO CERRALBO un domingo por la mañana (y a partir de aquí el texto escrito hace un par de semanas). Era una hora razonable, no muy tarde: pude salir de casa hacia las diez y media, quizá algo después. La realidad es que diez minutos antes de las once estaba pasando por delante de la puerta y, efectivamente, estaba abierto: algunas personas estaban pasando. Aparqué (en Juan Álvarez Mendizábal, nada más girar la esquina de Ventura Rodríguez), hice una llamada y me encaminé a la puerta. Vi enseguida cierta cola, que me sorprendió porque muy pocos minutos antes no había nada; llegué a la puerta, pregunté (sí, era la cola para pasar) y me puse al final, suponiendo que sería una cola momentánea. Pero de eso nada: hasta tres cuartos de hora estuve esperando: el aforo está limitado a 60 personas, y hasta que no salen los que están dentro no pasan los siguientes. Demencial. Absolutamente demencial. Mientras haces cola no te lo puedes creer. Notas que la gente primero se sorprende y luego se enfada. Alguno incluso se encara con el tipo de seguridad que controla el acceso. Te imaginas salas vacías mientras tú, y muchos contigo, esperáis en la acera con un frío de bigotes … 45 minutos! Es un sistema pensado, como mucho, con los pies, por no citar otras partes de la anatomía. Y lo más gordo es que cuando yo salía, ya casi a la una, en la puerta aún hacían cola, esperando su turno para pasar, personas que yo había visto antes de entrar: podían llevar ahí aproximadamente hora y media! ¿No hay nadie capaz de pensar algo?: hacer grupos guiados para evitar la dispersión de los visitantes, prever recorridos y hacer pases de grupo más frecuentes, por ejemplo; o en esta época nuestra de Internet, donde muchos miramos antes de acercarnos a un museo, intentar organizar un sistema de pases con horario. Algo, lo que sea. Pero aquello, tal y como está, tiene poco sentido.

Hasta aquí lo que escribí entonces. Ahora, con un poco más de sosiego, reconozco que puede ser exagerado. Es verdad que en cualquier información sobre el museo avisan que el aforo limitado; es verdad que por la extraña estructura del CERRALBO es complicado verlo si hay mucha gente (como no hay un sentido claro de la marcha de la visita, se producen cruces constantes); y es verdad que una visita con poco público –a veces está solo en las estancias- es muy grata. Pero me sigo preguntando si algún responsable del museo no podría pensar un sistema más razonable: seguro que si se ponen …

EL ESPLENDOR DEL ROMÁNICO, en la FUNDACIÓN MAPFRE/RECOLETOS de MADRID

2011-02-15T16:04:00.006+01:00

Dejando a un lado su habitual línea de trabajo centrada en el arte de finales del XIX y principios del XX, la FUNDACIÓN MAPFRE trae a Madrid auténticos tesoros (creo que no exagero mucho) del MUSEO NACIONAL DE ARTE DE CATALUÑA.

Tuve la oportunidad de ver EL ESPLENDOR DEL ROMÁNICO el mismo día de su inauguración (no tiene ningún mérito especial, ni tampoco especial intención: comí muy cerca y, despedidos los comensales, me acerqué al Paseo de Recoletos). Con una afluencia de visitantes razonable, pude ver la exposición con tranquilidad y detalle. Me gustó mucho. Y me gustó todo lo que vi.
Siempre me ha interesado el arte románico, y la vedad es que disfruté en este recorrido de buenos ejemplos del arte medieval, fundamentalmente catalán. Primero los frescos; luego el trabajo en piedra (la DOVELA DE RIPOLL me pareció sensacional); después la pintura sobre tabla en frontales de altar y baldaquinos, todos espectaculares; enseguida las tallas de Cristos crucificados o en majestad (la MAJESTAD BATLLÓ es impactante); y finalmente la orfebrería, cuidadísima y rica. Auténticos tesoros, ya lo decía al comenzar.

Cuando uno termina el recorrido se reafirma en la riqueza de lo medieval, en la fuerza de una religión que inspira un arte simbólico, bello, y a la vez tremendamente pedagógico. Y es que uno acaba de ver un arte que pretende enseñar, enriquecer y engalanar la arquitectura del espacio sacro -el templo- y las propias funciones litúrgicas. Un arte anticlásico y antinaturalista, que no persigue el detalle ni se pierde en lo superfluo. Un arte vigoroso, esquemático, expresivo, que busca transmitir un mensaje muy concreto. Un arte que persigue la claridad expositiva, que le tema salte a la vista y que el hombre no se pierda en lo superfluo ni se despiste. Un arte con sus propias reglas, que hay que conocer para no disparatar al comentarlo: ¡todavía alguno se atreverá a decir que el medioevo fue una época oscura!

Además, la instalación está lograda: normalmente no estoy cómodo en las salas de esta sede, me parecen –las salas y la sede en conjunto- poco acertadas. Pero en esta ocasión el montaje está conseguido, con sus paredes en negro y la iluminación con la intensidad necesaria y bien dirigida. La sala circular donde se ha colocado la MAJESTAD BATLLÓ es para estar allí un buen rato.

En fin, que EL ESPLENDOR DEL ROMÁNICO me ha parecido una exposición muy buena, de esas que no hay que perderse: está abierta hasta le 15 de mayo. Además deja dentro enormes ganas de visitar también el MUSEO NACIONAL DE ARTE DE CATALUÑA: no lo conozco, y tendré que buscar la ocasión ...

LAS OVEJAS DE GLENNKILL, de LEONIE SWANN

2011-02-09T16:56:00.003+01:00

Hace algún tiempo leí en el blog de LILLU una entrada sobre LAS OVEJAS DE GLENNKILL. Le había hecho mucha gracia y, aunque ella misma sugería en un comentario la posibilidad de que no fuera para tanto, me pareció que podía valer la pena arriesgar y leer algo realmente divertido. Por desgracia, no me lo ha parecido: lo más que ha conseguido es arrancarme alguna sonrisa.

LEONIE SWANN nos cuenta como un rebaño de ovejas investiga la misteriosa muerte de su pastor. El planteamiento es original, sugerente, pero el desarrollo de la acción es lento y repetitivo, y la estructura de la novela es confusa en algunos momentos. Es verdad que la forma de actuar de las ovejas resulta ingeniosa, realmente muy ovina: su falta de fijeza, su mundo pequeñito, su desconocimiento de los humamos, la importancia del olfato, su constante preocupación por la comida … Pero poco más: la historia avanza con lentitud, deslabazada, y el final es muy regular.

LAS OVEJAS DE GLENNKILL me ha traído a la cabeza en varias ocasiones al genial humorista GARY LARSON, que tiene la grandísima habilidad de hacer inteligentes a los animales y simplones a los humanos. Con la diferencia de que LARSON consigue en una viñeta lo que SWANN estira en 376 páginas. Valga ésta como ejemplo: no es lo mejor de LARSON y son vacas en lugar de ovejas, pero tiene bastante que ver con la idea de fondo de LAS OVEJAS DE GLENNKILL.

EL PATIO DE LA NUEVA SEDE DEL AYUNTAMIENTO DE MADRID

2011-02-03T15:50:00.000+01:00

Ya comenté hace meses que estaba abierto la público el patio trasero de la nueva sede del Ayuntamiento de Madrid, el hasta ahora PALACIO DE COMUNICACIONES de la Plaza de Cibeles, el estupendo Edificio de Correos de ANTONIO PALACIOS Y JOAQUÍN OTAMENDI de toda la vida (alguno recordaréis que ya hemos hablado de ANTONIO PALACIOS en selecciónARTE). Recientemente he vuelto a pasar por allí, cámara en mano, y se me ocurre un breve comentario, con dos precisiones previas: por un lado, siempre me ha parecido que la Plaza de la Villa es una de las más logradas de Madrid, y la antigua sede del Ayuntamiento de GÓMEZ DE MORA con sus añadidos de JUAN DE VILLANUEVA, sin ser el no-va-mas, es un edificio que está bastante bien. Por otro, sé que la cubierta de la que hoy hablo forma parte de una intervención global en el edificio, y seguramente para entenderla del todo habría que estudiar el edificio acabado y funcionando como sede del Ayuntamiento. Dicho esto, añado que la intervención me ha dejado bastante frío.

La CUBIERTA es indudablemente un obrón, y el aspecto del patio no es malo; un tanto desangelado, quizá, pero vistoso: esto no lo niega nadie (PALACIOS y OTAMENDI tienen una buena parte de merito en esto de lo vistoso, claro). Nadie negará tampoco, me imagino, el interés que tienen los reflejos de la cubierta -y del cielo- en las ventanas interiores, o de las transparencias que permiten ver la torre/cimborrio principal del edificio contra el cielo azul de Madrid.

Pero opino que una cubierta así para un patio irregular sólo queda regular, tan deforme: un espacio raro –en el fondo, residual- con una cubierta rara. Si cubrir el patio fuese una necesidad, si la cubierta tuviera un motivo de entidad que la justificara, todavía se podría entender la operación: que el patio pasara a ser la zona de acceso principal del edificio, o su vestíbulo principal, o un vestíbulo secundario de distribución y atención al público, o a determinado público, o … algo, lo que sea: vale. Pero tanta cubierta para un patio que no parece que tenga ningún uso singular es difícilmente explicable. El Ayuntamiento y el arquitecto (FRANCISCO RODRÍGUEZ PARTEARROYO) dicen que este espacio es la primera plaza cubierta de Madrid, y pretenden usarlo para recepciones y conciertos. Quizá demasiado para tan poco. Y –aunque se trata de un asunto difícil de valorar, que podría dar lugar a cientos de comentarios (¿qué es copiar? ¿se puede copiar?) y que a mi no me parece gravísimo- si encima se trata de una cubierta que ya conocemos, un refrito de la NORMAN FOSTER en el BRITISH MUSEUM (el mismo PARTEARROYO admite la inspiración), ya no te quiero ni contar. Reconoceréis que las similitudes son más que evidentes:

Admito que mi comentario es precipitado, que habrá que ver cómo se usa el espacio del patio cubierto cuando el Ayuntamiento esté funcionando al 100%. Pero por ahora me ha parecido un proyecto correcto … pero vulgar, por excesivo y por ya sabido.

CABECERA DE ENERO DE 2011: el ENERO del VIEJO BRUEGEL

2011-01-31T15:51:00.001+01:00

Durante el mes de enero de 2011 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de CAZADORES EN LA NIEVE, de PIETER BRUEGEL, conocido como BRUEGEL EL VIEJO. Óleo sobre tabla pintado en 1565, mide 117 x 162 cm. y se encuentra en el KUNSTHISTORISCHES MUSEUM de Viena.

Corresponde al mes de enero de la serie de los meses que BRUEGEL pintó para NICLAES JONGHELINCK, importante marchante de AMBERES. No se sabe con seguridad si BRUEGEL pintó doce tablas, una por cada mes del año, o sólo seis, agrupando los meses de dos en dos (en este caso nuestra cabecera correspondería a diciembre/enero). Lo que sí está claro es que sólo nos han llegado cinco cuadros: CAZADORES EN LA NIEVE (diciembre/enero), DÍA SOMBRÍO (febrero/marzo), LA SIEGA DEL HENO (junio/julio), LOS COSECHADORES (agosto/septiembre) y EL REGRESO DE LA MANADA (octubre/noviembre). Falta, por lo tanto, el correspondiente a abril/mayo. Todos fueron pintados el mismo año, tres están en el KUNSTHISTORISCHES de Viena, uno en la COLECCIÓN LOBKOWICZ de Praga y otro en METROPOLITAN de NYC.

EL RECTOR DE JUSTIN, de LOUIS AUCHINCLOSS

2011-01-25T13:59:00.000+01:00

Francis Prescott fue un joven listo, deportista, de buena familia de Boston, con todo un carrerón por delante. Pero en lugar de internarse por los caminos del mundo, decidió seguir su vocación religiosa: se ordenó pastor episcopaliano y fundó un colegio de enseñanza media masculino, St. Justin Martyr. Con el paso del tiempo St. Justin acaba siendo un centro educativo de referencia, por cuyas aulas pasa lo más granado de la juventud protestante de la Costa Este. Cuando en otoño de 1939, Francis Prescott, con casi ochenta años, está al borde de la jubilación, Brian Aspinwall llega al colegio. Es un joven educado en Oxford que también tiene en la cabeza la carrera eclesiástica, un hombre apocado y con el peso no poder participar en la Guerra Mundial (por un problema de corazón ha sido declarado no apto para ser soldado). Rápidamente queda deslumbrado por la figura de EL RECTOR DE JUSTIN. Aspinwall va escribiendo un diario, que es precisamente la novela que tenemos entre las manos. Y a medida que va conociendo a personajes relacionados con St. Justin y con Prescott, va recibiendo información que intercala entre las entradas del diario. Así AUCHINCLOSS nos va dando a conocer la vida y la personalidad de Prescott. EL RECTOR DE JUSTIN es, por tanto, una biografía compuesta a base de relatos: el diario del narrador principal y los distintos manuscritos que le van llegando de manera más o menos casual. Y cada uno de ellos nos muestra una faceta distinta del mítico director de St. Justin: desde la devoción que le profesa Brian Aspinwall, pasando por el amor de su mujer o la reverencia del claustro de profesores, hasta el miedo de sus alumnos que en algún caso llega al odio.

En el fondo, con este juego de declaraciones a favor y en contra LOUIS AUCHINCLOSS trata un asunto conocidísimo y a la vez interesantísimo: que todos tenemos nuestras luces y nuestras sombras, tenemos momentos de lucidez, brillantes incluso, y momentos más oscuros; que esas luces y esas sombras se multiplican a los ojos de los demás: si nos miran con comprensión o con cariño o con reverencia, magnifican nuestra figura, pero si no lo hacen así, no entienden nuestra forma de actuar y nos destrozan sin compasión; y que, al final, nada es blanco ni negro: la vida se hace de grises, de matices. Ninguno somos perfectos, ni somos auténticos patanes (creo que estas ideas también me ha venido a la cabeza porque hace poco volví a ver CRASH, una película que me parece sobresaliente y que trata este asunto magníficamente).

EL RECTOR DE JUSTIN es un libro que me deja una impresión contradictoria: lo empecé hace un par de meses y paré enseguida, porque no conecté nada; lo volví a coger hace semana y media y lo he devorado; mientras lo iba leyendo me enganchó mucho, he disfrutado con el libro, con el tema y con los personajes; pero al acabar, la sensación no es de librazo. Es un libro correcto, interesante, muy bien estructurado, parece que estupendamente escrito (no conozco el texto en inglés, pero la traducción de IGNACIO PEYRÓ se lee muy muy bien, y eso se agradece) … Pero notas que le falta algo. Lo he pensado, y la verdad es que no sé qué puede ser. Una pena, porque ya digo que mientras leía me estaba pareciendo magnífico. Sospecho que tiene que ver con que enganché con la historia y con su protagonista, Francis Prescott, pero no con Brian, su narrador, cuya personalidad rechina con frecuencia. Es verdad que Brian Aspinwall va encontrando su sitio poco a poco, pero sorprende que una persona como Prescott le apadrine con tanta facilidad … En especial me ha costado conectar con sus dudas religiosas y sus referencias a la religión; y de nuevo no sabría decir por qué, porque no resultan inadecuadas: son muy lógicas y, en gran medida, las que definen al personaje. Pero no me han interesado. Por cierto, hablando de la religión en EL RECTOR DE JUSTIN, y sin entrar en profundidades, me parece confuso cómo utiliza algunos términos que yo siempre he entendido como católicos, especialmente sacerdote, para referirse a los ministros episcopalianos, a los que yo siempre había llamado pastores, aunque a lo mejor es correctísimo: no sé como dicen ellos. Un asunto mínimo, en cualquier caso.

A pesar de todo lo dicho, pienso que EL RECTOR DE JUSTIN está por encima de la media: su lectura enriquece y vale la pena, no es -en ningún caso- una pérdida de tiempo. Dicen que es la mejor novela de LOUIS AUCHINCLOSS: no lo sé, y aunque no me haya entusiasmado, no me importaría leer alguna otra cosa suya. Un autor que para mi era desconocido hasta ahora y que, cómo no, me ha sido presentado por LIBROS DEL ASTEROIDE …

TU ROSTRO MAÑANA 2, BAILE Y SUEÑO, de JAVIER MARÍAS

2011-01-20T15:55:00.000+01:00

La segunda parte de TU ROSTRO MAÑANA es continuación de primera en todos los sentidos: todo lo dicho al comentar el primer volumen (FIEBRE Y LANZA) se pude decir de BAILE Y SUEÑO. Todo.

Es verdad que la acción principal no es una cena, su noche y su siguiente mañana, sino otra cena, un rato de discoteca, y una buena paliza. Pero fuera de eso, el esquema es calcado. O mejor, es la misma novela: acababa la primera con una misteriosa mujer siguiendo al protagonista, y arranca la segunda con esa misma mujer llamando a la puerta de su portal. Y a partir de ahí, digresiones, avances y retrocesos en el tiempo, recuerdos, conversaciones con su mujer, la guerra civil, su padre ... todo. Incluso igual que FIEBRE Y LANZA terminaba dejándonos en una acción incoada y sin desenlace, BAILE Y SUEÑO hace lo mismo.

Como tema que insistentemente recorre todo el texto aparece la acción del paso del tiempo: el presente y la manipulación del pasado, el pasado y el olvido (“lo que ya no es no ha sido”, “lo que fue ya no ha sido” “puesto que ya no eres, nunca has sido”), el futuro previsible y TU ROSTRO MAÑANA.

Por señalar alguna cosa, diría que MARÍAS insiste en el tema de la salvación: haz esto “y sálvame”; haz aquello “y entonces sálvate”; “ahórrale cualquier riesgo y sálvalo”; “no es solo callar lo que salva”; “y eso puede bastar para salvarse”. Concretamente la expresión “calla y entonces sálvate” la he señalado al menos tres veces en el texto. ¿Qué quiere decir? Por ahora, no soy capaz de descifrarlo ...

También me ha llamado la atención la cantidad de ternas que utiliza. Retahílas largas de sinónimos o de verbos que expresan una acción similar hay muchísimas, pero en muchas ocasiones los enlaza de tres en tres, provocando un ligero ritmo interno: “un hipermercado o supermercado o pseudomercado”; “no iba a discutirme nada, ni a llevarme la contraria, ni a indisponerse conmigo”; “tan sólo maleza o arena o ciénaga”; “a los pies de los caballos zainos y en la boca pseudonegra del lobo y ante el foso de los cocodrilos”; “un gran melón, un mameluco y un plasta”; “por estrecha y por ceñida y por ajustada la falda”; “no se divide ni se distingue ni se distancia”. Y así podrá copiar muchos más ejemplos.

Me ha gustado mucho el pedaleo sobre el juicio final, y me ha cansado un poco el pedaleo sobre la mancha de sangre ...

Y como todo lo dicho al comentar el primer volumen (FIEBRE Y LANZA) se pude decir de BAILE Y SUEÑO, también diré que este segundo volumen de TU ROSTRO MAÑANA me ha gustado tanto –o casi tanto- como el primero.

RUBENS en el MUSEO DEL PRADO

2011-01-13T19:24:00.005+01:00

Llevo mucho tiempo sin comentar las exposiciones que veo. Es cierto que las últimas semanas/meses ando con poco tiempo, que no he conseguido ver todo lo que me hubiera gustado, y que me he perdido alguna cosa que sí me apetecía …

Haciendo un resumen de lo visto, diré que me defraudó MADE IN USA en MAPFRE RECOLETOS; que, en cambio, me pareció estupenda y me interesó mucho LOS PAISAJES AMERICANOS DE ASHER B. DURAND en la FUNDACIÓN JUAN MARCH (ya acabó); que RENOIR en el MNP era una visita obligada y que se ajustó con precisión a lo que esperaba: un artista de calidad, poca obra expuesta, y unas imágenes demasiado cursis para mi estómago (ya he comentado en algún sitio que RENOIR no es santo de mi devoción, y que eso con toda seguridad dice menos de mi que él, pero así son las cosas); que JARDINES IMPRESIONISTAS en el THYSSEN y CAJAMADRID-ALHAJAS me pareció muy conseguida aunque un poco empachante: todo demasiado igual (eso sí, los tres cuadros de GUSTAV KLIMT, espectaculares); que tengo a medias PINTURA DE LOS REINOS, pendiente todavía de ver la sección expuesta en el PALACIO REAL.

Señalo de manera especial la muestra de RUBENS porque me impactó –me encantó- la disposición de los cuadros, el concepto/montaje de la exposición que ya en sí tiene cierto carácter de obra de arte. Obra de arte hecha a base de obras de arte. Casi casi una instalación construida a partir de cuadros del genial RUBENS. Un acierto que vale la pena visitar. Para el que quiera saber más, aquí está la completísima explicación que hace el propio Museo.

EL PÁJARO ESPECTADOR, de WALLACE STEGNER

2011-01-07T15:57:00.003+01:00

Estoy deslumbrado con WALLACE STEGNER: EN LUGAR SEGURO y ÁNGULO DE REPOSO fueron, sin duda, de lo mejor –incluso lo mejor en absoluto- que leí en 2010, y EL PÁJARO ESPECTADOR ha sido un arranque sensacional para 2011.

Tenía muy buenas referencias de EL PÁJARO ESPECTADOR, me gustó la estupenda entrada que le dedica ISI, y los otros dos títulos habían puesto el listón muy alto. Así que corría el peligro de llevarme otro chasco, como me pasó con LA HIJA DE ROBERT POSTE. Pero no: no me ha defraudado nada. Todo lo contrario, ¡menudo pedazo de novela!: me ha parecido magnífica.

Para contar el argumento de EL PÁJARO ESPECTADOR recurro de nuevo a la contraportada del libro, que en esta ocasión sí lo resume de manera adecuada:

Joe Allston es un agente literario jubilado que vive retirado en California junto a su mujer, Ruth; sin antepasados ni descendientes (sus padres y su único hijo murieron hace tiempo), se siente como un espectador que asiste al final de su vida. La llegada de la postal de una vieja amiga le obliga a volver sobre los diarios que escribió veinte años atrás cuando, durante unos meses, viajó con su mujer por Dinamarca para conocer el país del que era originaria su familia. Ruth convence a su marido para que cada noche le lea un fragmento de esos diarios, y así van reviviendo lo sucedido durante aquel viaje, en especial la relación del matrimonio con la misteriosa aristócrata danesa Astrid Wredel-Krarup, que fue su anfitriona en Copenhague. El recuerdo de esa época despierta en ellos sentimientos y preguntas largamente postergados y les lleva a reflexionar sobre aspectos trascendentales de sus vidas. Al igual que en novelas anteriores, Stegner consigue retratar con precisión la multiplicidad de sensaciones y sentimientos que se agolpan en la madurez. El pájaro espectador mereció el National Book Award en 1977.

WALLACE STEGNER crea otra vez unos personajes absolutamente de carne y hueso, los encaja en un marco completamente creíble, y consigue que te apetezca conocerles, charlar con ellos, formar parte de su grupo de amigos. Unos caracteres reales, cultos (a mi esto me engancha mucho: gente culta, que lee, que cita, que conoce a personajes realmente interesantes …), ingeniosos, con corazón, con virtudes y con defectos.

El autor recurre de nuevo a los recuerdos –en este caso en forma de diarios- mezclados con el presente. La historia de Joe y Ruth en el presente nos habla del miedo a envejecer y la realidad irremediable del envejecimiento; me parece que está completamente conseguida. La historia del pasado nos cuenta las semanas que pasaron en Dinamarca con la Condesa Astrid Wredel-Krarup; es más desconcertante, porque a medida que la trama avanza, resulta novelera, un poco dramón, y STEGNER la fuerza para llevar al lector por un camino que, al menos a mi, me estaba resultando sorprendente por poco real: ¿cómo encaja esto con lo otro?, me iba preguntando ... Hasta que al final todo se pone en su sitio, sin cosas raras, sin necesidad de doble voltereta con tirabuzón y, además, de una manera y con una profundidad que me ha parecido muy lograda.

Por citar algunos detalles más, hay a lo largo del texto un cameo de KAREN BLIXEN que resulta genial. Y citas en danés que he encontrado desconcertantes, por incomprensibles; pero supongo que STEGNER no traduce esas frases en su novela, y el traductor al castellano, con buen criterio, tampoco lo hace.

No es fácil contar más de EL PÁJARO ESPECTADOR sin destripar la historia, y por eso no haré más comentarios, pero desde luego me ha parecido bastante redonda. Es más que evidente que soy un forofo de WALLACE STEGNER (ya lo decía al empezar), y por lo tanto mi opinión puede ser parcial. Quizá a algunos EL PÁJARO ESPECTADOR no os parezca para tanto, pero es un libro que yo recomiendo a cualquiera, a todos (¡Y tres hurras por LIBROS DEL ASTEROIDE!).

TEA, TENERIFE ESPACIO DE LAS ARTES, de HERZOG & DE MEURON ARQUITECTOS, en SANTA CRUZ DE TENERIFE

2011-01-03T15:51:00.000+01:00

A mediados del mes pasado tuve que hacer un viaje a Canarias. Una cosa rápida: un día en Tenerife y otro en Gran Canaria. El trabajo tinerfeño me ocupó toda la mañana y el medio día -la comida- de un viernes, y antes de subir al aeropuerto para saltar a la otra isla me quedaba más o menos hora y media en Santa Cruz, tiempo que aproveché para visitar el TEA, TENERIFE ESPACIO DE LAS ARTES, un Centro Cultural proyectado y construido por los arquitectos suizos JACQUES HERZOG & PIERRE de MEURON. En un viaje anterior lo había visto en obras, y tenía muchas ganas de visitarlo acabado.

El TEA se sitúa junto al Barranco de Santos, en la parte baja de Santa Cruz, y contiguo al MUSEO DE LA NATURALEZA Y DEL HOMBRE. Es un edificio alargado, paralelo al barranco, que se adapta al terreno que va cayendo hacia el mar. Aunque el edificio una vez pensado es relativamente sencillo, la primera impresión es de una complejidad notable.

El volumen general está formado por dos piezas distintas, una triangular y otra irregular, cuyas cubiertas se tocan –casi casi sólo se rozan- en dos puntos; entre ambas piezas se configura un patio, también triangular. Precisamente en los puntos de contacto de las cubiertas están los accesos al conjunto, por los que se nos permite el paso desde el exterior. Un paso permanente abierto: realmente el recorrido por el interior del TEA es una comunicación más entre dos zonas de la ciudad, un recorrido urbano siempre accesible al ciudadano, que atraviesa el TEA como quien circula por la calle cuando va al trabajo o pasea por el parque cuando quiere despejarse.

La imagen exterior es muy hermética, una masa enrome (de un material que me pareció hormigón con un acabado rayado que no sé con precisión qué es, pero podría hacer referencia a piedra volcánica de color gris oscuro) que se perfora en pequeños huecos con formas geométricas pero irregulares, como piezas de Tetris, que recuerdan a la pixelación de una imagen. Esos pequeños huecos varían de densidad en función de las estancias que encierran: más en unos sitios y muy pocos en otros. Y varían también de aspecto en función de la hora del día en las que los veamos: mientras hay luz en el exterior –esa intensa luz de las Islas Canarias- son pequeños espejos que relejan fragmentos de luz o de ciudad; de noche, en cambio, son troneras por las que se asoman cientos de luces amarillentas que perforan el muro oscuro.
Al recorrer ese paseo interior del que hablábamos arriba, que es entrar en el TEA pero en el que todavía no entramos, todo cambia: accedemos a la plaza triangular (desgraciadamente cubierta con toldos, aunque también supongo que necesariamente cubierta para evitar el calor y exceso de luz) y encontramos una imagen completamente opuesta, permeable, en la que abarcamos gran parte del espacio interior, aunque todavía no logramos entenderlo del todo …

Si accedemos propiamente al interior, los recorridos siguen siendo un punto fuerte del TEA: el edificio nos obliga llegar hasta el final del profundo vestíbulo, donde nos espera la escalera, y desde allí subir o bajar para volver sobre nuestros pasos, aunque en planos distintos: un piso por encima si queremos ir a al salón de actos o uno por debajo si lo que queremos es llegar a la biblioteca. Es obligatorio citar ahora el pasillo del piso superior que acaba en el techo, y obligatorio verlo para entenderlo (la foto no termina de aclarar el asunto; en cualquier caso, aquí dejo muchas más). No tuve ocasión –ni tiempo- de ver las salas de exposiciones, pero sí la maravillosa biblioteca, un espacio que me pareció conseguidísimo dividido en tres partes: dos piezas laterales con techo alto –altísimo- que son las que se asoman a los lados de la plaza triangular de la que ya hemos hablado; y otra central, más baja, cuyo techo es precisamente el suelo de la plaza … Uno de los laterales queda abierto a un patio con vegetación y un mural que no puede apreciar con calma, y el otro se abre hacia el barranco por ese enorme conjunto de “huecos-píxel” con formas y tamaños diversísimos. Y desde aquí salimos de nuevo a Santa Cruz.

Antes dije que el TEA es relativamente sencillo aunque la primera impresión es de una complejidad notable: la misma complejidad que tiene contar cómo es el edificio. Sospecho que mi descripción resulta un tanto/bastante confusa (y eso que apenas he hablado de los espacios, continuos y ricos, ni de los materiales); además, no he sido capaz de encontrar planos (plantas y, sobre todo, secciones) que ilustren la entrada. Por un lado siento esta confusión, porque me ha parecido una pieza de una calidad que no soy capaz de transmitir: es de esos edificios que hay que ver y, sobre todo, recorrer; pero por otro lado, en cambio, no la siento casi nada, porque esta dificultad para describir el TEA responde directamente a la riqueza conceptual y espacial que tiene: un edificio que sin ser el no va más está francamente conseguido.

CABECERA DE DICIEMBRE DE 2010: NAVIDAD

2010-12-31T11:12:00.000+01:00

Durante el mes de diciembre de 2010 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS, de DOMENICO GHIRLANDAIO. Tempera sobre tabla, fue pintado en 1488, mide 285 x 240 cm., y se encuentra en museo del HOSPITAL DE LOS INOCENTES de FLORENCIA.

Aprovecho esta última entrada de 2010 para desearos un magnífico 2011: ¡FELIZ AÑO NUEVO!